Archives de catégorie : spectacle

Traviata – Vous méritez un avenir meilleur

Conception par Benjamin Lazar, Florent Hubert et Judith Chemla d’après Giuseppe Verdi / Mise en scène de Benjamin Lazar / Théâtre du Jorat / du 12 au 13 juin 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

De l’opéra au théâtre

Par Noé Maggetti
Un spectacle inspiré du célèbre opéra de Verdi La Traviata [1853], initialement créé au Théâtre des Bouffes du Nord à Paris, est joué deux fois au Théâtre du Jorat, à Mézières. Au croisement du chant lyrique et du théâtre parlé, cette création portée par des comédien.ne.s et musicien.ne.s virtuoses séduit par un travail d’adaptation croisant les sources et les références… [suite]

Le drame aux camélias

Par Océane Forster
Production du célèbre théâtre parisien des Bouffes du Nord, La Traviata – Vous méritez un avenir meilleur, se déclare librement nourrie de toutes les variantes de l’histoire de Marie Duplessis, de Marguerite Gauthier dans la Dame aux Camélias d’Alexandre Dumas fils à Violetta Valéry dans La Traviata de Verdi… [suite]

Printemps des Compagnies

Hiver à Sokcho / de Frank Semelet / Cette nuit encore jouer les pierres / de Julien Mages / Angèle et Anatole / de Thomas Lonchampt et Emma Pluyaut-Biwer / Théâtre des Osses / du 30 mai au 9 juin 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Après la pluie, le beau temps

Par Lucas Lauth
Ce dimanche s’achevait la troisième édition du Printemps des Compagnies, au Théâtre des Osses à Fribourg. Une soirée riche en émotions, avec trois pièces traitant, chacune sous un angle différent, de l’amour hétérosexuel, puis la remise des deux prix du festival, celui du public et celui du jury… [suite]

Le printemps des émotions

Par Natacha Gallandat
Pour la troisième fois, le théâtre des Osses a offert au public venu en nombre un large éventail de pièces sur deux weekends. Le festival Le Printemps des compagnies est une biennale qui présente dix pièces jouées à plusieurs reprises, pour un total de trente et une représentations… [suite]

Entretien avec Domenico Carli

Par Océane Forster

Un entretien autour de la pièce Géant… ? de Domenico Carli

Critique sur Géant… ?
© Le Courrier

Géant… ? de Domenico Carli a une particularité : c’est une pièce qui se joue le matin. Tous les matins, sauf les mercredis, dans les classes de Lausanne et des alentours. Son auteur me donne rendez-vous à 16h, au Café Romand, à quelques minutes de son atelier. Une fois installé, il commande un verre de blanc : « Quelque chose de sec », précise-t-il. Nous commençons à discuter, il parle du projet sur lequel il travaille en ce moment, l’écriture d’un film documentaire sur l’année 1606 à Fribourg. Il évoque les exigences de scénario qu’implique la collaboration avec les chercheurs et les archivistes de la ville, puis montre des photos de manuscrits enluminés avec lesquels il va être amené à travailler.

Domenico Carli parle du théâtre en pédagogue, mais son assurance est toujours joueuse, presque dandyesque, et tout chez lui est cigarillos cubains, sifflements expressifs et Profumo d’Assenzio. Son approche du théâtre est fluide, évidente, et quand il parle de ses créations, c’est avec une grande conscience des mécanismes qu’il enclenche. Il recherche une écriture dramatique qui se plaît à inventer des dispositifs où toute réplique atteint son but, où chaque action trouve sens et où rien ne reste en suspens. Chez lui, le spectateur déclenche l’écriture : il pense son public avant de penser sa dramaturgie.

Cette année il va écrire sa vingt-cinquième pièce pour « La Main dans le Chapeau », compagnie active depuis près de trente ans qui porte le théâtre auprès d’un public bien spécifique : les salles de classe. Il raconte que cette expérience a forgé sa compréhension du jeune public, exigeant que sa dramaturgie devienne empirique, avec une pratique scénique sans cesse repensée au fil des réactions observées chez les enfants :

« En fait, quand on fait ces projets-là dans les écoles, c’est assez spécifique, puisqu’on joue dans des salles de classe. Avec Pascal Dayer, comédien, pédagogue et fondateur de cette compagnie, on s’est vite rendu compte que ce n’est pas anodin comme espace, la salle de classe, c’est l’espace des élèves, mais vraiment leur espace. C’est-à-dire que quand tu arrives dans cette classe, tu dois avoir une bonne raison d’y entrer, sinon on ne te laisse pas faire… »

Il aborde ainsi son théâtre comme une pratique qui cherche à s’ancrer dans les croyances et les valeurs des enfants auxquels il s’adresse, mais aussi dans leurs espaces. Ainsi, il évoque une mise en scène dans laquelle la ligne de métro M2 (alors en chantier) se trouvait devoir passer par l’emplacement de l’école, impliquant sa destruction.

« Quand les élèves ont compris qu’on allait détruire leur école, ça a été une levée de boucliers ! Moi qui pensais qu’ils allaient s’en réjouir… Pas du tout, c’est leur territoire ! »

Au-delà de l’histoire qu’il leur propose, Domenico Carli ne s’introduit donc sur le territoire des élèves qu’armé de thématiques qui sauront trouver leur légitimité auprès des jeunes spectateurs. Pour la pièce Géant ? il dit avoir voulu thématiser les différences, s’intéressant à l’origine au nombre croissant d’élèves dyslexiques ou dyscalculiques qui font, eux, l’expérience quotidienne d’une singularité dans leur parcours scolaire. L’idée du gigantisme, différence relative, puisque, comme le dit Carli « on est toujours le géant de quelqu’un », mais évidente, avait l’avantage d’être immédiatement compréhensible pour les élèves comme une irrégularité, une dissemblance.

« La différence naît très vite, c’est immédiat, et visuel. Je n’aime pas particulièrement écrire des pièces pour lesquelles il faut trente minutes d’exposition… La dyslexie c’était un peu compliqué à mettre en forme surtout que la pièce dure moins d’une heure, et que dans ce laps de temps-là, il faut faire passer un truc avec les contraintes de l’espace. Donc se pose à chaque fois la question suivante : comment camper immédiatement une situation qui fonctionne ? »

De manière générale, Carli doit penser sa dramaturgie à partir de la réalité sociale des élèves, de ce qui fait leur quotidien :

« La complexité de l’espace scénographique, incarné à l’extrême, ancré dans la réalité des élèves est une contrainte avec laquelle joue une mise en scène qui se veut fictionnelle et immersive. Pas de coulisse, pas d’éclairage, pas d’espace de jeu, au fond, c’est toi qui dois le construire au milieu des bancs. De même, la brièveté de la pièce, en raison de la toute relative capacité d’attention des enfants, oblige à une entrée in medias res des comédiens, il s’agit d’être rapidement accessible, compréhensible et intéressant. »

Il s’est donc heurté au problème dramaturgique de faire exister le gigantisme dans une salle de classe étriquée. Pour signifier l’existence du géant il a voulu un élément gargantuesque qui surprendrait les enfants dès leur entrée en classe. Pour ce faire, il a fait construire une immense chaussure.

« J’ai appelé Stéphane Rentznik, un des comédiens qui est très habile, batteur rock et ingénieur électronicien de formation, et je lui ai demandé si c’était possible de faire une immense chaussure. Il m’a dit oui, et on l’a fait. Du fait que nous nous produisions dans des salles de classe, l’espace change à chaque fois. Je dois toujours penser la scénographie comme autonome pour qu’elle soit adaptable à n’importe quelle disposition, et les comédiens calent leurs déplacements vis-à-vis de ces éléments de symétrie fixes.

Ceci dit, l’espace n’est pas la seule spécificité de ce type de représentations. Le théâtre pour enfants diverge par bien des aspects du théâtre pour un public adulte.

« C’est un exercice d’écriture sans pareil. Quand j’ai commencé à écrire pour le théâtre – mais cela aurait été pareil pour de la poésie ou des chansons – je donnais mes textes à lire à ma sœur, qui n’a pas fait d’études. Je me disais : « Si elle, parce qu’on ne lui a pas donné les outils, elle ne peut pas comprendre ce que j’écris, c’est à moi de trouver un moyen, des formulations pour qu’elle trouve cela intéressant ». Elle était ma première lectrice, et cette histoire, ça sous-tend mon travail, puisque j’ai une approche analogue quand j’écris pour les enfants. Si je leur amène un texte hermétique qui ne fait que flatter mon ego d’auteur… eh bien ça ne marche pas. J’ai donc dû apprendre à écrire pour les enfants, et souvent il a fallu que je modifie des choses après les avoir testées. Notamment dans le domaine de l’humour, j’ai beaucoup appris sur ce qui fait rire un enfant. Par exemple le deuxième degré ne fonctionne pas, et c’est particulièrement vrai dans un dispositif qui les surprend tôt le matin, qui plus est dans un lieu où la notion de représentation et de fiction est floue. Floue parce qu’ils sont dans leur espace et que la pièce est basée sur une forme de réalité, de plausibilité et envisageable pour les élèves. Pendant un moment le trouble existe et j’aime à jouer avec ce doute qu’on fait naître chez eux. »

Pour Domenico Carli, aller dans les classes, malgré toutes les contraintes que cela implique, est une démarche d’une grande cohérence. Il s’amuse en remarquant qu’il pourrait tout aussi bien ne pas s’impliquer autant dans ses mises en scène, sans cesser pour autant de remplir sa part du contrat en proposant des textes de théâtre adaptés aux enfants. Mais, persuadé de la pertinence de sa démarche, il aime s’impliquer.

« Je trouve que c’est tellement important, on se plaint dans les théâtres que les gens ne viennent pas, que le public n’est pas diversifié, mais c’est à nous d’aller vers les gens, de susciter un intérêt ! C’est de la médiation culturelle concrète et immédiate qu’on fait là, dans ces classes, voire quasiment de l’intervention parce qu’il ne s’agit pas d’expliquer. La troupe joue de 8h30 à 10h, puis on propose aux enfants des ateliers pour qu’ils expérimentent la pratique, le jeu. À l’inverse de ce que je propose avec la médiation culturelle du TKM-Théâtre Kléber-Méleau, qui explore un axe plus théorique, durant cette journée on ne cherche pas à leur enseigner les fonctionnements du théâtre, mais à leur faire faire du théâtre. »

Si Domenico Carli se montre tout à fait conscient des limites de l’impact social du théâtre, il n’en cherche pas moins à l’étendre, par le biais de sa démarche.

« Il faut être réaliste : pour certains élèves, cet aperçu du théâtre sera le seul qu’ils auront, parce que la culture, les parents, leur histoire, le milieu dans lequel ils vont évoluer ne les y amèneront pas. Aller dans ces classes, c’est rendre le théâtre accessible pour une journée au moins à des enfants de tous les horizons, avec des textes de qualité, des comédiens qui se lèvent le matin pour jouer à 8h30, des costumes, des décors et tout ce qu’il faut pour capter leur attention. »

En dehors du théâtre pour enfants, il y a des sujets que Domenico Carli privilégie. Et s’il fait usage de fables, pour amener certains thèmes à la scène, il ne perd pas de vue le but de ses créations : mettre en théâtre des questions sociétales et humaines de premier plan.

« Le théâtre a son importance mais, surtout s’il veut faire face à l’invasion des écrans, il faut qu’il ait un ancrage politique, il faut qu’il apporte quelque chose d’autre. Quand tu racontes une histoire, tu te situes vis-à-vis d’une vérité, et à l’époque de la post-vérité justement, des alternative facts, le théâtre a l’avantage de se présenter immédiatement comme quelque chose de factice, qui n’est pas véridique et qui ne cherche pas à l’être, mais cela ne l’empêche pas de porter un discours. Une pièce, ça doit dire quelque chose au public, et en tant qu’auteur je dois m’adresser à lui et lui faire parvenir un message qui a une portée plus large, non pas m’écouter parler de mes petits problèmes. Je suis parfois un peu las de cette forme de tendance au nombrilisme dans le théâtre d’aujourd’hui… »

Histoires sans gloire et pratiquement sans péril pour quatre voix sur une pente raide

Création du Collectif moitié moitié moitié / Petithéâtre de Sion / du 24 au 26 mai 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

La montagne, ça vous gagne

Par Lena Rossel
Première création du Collectif moitié moitié moitié, Histoires sans gloire et pratiquement sans péril pour quatre voix sur une pente raide dépeint un imaginaire montagnard touchant et absurde… [suite]

Au choeur de la montagne

Par Brice Torriani
Entre les murs anciens du Petitheâtre de Sion se joue un concert à quatre voix. Le collectif moitié-moitié-moitié, non content d’envoûter par une performance vocale remarquable, se joue du regard sur le traditionnel et le pittoresque… [suite]

Biennale Out of the Box

Pour sa première année en partenariat avec la Biennale des Arts Inclusifs « Out of the Box » (du 20 au 26 mai 2019), l’Atelier Critique propose une série de critiques sur les différents spectacles de danse du festival.

Les critiques :

Être serpent comme n’importe quel autre être humain

Par Julia Cela
Sur Happy Island de La Ribot – Dançando com a diferença [suite]

Deux femmes, un combat

Par Johanna Codourey
Sur Femmes en danse de Lila Derridj et Marie Tembe [suite]

Mani-feste

Par Océane Forster
Sur Dévaste-moi de Johanny Bert [suite]

L’espace et nous

Mise en scène d’Alain Borek et le Cabinet Créatif / Théâtre 2.21 / du 28 mai au 2 juin 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

S’envoler pour « gamma » ?

Par Lucas Lauth
Alain Borek et le Cabinet Créatif proposent, en co-production avec le Théâtre 2.21, une expérience ludique et inattendue à vivre jusqu’au dimanche 2 juin. L’espace et nous incorpore le public au jeu et en fait une communauté qui doit collaborer… [suite]

Liberta Terra Gamma

Par Amina Gudzevic
L’occasion est donnée à un petit groupe de survivant·e·s de l’espèce humaine, les spectateurs du 2.21, de quitter notre planète, qui n’est plus viable. Guidés par Alain Borek et deux de ses acolytes, les spectateurs doivent s’entraider afin de construire un vaisseau et réinventer leur [suite]

By Heart

De Tiago Rodrigues / Théâtre de Vidy / du 14 au 18 mai 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Hommage à la mémoire

Par Lucas Lauth
Le spectacle du metteur en scène portugais Tiago Rodrigues, directeur du Teatro National Dona Maria II à Lisbonne, présent à Lausanne pour quatre pièces jouées à Vidy presque simultanément, propose une réflexion sur la mémoire et sa force à la fois intime et politique… [suite]

Les Enfants du Soleil

Texte de Maxime Gorki / Mise en scène de Christophe Sermet / TPR – Théâtre Populaire Romand / 11 mai 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Quelque chose de plus grand

Par Lena Rossel
Avec Les Enfants du Soleil, Christophe Sermet livre une mise en scène audacieuse et complexe. Des instants de vie, de lutte, de joie et de tristesse s’entrecroisent au sein d’un décor vivant, happant le spectateur toujours plus profondément… [suite]

Love is a River

D’après Platonov d’Anton Tchekhov / Mise en scène d’Alexandre Doublet / Théâtre de Vidy / du 8 au 11 mai / Plus d’infos

Les critiques :

Un rythme à rebours

Par Lucas Lauth
Le metteur en scène Alexandre Doublet présente Love is a River au Théâtre de Vidy jusqu’au samedi 11 mai. Une occasion de revivre ou de découvrir Platonov d’Anton Tchekhov, pensé depuis sa fin… [suite]

Est-ce humain de piétiner comme ça une vie entière ?

Par Amina Gudzevic
Le dernier spectacle d’Alexandre Doublet représente, une heure durant, les quelques secondes qui surviennent juste après le meurtre du héros. Alexandre, Platonov contemporain, gît sur le sol, ou plutôt baigne dans les quelques centimètres d’eau recouvrant la scène… [suite]

Entretien avec Julien Mages

Par Johanna Codourey

Un entretien autour de la pièce Un siècle assassiné / De Julien Mages / Plus d’infos

Critique du texte de la pièce Un siècle assassiné

Rencontre avec Julien Mages autour d’un café à la Brasserie de Montbenon le 25 mars 2019.

Johanna Codourey (JC), pour l’Atelier critique : Votre pièce se passe dans un camp de concentration. Pourquoi ce contexte ? Avez-vous un lien particulier à cette histoire ?

Julien Mages (JM) : Je suis tombé par hasard il y a quelques années sur un témoignage de Simone Veil, une vidéo, à propos des camps. Et puis, fasciné, j’en ai visionné des centaines depuis maintenant deux ans et c’est de là que m’est venue l’envie d’écrire une pièce dans ce cadre-là… J’ai d’abord écrit un poème et après, je me suis tourné vers une pièce complète. Il y a pas mal d’éléments du texte qui sont tirés de ces visionnages, notamment l’anecdote du professeur de physique à qui l’un des témoins redonne son statut social… J’ai vu justement dans le témoignage d’un vieux Polonais qui m’a beaucoup touché, que le seul côté « positif » d’Auschwitz, c’étaient ces histoires d’amour chez les jeunes encore un peu vaillants entre 17 et 25 ans. C’était un amour platonique puisqu’ils ne pouvaient pas se toucher, mais ces jeunes-là pouvaient avoir une espèce de vie, j’ai trouvé ça formidable et ça m’a inspiré cette pièce. Prendre une histoire d’amour comme thématique, c’est nouveau pour moi – il y a toujours une histoire d’amour qui traîne [dans mes créations], mais en faire un point central, c’est récent… Et je me suis inspiré de cette femme qui perd son père qui essaye de se donner du courage par l’entremise de l’histoire qu’elle vit avec ce jeune homme. Donc non, à proprement parler, pas de lien particulier avec la Shoah, mais avec ces documentaires… Il y a tout dans ces témoignages. Je ne suis pas un spécialiste, mais je peux dire que j’ai vu plus d’une centaine d’heures de vidéos, je ne me serais pas permis d’écrire une pièce sur les camps sans en avoir quelque connaissance.

JC : En lisant votre texte, il m’a un peu évoqué les écrits de Charlotte Delbo ou Si c’est un homme de Primo Lévi – notamment quand vous décrivez votre personnage comme « musulmane ». Ces auteurs ou d’autres ont-ils été des sources d’inspiration pour vous ? Quel est votre rapport à cette littérature des camps ?

JM : Après les documentaires et les témoignages vidéo, je me suis tourné vers la littérature et là encore j’ai lu beaucoup de choses. Du connu et du moins connu, littéraire, mais aussi plus pédagogique sur l’histoire-même comme un Que sais-je ? sur la Shoah, par exemple. Et Primo Lévi, oui, il fait partie de mes premiers livres sur le sujet, je l’avais déjà lu à l’école. Mais après, « musulman », c’est un terme générique, ça fait partie de « l’argot des camps ». Et Charlotte Delbo, comme ça, je ne crois pas. Mais je n’ai pas fini, c’est toujours un sujet qui me fascine.

JC : Dans votre préambule, vous mettez l’individu au centre de votre réflexion. Que cherchez-vous à transmettre exactement ?

JM : Ce que je veux faire passer… je ne sais pas, je ne sais pas s’il y a vraiment un message. J’ai abandonné très tôt l’idée de théâtre à message, même si je réfléchis toujours à une sorte d’échelle de valeurs. Je m’intéresse ces derniers temps à cet ascenseur ou à ce toboggan social avec notamment ce professeur de physique. Au milieu de la décadence, ce jeune lui redonne son statut social par la connaissance… Entre Juifs, ils se redonnaient leur importance d’humains. S’il y a quelque chose d’intéressant dans les camps, c’est que c’est une telle machine à laver sociale qu’il n’y a plus que le physique animal qui prend de l’importance. Seuls les jeunes vigoureux sont valorisés, mais dans l’humanité qu’ils ont entre eux, ils peuvent se redonner leur ancienne « noblesse » à travers le souvenir. La mémoire dans le camp réanimait les individus. C’est un peu cela que je voulais retranscrire. Comment dans l’abîme le plus absolu, on se redécouvre une humanité, et pour moi l’amour est un pilier parmi tant d’autres pour permettre, même dans ces tréfonds, de rester homme.

JC : De manière générale, quel est votre rapport au texte ? Et comment procédez-vous, vis-à-vis du texte, lorsque vous montez une création ?

JM : Alors j’écris déjà tout d’abord pour moi, mais, depuis 2013 ou 2014, j’écris aussi pas mal pour les autres et c’est depuis cette période que je suis passé plus du côté de l’auteur. Avant, j’étais vraiment auteur et metteur en scène et maintenant je laisse plus de place à l’écrivain. Mais, même quand je monte mon texte, je l’écris d’abord peu ou prou comme un écrivain « normal ». J’écris d’abord le texte, je me fiche complètement de la mise en scène, ou de la possibilité de faire ceci ou cela sur scène, je vais aller jusqu’au bout dans mon délire et après le metteur en scène va prendre le relai et va penser à la scène… Bon après on ne peut pas s’empêcher d’y penser un peu, d’avoir le metteur en scène qui vient mettre le bout de son nez dans l’histoire en cherchant déjà des réponses ou imaginant telle ou telle réalisation, se posant la question de la faisabilité de telle ou telle chose, de la crédibilité de telle réplique ou de tel personnage, mais en principe, j’écris d’abord la pièce et je me pose la question de la mise en scène après. L’auteur doit oublier le metteur en scène et ensuite le metteur en scène doit tuer l’auteur… Parfois j’ai à peine fini la première version de répétition que les répétitions commencent, alors on coupe le texte. Le théâtre, c’est collectif, il faut que l’auteur-metteur en scène écoute l’équipe, qu’il pose des questions à tout le monde – technique, costumière, vidéo, musicien, technicien du théâtre. Ces gens-là, ils m’apportent énormément. Les comédiens doivent être sévères, ils viennent avec leurs coupes et en principe, je les accepte parce que c’est eux qui mâchent le texte. Il ne faut pas penser à après, sinon on se contraint et c’est pas bien, la langue vole, l’idée vole… Après, le théâtre doit se charger de résoudre ça, mais la première partie de l’œuvre, c’est le poème, c’est l’envolée.

JC : Comment imaginez-vous reproduire les différentes indications temporelles telles que « un mois plus tard », par exemple, qui surviennent au milieu d’une scène?

JM : Ça fait partie de l’énigme que le metteur en scène doit résoudre. Pour l’intérêt de la pièce, il faut, comme disait Vitez, que « la pièce soit une énigme pour le metteur en scène ». On peut faire une ellipse chronologique au théâtre de différentes manières : soit un panneau, très brechtien, une vidéo, une musique, un temps, un changement sur scène : faire tourner le plateau, changer la lumière. Ça peut aussi ne pas se voir et se comprendre par le déroulé de l’intrigue, mais ce ne sont que des propositions… Moi, je le ferais probablement à travers un passage musical ou même avec un comédien qui le dirait – je suis premier candidat à la simplicité. L’avantage au théâtre c’est que ça peut se faire de mille manières différentes…

JC : Vous accordez une grande place au silence qui est d’ailleurs exprimé de différentes manières au fil des pages – points de suspensions, didascalies “silence” ou “temps”, blancs typographiques. Ces différentes notations expriment-elles pour vous différentes sortes de pauses ?

JM : Pour moi, ces suspens font partie du rythme de l’écriture. C’est peut-être plus difficile de se les représenter à la lecture, mais je distingue fondamentalement quatre mesures : temps court, temps, temps long, silence. Le silence, c’est quelque chose qui va au-delà de la temporalité chronologique, c’est quelque chose de pesant qui sort presque d’un timing… C’est une atmosphère qui se « dit » dans le silence, une intensité : on entend le drame se faire. C’est comme en musique, c’est une note. Et ces silences interviennent à des moments cruciaux du récit, comme un point d’orgue à la fin d’une phrase musicale. Ils ont une importance particulière… Les temps sont des rythmes qui s’installent plutôt : « combien de temps je vais mettre pour dire quelque chose ? ». Ce sont des suspens, de l’ordre du chronologique… Et les blancs se rattachent plutôt à la poésie, au vers libre. Ils n’existent pas forcément dans la parole, mais prennent une importance dans le déroulé des répliques, de la tirade avec des blocs de mots ou en vers libres.

JC : Il n’y a à proprement parler qu’une toute petite partie en prose dans votre texte, la majeure partie se présente en vers libres. Pourquoi avoir choisi cette forme-là ? Comment pensez-vous ce rapport entre les parties en prose et les parties en vers libres ? Comment l’envisagez-vous sur scène ?

JM : C’est pour faire fusionner la poésie, qui est mon premier amour, avec le théâtre. J’ai commencé par écrire des poèmes. C’est instinctif. C’est important, selon moi, quand on écrit, de se déclarer poète. Ça donne un supplément d’âme à la littérature… On se pose tout de suite la question de la forme, il faut faire un lien entre esthétique du texte, typographie et contenu. C’est tellement important que toute littérature soit poétique. Il y a aussi le fait de dire à haute voix, qui est important, la poésie est faite pour être dite, on se la dit d’ailleurs dans notre tête… Le vers libre est plus poétique que la prose, je trouve, on sort de quelque chose de complètement naturaliste. La langue et la musique prennent beaucoup plus d’importance, on fait rarement de l’humour avec du vers libre. Souvent, je mélange ces différentes manières d’écrire, aussi avec, par exemple, des petits quatrains. C’est emprunté à d’autres auteurs que j’ai beaucoup aimé, Sarah Kane, Claude Régy. Donc en soit, il n’y a pas de prose, dans la pièce, c’est une forme de prose poétique… Après, pour ce qui est de la scène, là encore, il y a mille manières d’envisager le rapport « prose » et poésie : dans une de mes autres pièces [Cette nuit encore jouer les pierres], cinq scènes étaient entrecoupées de poème et j’ai juste déroulé les poèmes au lointain, ça créait les ellipses, parfois, ils étaient aussi dits en même temps par les acteurs, parfois en musique, certains étaient des calligrammes.

JC : Finalement, pourquoi ce titre ?

JM : En fait cet extrait, qui s’appellerait Aux enfants, c’est une partie d’un projet – qui est pour l’instant mis en stand-by. Ce serait le début d’un roman-fleuve sur plusieurs décennies qui arrive jusqu’à notre époque et qui raconterait l’histoire de la descendance de ces deux rescapés de camp – d’un jeune surtout. D’où le titre Un siècle assassiné qui sonne assez monumental, comme Les Misérables ou La Comédie humaine. Ce serait mon premier roman, j’essaye ! Je suis en train d’essayer de passer à la « littérature », comme quelqu’un m’avait dit, même si pour moi le théâtre, c’est déjà de la littérature, surtout que je suis déjà édité… Même si en effet, avec le théâtre, souvent la mise en scène valide en quelque sorte le texte, pas besoin d’être édité si on est monté. Mais c’est un projet en cours, ce texte-là, il peut encore être modifié. Je n’ai pas cherché à finir quelque chose.

Sweeney Todd, le diabolique barbier de Fleet Street

D’après le livret de Hugh Wheeler et son adaptation par Christopher Bond / Par le Collectif Sondheim / Mise en scène de Frédéric Brodard / Théâtre 2.21 / du 2 au 12 mai 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Une savoureuse vengeance

Par Lucas Lauth
Frédéric Brodard et l’ensemble du collectif Sondheim proposent au 2.21, jusqu’au dimanche 12 mai, une interprétation de la comédie musicale Sweeney Todd : The Demon Barber of Fleet Street de Stephen Sondheim, présentée pour la première fois en 1979… [suite]

Parangon de la vengeance

Par Ivan Garcia
Sur une musique chorale, avec noirceur, Sweeney Todd, le diabolique barbier de Fleet Street, comédie musicale aux airs de tragédie antique, est inspirée d’une légende populaire anglaise… [suite]

Ecritures dramatiques contemporaines / Partenariat avec Le Courrier

Deux lundis par mois, pendant l’été 2018, Le Courrier a publié le texte inédit (extrait) d’un-e auteur-e de théâtre suisse ou résidant en Suisse. L’Atelier critique a eu accès à la version intégrale de ces oeuvres et en propose aujourd’hui une critique, assortie d’un entretien avec leurs auteur-e-s.

Les critiques :

Conjurer le mal

Par Julia Cela
Sur La Danse des affranchies de Latifa Djerbi [suite]

La fête des fous (en musique)

Par Ivan Garcia
Sur Lunatic Asylum de Anne-Frédérique Rochat [suite]

La pauvreté invisible et ses voix

Par Fanny Agostino
Sur Si les pauvres n’existaient pas, faudrait les inventer de Jérôme Richer [suite]

L’effondrement des images

Par Maxime Hoffmann
Sur La Chute des comètes et des cosmonautes de Marina Skalova [suite]

Parler d’horreur… en esquissant un mince sourire

Par Johanna Codourey
Sur Un siècle assassiné de Julien Mages [suite]

« Mon théâtre, je le visualise »

Par Océane Forster
Sur Géant…? de Domenico Carli [suite]

Entretien avec Jérôme Richer

Par Fanny Agostino

Un entretien autour de la pièce Si les pauvres n’existaient pas, faudrait les inventer / De Jérôme Richer / Le 5 avril 2019 / Plus d’infos

Critique sur la pièce Si les pauvres n’existaient pas, faudrait les inventer

Dans le bureau de Jérôme Richer (locaux de « Ressources urbaines ») à Genève.

Fanny Agostino, pour l’Atelier Critique (FA) : Vous aviez déjà travaillé le thème de l’exclusion sociale avec votre pièce Tout ira bien, consacrée aux Roms. Dans Si les pauvres n’existaient pas, faudrait les inventer, issu d’une commande de la Ligue des droits de l’homme, vous évoquez la précarité sous toutes ses formes. Pourquoi rendre compte de ces questions sociétales au théâtre ?

JR : C’est une nécessité pour moi. Le théâtre se doit de parler du monde. L’art, de manière générale, n’est pas coupé de la vie. Cela en fait partie. Alors que la forme de la pièce ne le laisse pas supposer, je reste énormément influencé par le théâtre grec qui était une cristallisation des rapports sociaux à un moment donné et qui permettait de dire le monde dans lequel les gens vivaient. La fonction du théâtre reste pour moi celle de prendre en charge une lecture du monde, un regard différent et de côté par rapport à celui qui est offert par les politiques, les historiens, les sociologues, les journalistes…. Cela répond à une fonction de réunion, d’être ensemble donc un espace d’échanges et de rencontres.

FA : Votre texte se compose de 27 « chapitres ». Il ne s’agit pas d’une pièce à intrigue – même si l’on voit évoluer certains protagonistes – , mais plutôt de fragments, des tranches de vie ou alors d’anecdotes. Pourquoi avoir fait ce choix ?

JR : Il y avait déjà la question de la commande, la volonté d’y répondre spécifiquement. Il s’agissait de parler des droits sociaux en Suisse, donc de tous ces droits qui n’existent que si les autorités en garantissent l’application. Cela peut être le droit au logement, à l’éducation, à la santé, à la retraite, à un travail, à l’assistance quand on n’a pas de travail… La question qui se posait pour moi, c’était de savoir comment rendre compte de ces situations sans faire une pièce à thèse, sans trop limiter le questionnement. Très vite, je me suis dit que j’allais prendre appui sur un personnage à identité multiple qu’on verrait évoluer tout au long de la pièce, mais qui serait une déclinaison du même prénom. C’est inspiré du principe de la pièce de Martin Crimp Atteinte à sa vie qui est sous-titrée « 17 scénarios pour le théâtre » où l’on suit le parcours d’un personnage qui s’appelle à tour de rôle Anne, Anna ou Anya mais qu’on ne voit jamais, contrairement à ma pièce. C’est au spectateur de reconstituer ce que serait la vie de cette femme. Travailler sur ce personnage-monde à identités multiples, cela m’a permis d’aborder différents questionnements autour de la thématique des droits sociaux. L’idée était de croiser des personnages issus d’un milieu social très défavorisé avec d’autres plus proches de moi, que je pourrais côtoyer. Cela permet de créer suffisamment d’accroches, de points d’ancrages pour que le spectateur puisse s’identifier à eux. L’idée était également celle d’ajouter à la trame principale des moments où ce sont les comédiens qui prennent la parole. La question de l’immersion dans le réel au théâtre est quelque chose qui touche. Il n’y a qu’à voir la passion pout tout ce qui est inspiré de faits divers … On a forcément une autre écoute, un autre regard sur ce que l’on voit quand on a l’impression que celui qui nous parle évoque sa propre histoire. Enfin, une troisième ligne de force crée des espaces de questionnement pour le spectateur. Ces espaces permettent de se questionner par rapport à ce que l’on est en train de voir. Pour moi, c’est faire en sorte que le spectateur ne soit pas en situation passive mais active.

FA : S’adresser de manière frontale au public, c’est nécessaire ?

JR : Si on revient au théâtre grec, on a l’histoire et le chœur. Le chœur est la symbolisation du spectateur ou du citoyen grec sur scène. Aujourd’hui, la société est trop fragmentée pour avoir un chœur unique avec une seule voix ; c’est difficile de construire un discours qui peut convenir à tous. Mais par contre, poser des questions communes, c’est possible. Chacun doit y répondre pour soi sans amener le spectateur à une conclusion définitive sur un état du monde ou de la société suisse. Chercher cela, c’était effectivement le but. C’est raté si les gens disent qu’ils ont passé un bon moment et s’en vont, s’il ne reste pas de traces, s’il n’y a pas des choses qui se diffusent lentement chez le spectateur. En tout cas, j’essaie d’offrir cette possibilité. Uniquement avec le texte, c’est un peu difficile à montrer, mais avec le spectacle, c’était très clair que c’était le processus à interroger. Les gens répondaient spontanément à certaines questions, à d’autres pas, cela dépendait des soirs.

FA : Justement, les comédiens parlent de leur propre expérience de la précarité, comme lorsque Aude évoque son astuce qui consiste à se fabriquer une carte d’étudiante plutôt que de bénéficier d’un rabais pour chômeurs. Est-ce qu’il a été facile de faire émerger ces histoires personnelles ?

JR : C’est comme questionner les spectateurs au sujet de situations qu’ils ont pu vivre à des moments divers de leur vie. J’ai travaillé à partir d’improvisations, c’est-à-dire que la trame liant « les personnages » était écrite avant le début des répétitions. Le reste, cela s’est vraiment écrit avec les comédiens. Après, cela dépendait un peu de chacun, de ce qu’ils étaient prêts à donner pour le spectacle. Ce qui me plaît au théâtre, ce ne sont pas forcément les « personnages ». Je ne veux pas dire qu’ils ne m’intéressent pas mais ce que je trouve beaucoup plus touchant, c’est la frontière entre eux et les comédiens, cet endroit de friction : qu’est-ce que les uns et les autres donnent ? J’enregistrais les improvisations, je les sélectionnais et celles qui me semblaient les plus intéressantes, je les transcrivais. Dans un deuxième temps, je les réécrivais jusqu’à obtenir le bon équilibre, c’est-à-dire ne pas démultiplier ces expériences intimes mais trouver des moments qui pouvaient faire écho avec ce qui est raconté autour de ce personnage-monde.

FA : Avec ces différents niveaux de narration, vous ne vous contentez pas de passer d’une dimension à l’autre mais vous brouillez les frontières, notamment en faisant s’interférer voix narrative et dialogues. Aussi, « les personnages » se rebellent contre cette instance narrative, comme Antoine par exemple [XVI]. C’est un moyen de multiplier les points de vue internes et extérieurs sur cette précarité ?

JR : Il y avait un choix très clair par rapport à cela. La pièce commence par de la narration et progressivement, le personnage prend de l’espace. D’abord, il a juste droit à deux ou trois petites répliques dans le processus de narration. Puis, pendant la scène où il fait face à sa situation de chômeur, il se rebelle. Lors de la dernière scène, ce n’est plus de la narration puisque c’est le personnage qui parle. C’est un moment où la situation de précarité est visible mais c’est en même temps le moment où le personnage est le plus acteur de sa narration, de sa vie. C’était aussi cela qui m’intéressait. Trop souvent, dans ce questionnement autour de la précarité et de la pauvreté, les personnes qui sont confrontées à cette situation sont narrées par les autres. Les autorités, les assistantes sociales… tout l’environnement qui les entoure. Elles n’ont que très peu de prises sur leur histoire. Je le sais d’expérience parce que j’étais éducateur spécialisé dans une autre vie. Moi-même, j’ai été amené à remplir de nombreux rapports sur les personnes que je prenais en charge. J’ai bien vu qu’elles subissaient leur vie ; qu’elles subissaient la narration. J’ai voulu construire un processus d’ouverture progressive. La pièce se développe de manière empirique et le personnage prend le pas sur la narration. Il y avait une vraie réflexion esthétique et politique derrière, donner une pleine autonomie aux personnages pour raconter leur vie.

FA : Pourtant, la voix narrative décrit des sentiments des personnages qui ne sont pas audibles au sein du dialogue ou comme lorsqu’elle raconte l’impact traumatique du premier jour d’école d’Anton [VII].

JR : L’idée était vraiment qu’ils prennent en charge leur destin, qu’ils arrivent à se débarrasser de cette voix narrative qui les raconte, c’est ce qui me semblait très important. L’autre projet c’était aussi cette démultiplication de personnages qui sont toujours un peu fluctuants. Vous avez utilisé l’expression « tranche de vie » mais je ne dirais pas cela, c’est plutôt un instantané de vie. Le mot « tranche » a un côté « je coupe des choses » qui ne me convient pas. Cela part aussi d’une lecture d’un livre d’ATD Quart Monde En finir avec les idées fausses sur la pauvreté[1]. La manière de lutter contre ces préjugés, c’était de remettre de l’humain : derrière les pauvres, il y a des individualités et pas une unique situation de pauvreté. À partir du moment où on les décrit, cela ne nous apparaît plus comme un groupe social facile à stigmatiser, cela redevient des humains. C’est aussi une fonction du théâtre. C’est vraiment ce choix de m’attacher à ces détails de vies, à les faire entendre et les relever. Créer suffisamment de détails et de matières pour sortir d’une grande catégorie « les pauvres » et d’entrer dans ce qui fait l’humain.

FA : La voix narrative s’efface aussi parfois pour faire pleinement place à une réalité brute, frontale. C’est le cas de la violence administrative où le dialogue parle de lui-même.

JR : J’ai rencontré plus d’une douzaine de personnes à l’aide sociale. Au départ, c’est un travail d’enquête que je digère par la suite. Je ne fais pas du théâtre « documentaire » mais je le qualifie de « documenté ». Tout ce que je décris est réel, malheureusement. En ayant discuté de la pièce avec des spectateurs, on m’a dit qu’il fallait entendre la brutalité de ce langage, cette situation où deux langues se confrontent. Elles sont incompatibles. La langue administrative est extrêmement aliénante. Il s’agissait de faire entendre cette langue en opposition avec la langue de l’humain traversée par des difficultés et de montrer aussi à quel point la langue est violente et enferme les gens dans un stigmate. Parfois, ils ne peuvent que la subir s’ils n’ont pas les outils pour s’en libérer. Je crois que c’est une des forces et des possibilités du théâtre.

FA : Des auteurs comme Annie Ernaux, Edouard Louis ou Didier Eribon évoquent cette violence invisible. Les avez-vous lus ?

JR : Oui ! Le livre d’Eribon Retour à Reims, c’est magnifique. Je suis un peu moins enthousiaste avec le premier ouvrage d’Édouard Louis même si j’ai bien aimé Histoire de la violence. Annie Ernaux a une manière de disséquer des situations, de mettre en jeu sa vie à travers la langue avec un choix, une épure pour dire les choses et pour faire ressortir la violence de certaines situations que je trouve incroyable. Même si je ne les ai pas eus en référence, on a besoin de se nourrir de cela. Heureusement qu’il y a cette littérature qui se frotte à cela, c’est nécessaire.

FA : Bien que le thème soit grave, il y a beaucoup d’humour dans votre écriture. Notamment cette scène où la technologie est mise au service de l’espionnage. Un drone vient espionner Antonio, bénéficiaire de l’AI, lorsqu’il est chez lui sur son canapé. On en rit, mais cela pourrait devenir une réalité au vu des résultats d’une récente votation sur la surveillance des assurés.

JR : C’est de plus en plus clair aujourd’hui pour moi. Durant les représentations, parfois les gens riaient et d’autres pleuraient, parfois les deux. Le rire a une fonction. La question du théâtre c’est comment parler aux sens, comment contourner certaines défenses que chaque individu peut développer par rapport à certaines situations. Je trouve que l’humour, c’est une très belle manière d’amener une réflexion. Cela peut permettre tout d’un coup de détourner et d’amener un discours autrement. Les gens trouvaient que le sujet de la pièce pouvait être propice à tout le misérabilisme possible. Pour moi dès le départ, cela n’était pas le but. Si j’avais eu un ton sans aucun humour je pense que j’aurais été en dehors du cadre que je m’étais donné. En termes d’écriture, j’ai eu besoin de traverser des émotions par différents biais sans chercher à tout prix à faire la formule drôle. J’ai dû en couper car l’excès peut faire perdre ce qu’on est en train de raconter. Cela permet une meilleure ouverture et la possibilité que l’autre se laisse surprendre. Si l’on comprend tout dès le début, je trouve qu’il y a moins de plaisir à suivre.

FA : Vous parodiez le show « La France a un incroyable talent » pour en faire une version « La Suisse a un incroyable pauvre » [XXIV]. Vous placez dans les répliques de sa présentatrice un extrait d’une chronique parue dans Le Temps, « La mendicité ou l’épine dans le pied » qui disait son soulagement de ne plus voir des mendiants dans les rues de Lausanne après l’interdiction de la mendicité. Ce texte vous a-t-il révolté ?

JR : Oui. La pauvreté est là. Cela fait cinq ans que j’habite à côté d’une épicerie Caritas et j’ai l’impression qu’il y a trois fois plus de monde qui la fréquente qu’à mon arrivée. Ce n’est pas en interdisant la mendicité qu’elle va disparaître. Quand je suis tombé sur cet article et que je l’ai relu, je me suis dit que cela n’était pas possible. J’ai donc repris un bout de cette « opinion » parce que c’est aberrant. Malheureusement, je crains que son expression corresponde à la pensée d’une grande partie des gens. L’amener dans la pièce sous cet aspect chaud en le liant au préambule de la constitution suisse, c’est une manière de garder une ouverture au monde qui m’entoure. D’ailleurs, ce passage-là marchait très bien. On en revient à l’emploi des mots. Je crois que toute personne qui est amenée à s’exprimer dans l’espace public a une responsabilité. Il peut essayer de s’en défausser autant qu’il le veut, il a une responsabilité. Les mots ne sont pas neutres et ont un impact, une force, une puissance. Il suffit de voir aujourd’hui tout ce phénomène des « fake news » c’est-à-dire comment les mots créent de la réalité. Cette réalité s’imprime. Quand j’ai commencé à écrire ma pièce « Tout ira bien », l’une de ses origines, c’est ma mère qui quand j’étais enfant me disait pour que je range ma chambre : « ici, on n’est pas chez les Bohémiens ». C’est pour cela que je dis que le théâtre doit se frotter au réel, pour le mettre en forme et parfois en éprouver les contradictions.

FA : À la fin du texte, et en dépit de tous ces non-dits, c’est une femme, Antonia, qui finit par se révolter. Sa colère est exprimée directement à son interlocuteur, sans passer par l’intermédiaire d’un autre point de vue. Antonia, c’est la solution à cette précarité ?

JR : En tout cas, c’est la libération. Être acteur de sa vie, pouvoir la prendre en charge et ne pas la subir. Si l’on n’a pas les ressources pour le faire, c’est compliqué. Il y a une voie possible, un accompagnement. Une manière de faire autrement. C’est un combat de la vie de tous les jours, pour moi aussi. Si j’écris, c’est que je n’ai de leçon à donner à personne. Comment agir ? Comment être capable de dire non ? Dire ce « non », pour le personnage d’Antonia, c’est une force. Créer et donner son opposition. C’est une libération car on en a besoin, besoin d’une parole différente que celle qui englobe et stigmatise autour de la pauvreté. Mettre en contradiction le système par le dialogue en fait partie. Il faut remettre de l’humain.

[1] https://www.atd-quartmonde.fr/produit/en-finir-avec-les-idees-fausses-sur-les-pauvres-et-la-pauvrete/

Entretien avec Anne-Frédérique Rochat

Par Ivan Garcia

Un entretien autour de la pièce Lunatic Asylum / De Anne-Frédérique Rochat / Le 27 mars 2019 / Plus d’infos

Critique sur la pièce Lunatic Asylum

C’est au Café Les Arcades, à Lausanne, le 27 mars 2019, que nous retrouvons Anne-Frédérique Rochat pour parler de sa pièce, Lunatic Asylum.

Ivan Garcia, pour l’Atelier Critique (IG) : Lunatic Asylum n’est pas votre première création. Qui en fera cette fois la mise en scène ?

Anne-Frédérique Rochat (AFR) : A la base, cette pièce est une commande du musicien et compositeur, Lee Maddeford, qui souhaitait que l’on travaille ensemble ; son souhait était de réaliser une comédie musicale un peu folle. Pour ce faire, il a eu envie de collaborer avec le metteur en scène Lorenzo Malaguerra, directeur du théâtre du Crochetan, à Monthey. Nous avons donc discuté de ce projet, ensemble, et ils m’ont dit avoir pensé à une pièce qui se déroulerait dans un asile ; pour le reste, j’avais carte blanche. Je n’effectuerai donc pas la mise en scène moi-même et ne jouerai pas dedans, car je suis comédienne mais pas chanteuse.

IG : Dans votre pièce, on assiste à l’apparition de ce que Brecht nommait des «songs» – des passages chantés en chœur ou en solo – pourquoi les avoir écrits en vers ?

AFR : J’ai toujours apprécié la versification, entendre les choses rimer de manière régulière me plaît, j’avais donc envie de m’essayer à cela. Cependant, Lee Maddeford aime briser la métrique et la régularité, on cassera donc peut-être par moments cette systématique. J’ai pris exemple sur des chansons que j’aimais ou alors, effectivement, sur Brecht, notamment sur L’Opéra de Quat’sous, afin de voir comment ce dernier écrivait, composait et mettait en scène ces passages chantés.

IG : Pourquoi avoir intitulé votre pièce Lunatic Asylum ?

AFR : Initialement, le titre que j’avais choisi – et que j’aime toujours beaucoup – était Maison de repos. Cependant, cela sonne un peu vieillot. Le metteur en scène [Lorenzo Malaguerra] n’appréciait pas le titre ; il trouvait que cela ne convenait pas pour un texte de comédie musicale. J’ai donc opté pour un titre en anglais qui évoque un peu un univers cartoon ; le titre est également un clin d’œil à la chanson Lunatic Asylum de Serge Gainsbourg que j’apprécie énormément.

IG : Dans votre manuscrit, il n’y a pas d’indication de découpage en scènes ou en actes; en revanche, il y en a, avec une division des lieux (le couloir, le bureau,…)…

AFR : J’ai en effet fait en sorte que le découpage se fasse en fonction des lieux (1. Le bureau, 2, Le couloir, 3. La salle commune, …). Par la suite, ce sera au metteur en scène de trouver la rythmique des scènes, vu que celles-ci sont liées au lieu. Lorsqu’il y a changement de lieu, il y a également changement de scène, ce qui a un impact sur la narration.

IG : Comment écrivez-vous ?

AFR : J’écris de manière plutôt instinctive. Je réfléchis d’abord aux personnages, aux thèmes que j’ai envie de traiter, et j’imagine leurs spécificités, ainsi que la fable qui va être contée.
Après cela, je me lance, mais je n’écris pas rapidement ; j’avance, en général, à un rythme d’environ deux pages par jour. Puis une fois que j’ai terminé, je relis plusieurs fois le texte, avant de le laisser reposer, si possible un ou deux mois (voire plus), avant de le reprendre avec un peu de recul et un œil neuf.

IG : Combien de temps cela vous a-t-il pris d’écrire cette pièce ?

AFR : L’écriture m’a pris environ deux mois, pour la première version. En tout, presque une année avec les différentes relectures, modifications et réflexions.

IG : L’atmosphère de votre texte est étrange. Il se place à la frontière entre le rêve et la réalité, entre la tragédie et la comédie. A bien le lire, on dirait que c’est plutôt au public de trancher ; est-ce un effet volontaire ?

AFR : C’est un effet totalement volontaire, ce qui m’enchante, d’ailleurs. A titre personnel, j’apprécie lorsque l’atmosphère est ambiguë et que le rire se mélange à la gravité. A ce niveau, le metteur en scène aura un grand rôle à jouer, puisqu’il pourra choisir d’aller dans le sens de cette ambiguïté ou de choisir une autre voie. Pour ma part, j’aimerais bien que cela reste ambigu et que le spectateur ne sache pas s’il doit rire ou pleurer. Pour moi, il s’agit d’une comédie grinçante avec des parties chantées. Mais, en même temps, le fait que l’on ne puisse pas classer une œuvre dans une catégorie générique ne me dérange pas ; j’adore l’hybridité et trouve cela intéressant.

IG : Vous semblez, au cours de la pièce, jouer sur les codes ou les attentes des spectateurs avec de «faux» indices, visuels, tels que le tablier du cuisiner tâché de sang et les déguisements, ou sonores, comme les hurlements ou les dialogues. Avez-vous souhaité volontairement piéger les lecteurs et le public ?

AFR : J’aime jouer avec les codes théâtraux et aussi les clichés. Les déplacer ou les renverser, cela est voulu de ma part, afin d’amuser et surprendre le spectateur.

IG : Les thématiques du travestissement, de l’identité multiple, de la chirurgie esthétique et autres apparaissent dans la pièce ; éprouvez-vous une fascination pour ce type de changements ? Quel est votre rapport à ceux-ci ?

AFR : Dans le présent cas, j’avais la chance de pouvoir disposer de neuf personnages, ce qui est beaucoup (peut-être même trop, vu les contraintes matérielles qui pèsent sur la mise en scène). De ce fait, il fallait leur trouver des particularités et j’y ai placé les thématiques qui m’intéressent : le travestissement, les personnages androgynes, les étiquettes. Thématiques que j’ai, d’ailleurs, également explorées dans d’autres pièces et qui dénotent des questions très actuelles, notamment celle du genre. Si l’on prend le cas de la psychiatre, dans la pièce, elle s’inquiète, car elle ne parvient pas à définir le genre du personnage de Claude (l’homme de ménage de l’asile) ; est-il un homme ou est-il une femme ? Il devient louche aux yeux de celle-ci et cela dénote un certain mal-être face à ce qu’on ne peut qualifier avec certitude. Quant au thème de la chirurgie esthétique, celui-ci touche à la fois à la question de l’apparence et de la beauté. Je trouvais intéressant d’explorer cette distinction entre des patients marginaux, en quête d’acceptation de soi, qui – en même temps – recherchent une norme, incarnée notamment par ce médecin fou adepte de la chirurgie esthétique, dont la visée est de rendre les gens physiquement parfaits. On considère qu’une fois l’un des personnages rendu beau, ce dernier peut quitter l’asile ; il n’a plus de problème, car ceux-ci étaient liés au fait qu’il était laid. C’est une manière de critiquer cette notion, explorée par tous les magazines et la télévision, «un esprit sain dans un corps sain», cette dictature de la beauté et de la jeunesse, qui – je trouve – est très forte actuellement.

IG : Où est le personnage d’Hervé Chor …? [Ce personnage est souvent mentionné dans le texte mais n’apparaît jamais].

AFR : Je l’imagine cloué au lit et ne pouvant plus bouger, à cause des médicaments. On dit toujours de lui qu’ « il se repose ». C’est un personnage que je n’ai jamais eu l’intention de faire intervenir dans une scène. J’apprécie l’idée de mentionner quelqu’un que le public ne voit, finalement, jamais, et qui ne sera que le fruit de l’imagination de chacun.

IG : Pourquoi faire apparaître à plusieurs reprises le personnage de Claude, seul entre deux scènes ?

AFR : J’aime bien le fait qu’il y ait des scènes, courtes, qui permettent au public de respirer. Dans la scène précédente, la psychiatre et le docteur parlent de lui et émettent l’hypothèse que ce serait lui le tueur. J’avais donc envie qu’on voit ce personnage traverser le couloir en sifflotant, afin que le spectateur imagine qu’il cache un cadavre dans son chariot.

IG : Cela fait très série télévisée ou cinéma…

AFR : Personnellement, j’apprécie ce genre de messages plus populaires ; ce genre de mélange crée un peu de suspense.

IG : Vous êtes dramaturge, comédienne mais aussi romancière. J’ai pris le temps de m’intéresser à votre œuvre romanesque. Dans La Ferme (vue de nuit) et L’Autre Edgar, l’atmosphère exprime une sorte d’optimisme bon enfant, sous tant de noirceur. Dans Lunatic Asylum, le spectateur est également confronté à cet univers, tantôt charmant et enfantin, tantôt sombre et angoissant. Dans quelle mesure cela caractérise-t-il, selon vous, votre écriture ?

AFR : Je ne me rends pas forcément compte mais c’est peut-être ma façon spécifique d’aborder l’existence, de poser mon regard sur le monde. Plusieurs personnes qui ont lu mes ouvrages m’ont fait remarquer que, souvent, il y a cette touche de candeur et que, sous celle-ci, il y a des éléments plus cyniques ou plus sombres. Il s’agit de ma manière d’écrire, mais cela n’est pas quelque chose d’intentionnel… Cette petite musique faussement naïve se crée un peu malgré moi.

IG : Cela rappelle, notamment, le personnage de Sullivan, dans Lunatic Asylum, qui chantonne «Pin-pon la petite auto jaune». Pourquoi chante-t-il cela ?

AFR : C’est un effet que tout le monde ne comprendra pas. En fait, la petite auto jaune est une voiture qui, à une certaine époque, circulait dans la région lausannoise. Sa fonction était d’emmener les personnes atteintes de pathologies mentales à l’hôpital psychiatrique de Cery. Si l’on cherche sur Internet, nous trouvons quelques références au sujet de la petite auto jaune qui menait à cet asile. Quand j’étais petite et que je disais des choses absurdes, ma maman me disait pour rigoler «Pin-pon la petite auto jaune». Je me demandais si c’était uniquement quelque chose dit au sein de ma famille mais, visiblement non, il s’agit d’une référence régionale, voire d’une expression courante ; il me semble, même, qu’un artiste en a fait une chanson. Si le texte est édité, je rédigerai une note explicative, afin d’expliciter cette référence.

IG : Dans votre pièce, il y a un peu la fascination du costume ; d’ailleurs, l’action se déroule à la période d’Halloween. Est-ce lié à une symbolique particulière ?

AFR : L’idée du bal d’Halloween me paraissait un élément amusant et il est vrai que la pièce aborde cette thématique, déjà évoquée, du travestissement ; qui est-on ? Comment est-on ? Quel masque, quel costume porte-t-on ? Au final, le personnage qui se travestit le plus, qui cache le plus sa véritable personnalité, c’est Herr Doktor. Et ce sont les patients qui sont les plus sincères et se travestissent le moins. J’aime bien aussi l’idée du costume, en écho au rôle que les personnages occupent dans la société. Du côté des patients, il s’agit de marginaux, qui peinent à trouver leur place. Tandis que le docteur et la psychiatre, qui sont censés être les soignants, incarnent la loi, le pouvoir. Mais eux-mêmes sont peut-être d’anciens patients… ? Qui est qui ? Une piste de jeu ou de mise en scène intéressante à explorer, une mise en abîme, serait l’idée que l’asile a été totalement abandonné, les anciens soignants tués, et tous les personnages de la pièce jouent à tenir un asile de fous. Cela pourrait être un sous-texte de jeu pour les comédiens que ne lira peut-être pas le spectateur.

IG : Vous avez également été sélectionnée pour le prix des lecteurs de la Ville de Lausanne, en 2016, pour un roman, Le Chant du canari, aux côtés, par exemple de Jérôme Meizoz et Antoine Jaquier. Quelle est votre place et comment vous situez-vous par rapport à cette vague d’auteurs romands contemporains ?

AFR : Il est vrai que, chaque année, il y a de plus en plus d’auteurs. Cela est positif, vu que cela montre une vigueur incroyable de la littérature romande contemporaine. Quant à la question de la place, il peut sembler difficile de la trouver, étant donné qu’il y a, chaque année, de plus en plus d’ouvrages qui paraissent, alors que le nombre de journaux a tendance à diminuer. A titre personnel, je pense que la question de la place est plus une question de chemin. Chacun a sa trajectoire, parmi nous, et ce qui est intéressant, c’est d’adopter une démarche sur le long terme. En outre, nous écrivons tous des choses assez différentes, que ce soient Jérôme Meizoz, Max Lobe, Mélanie Chappuis, Marianne Brun et bien d’autres, nos univers sont tous extrêmement distincts ; chaque année, de nouvelles personnes sont publiées ou se mettent à écrire et cela est à la fois fou et excitant. En effet, au vu des places limitées, il est impossible de publier tout le monde mais le nombre d’ouvrages disponibles ne cesse d’augmenter. Pour moi qui adore lire, la découverte de ces univers forts et différents est extrêmement plaisante. Je pense qu’il n’y a pas à complexer, comme ce fut le cas à une époque, sur la fameuse dichotomie entre littérature romande et la littérature francophone. Aujourd’hui, la littérature en Suisse romande recèle beaucoup d’auteurs de qualité et connaît une effervescence importante, ce qui est tout-à-fait impressionnant.

Entretien avec Latifa Djerbi

Par Julia Cela

Un entretien autour de la pièce La danse des affranchies / De Latifa Djerbi / Le 7 avril 2019 / Plus d’infos

Critique sur La danse des affranchies

Genève, aux bains des Pâquis.

Julia Cela, pour l’Atelier Critique (JC) : En ouverture du texte, dans sa note, Ahmed Madani évoque trois questions qu’il définit comme essentielles : Qu’est-ce que j’ai à dire ? Pourquoi dois-je le dire ? À qui ai-je besoin de le dire ? Comment y répondrais-tu après avoir écrit cette pièce ?

Latifa Djerbi (LD) : Ce qui m’obsède, c’est la quête de soi. Tout ce qu’on me propose comme possibilité d’identification ne correspond pas du tout à ma réalité. Il y a, de tous côtés, des limitations, qu’il s’agisse de préjugés sur la femme, sur la femme immigrée ou sur la femme artiste. Le fait de cumuler tout ça et d’avoir cru que dans certains milieux il serait plus facile d’être soi, puis de découvrir qu’il n’en est rien, c’est constater qu’en fait, ce n’est que quand on ne fait rien qu’on ne dérange pas. Amhed m’avait dit que je ne peignais pas une famille arabe crédible. Pourtant c’est ma réalité. Les gens pas crédibles existent ! C’est ce que j’ai à dire. Souvent on constate que si on devait écrire la vie des gens, on ne croirait pas à l’histoire qui en résulterait. La vie des gens est incroyable. Je pense que beaucoup d’êtres sont ou ont des vies non crédibles, finalement. La réalité me semble souvent plus complexe qu’il n’y paraît. Parfois on ne se sent pas le droit d’être soi alors que c’est central. Pourquoi est-ce si difficile pour certains d’être doux et d’être soi ? Voilà ce que j’ai à dire.

JC : Pourquoi devais-tu le dire ?

LD : Parce que je sens qu’il s’agit d’un élan vital. J’espère créer un mouvement pour dire que l’espace d’expression offert par la transposition théâtrale appartient à tous. La quête de soi est essentielle pour tous. On est nombreux à venir d’ailleurs, amenant avec nous nos croyances culturelles, nos contradictions et notre lot d’injonctions. C’est une manière de dire que d’autres ont fait le chemin. C’est aussi questionner le fait que pour être auteur d’art dramatique il faut avoir fait des études. J’aime questionner ces soumissions presque invisibles. J’aime l’idée de ne pas avoir à brimer nos aspirations secrètes à cause d’une élite. Je pense que l’écriture, et l’art de manière plus globale, est un lieu de rencontre qui doit être accueillant qui lance des appels et des signes à tous, éveille un élan de vie et d’aspirations. Il s’agit aussi de proposer d’autres modèles en lesquels les gens puissent se reconnaître – ou pas, d’ailleurs. C’est s’exprimer en son nom pour éviter que d’autres parlent à notre place. Les femmes arabes et de manière plus large chaque être est assez grand pour s’exprimer par lui même.

JC : À qui as-tu besoin de le dire ?

LD : À un maximum de gens, très différents. J’essaie toujours de diversifier mes publics. J’aime bien faire venir au théâtre aussi des gens qui ne partagent pas mes points de vue car au théâtre j’essaie qu’on se relie par l’expérience vivante et le partage concret, pas par des idées et croyances qui nous divisent… Le théâtre est un art subtil qui a la possibilité de questionner et d’unir.

JC : La pièce est définie comme une tragi-comédie. Quelle est, pour toi, la valeur de cette inscription générique ?

LD : C’est vrai que c’est assez difficile à classer comme genre. En fait, j’aime beaucoup créer une distance par le rire. C’est quelque chose qui m’a été transmis. C’est cet humour particulier des régions et des gens qui ont souffert, cela stimule en plus de la résilience un certain sens de l’autodérision et de la réplique. En faisant la mise en lecture pour la première fois à Saint-Gervais, on s’est rendu compte que c’était plus drôle qu’on ne le pensait. Il y a un angle qui s’impose de lui-même. Mais au départ je ne m’étais pas imaginée faire une pièce drôle. Je voulais parler de choses qui me traversent. Au final, c’est une forme de pudeur que de mettre en place cette distance par l’autodérision. Mais l’angle choisi est plus une manière d’être au monde. Il s’agit de réfléchir où placer cette manière d’être au monde. On ne peut pas dire que le texte est une comédie. Si je voulais le faire programmer dans un théâtre avec des comédies à l’affiche je n’aurais aucune chance. Ce n’est pas vraiment une tragédie non plus, notamment à cause de la langue. C’est donc le terme le plus proche de la vibration du texte, mais je trouve qu’il n’est même pas adapté. Il faudrait inventer un autre mot.

JC : Quelle place occupe l’autodérision dans l’écriture ?

LD : L’écriture et le jeu se complètent pour moi. L’humour et l’autodérision peuvent manquer dans les milieux du théâtre. L’humour et l’humilité ont la même source ; sans humour, je pense qu’il est facile de monter en orgueil. L’humour est selon moi un bon moyen de rester dans une certaine forme d’humilité salvatrice. L’autodérision permet aussi de désamorcer la dimension souffrante de certains personnages. L’humour insère de la conscience, qui crée une distance. Je trouve que le rire est une marque d’esprit.

JC : Quelle place occupe la question de la langue et de son traitement dans la pièce ?

LD : C’était difficile à gérer. C’est quelque chose d’important pour moi. C’est Fabrice Melquiot qui m’a fait réaliser que l’histoire était crue et que c’était ainsi qu’il fallait la dire. Du côté de mon éditeur, en revanche, cet aspect a un peu choqué par la vulgarité de certaines expression comme « Tu sais ce qu’il te faudrait ? Une bite dans le cul ». La vulgarité ne naît pas des mots mais de l’intention. J’ai tenu bon et ai refusé la proposition d’adoucir la langue. Le monde me semble parfois si vulgaire, surtout en ce moment, que j’ai été très surprise que certains comités de lecture reprochent cela au texte. Je trouve ça assez hypocrite ! La « vulgarité » provocatrice de Leïla dans la pièce est intentionnelle. Elle veut choquer et elle a l’air d’y parvenir. Pour moi, user d’expressions crues est avant tout un moyen de différencier les langages de chaque personnage et d’amener une atmosphère cash au propos. L’aspect positif, c’est que le texte est politiquement irrécupérable. C’est aussi dire que ce type d’écriture qui sur scène a eu un si bel accueil tient peut-être au fait qu’il est plein de vie, un peu comme traversé par une énergie adolescente. C’est aussi par la langue que passe l’élan vital de la pièce.

JC : Comment définirais-tu le statut de tes personnages ?

LD : Le plus compliqué, c’était d’entrer en empathie avec chaque personnage. J’ai essayé de leur donner une complexité et une humanité, dans leur réalité émotionnelle. J’avais envie de travailler des singularités plutôt que des archétypes. Il fallait les regarder d’en haut et de l’intérieur en même temps, et les comprendre depuis dedans.

JC : J’ai été frappée par la complexité des personnages féminins, qui, dans leur positionnement, manifestent des attitudes et des opinions très variées. Je pense notamment à deux répliques du personnage de Dounia : « T’es rentrée dans le moule, un objet de désir pour mâle en chaleur » adressée à Leïla et « Infantilisée, formatée par la mentalité d’ici, une machine à pondre » adressée à la mère. Y a-t-il une place pour le féminin hors de ces deux pôles ?

LD : C’est vrai qu’ils sont plus complexes. Il faudrait que je travaille à donner plus d’épaisseur aux personnages masculins. Mais c’est vrai que les personnages féminins sont plus denses. Je suis allée écrire en Tunisie pendant un temps, au moment où les militantes que j’ai rencontrées travaillaient à l’abolition d’une loi autorisant un violeur à épouser la victime. J’ai eu un choc en les rencontrant, ce qui décale un peu la pièce. C’est Nour qui devient l’héroïne par moment. C’est un personnage qui concilie vraiment ces aspects. Il y a des gens qui arrivent à être qui ils sont dans un contexte social sclérosé. En plus de ça ils se mettent au service des autres. Le personnage de Nour, effectivement, synthétise tout. Finalement c’est la seule qui agit, qui n’est pas en réaction aux injonctions.

JC : Comment as-tu traité la matière autobiographique à l’origine de la pièce ?

LD : Je me suis demandée comment dépasser le cadre autofictionnel. Tout est parti de la volonté de dire d’où je viens, de parler de mon père et de parler de questions qui me traversent. On part toujours d’expériences émotionnelles qu’on transpose. Ensuite, il s’est agi d’écrire au-delà de soi, d’où la présence du personnage de Nour par exemple. C’était important de dire « ce n’est pas moi ». J’ai puisé dans des choses que j’ai vécues, dont je me suis distanciée ensuite. Je suis partie d’une nécessité d’exprimer, de me faire le medium de quelque chose de plus grand qui doit sortir. C’est grâce à la bourse « Textes en scènes » que j’ai pu me plonger dans la rédaction, en m’inspirant de choses proches tout en allant au-delà. C’est une fiction, mais les enjeux et les questionnements émotionnels sont branchés à des sentiments que moi ou mes proches traversons.

JC : A la fin de la pièce, le personnage de Dounia dit à son propos que « c’est l’asile psychiatrique ou l’écriture. Je préfère la deuxième option ». Pourquoi faire de Dounia un personnage écrivain ?

LD : C’était une manière de dire que ces personnages sont vivants, qu’ils existent. Ce qu’on a à exprimer doit sortir. Il y a des choses qu’on doit donner, qu’on ne doit pas garder en soi. Il faut faire sortir ce qui bouillonne. Dans le silence, tout devient très lourd. La sexualité féminine fait partie de ces choses-là, par exemple. Le fait de l’exprimer permet de rééquilibrer nos conceptions, de conjurer le mal. C’est dire ce que des générations de femmes à genoux n’ont jamais pu dire. C’est une nécessité qui nous dépasse et qui permet de pointer tout ce qui continue de nous limiter.

JC : « Je suis comme tout le monde j’aime pas les Arabes ». Que porte cette phrase ?

LD : Cette phrase est pleine d’autodérision. C’est un moyen d’exprimer la dualité intérieure et le rejet de soi. Quand on grandit dans un environnement où nos origines sont stigmatisées et/ou dévalorisées et qu’on est une femme, on peut intégrer le rejet et la peur de son propre « groupe ». C’est le cas du personnage de Dounia. J’aime que mes personnages osent dire des choses intimes sans masque, là où il y a de la complexité … Et des questions ouvertes.

Entretien avec Marina Skalova

Par Maxime Hoffmann

Un entretien autour de la pièce La Chute des comètes et des cosmonautes / De Marina Skalova / Le 2 avril 2019 / Plus d’infos

Critique sur la pièce La Chute des comètes et des cosmonautes

Loin des comètes et des cosmonautes, assis dans un bar en périphérie de la ville de Genève, j’ai rencontré Marina Skalova. Nous avons échangé sur sa première pièce théâtrale : La Chute des comètes et des cosmonautes.

Maxime Hoffmann, pour l’Atelier Critique (MH) : Au début, je vous avoue avoir eu de la peine à entrer dans la pièce, car je sentais que quelque chose me dépassait. Puis je me suis aperçu que votre pièce était aussi un long poème. Qu’en pensez-vous ?

Marina Skalova (MS) : La tendance théâtrale actuelle voudrait que l’on produise plutôt des matériaux bruts pour le plateau que des textes écrits par des auteurs vivants, valorisant l’importance de la langue sur scène. Or je trouve important de défendre le fait que la littérature dramatique est d’abord de la littérature, au même titre que la poésie et le roman. Mon écriture est d’abord et avant tout un travail sur la langue. Je suis donc très heureuse que La chute… soit publiée, et ne soit pas uniquement jugée à l’aune de la représentation.

MH : Dans votre pièce, il y a un aspect lyrique. Les mots s’accumulent, parfois jusqu’à rendre floue la frontière des phrases. Ce à quoi s’ajoute de la versification en vers libres, et même des versets délimités par de la ponctuation blanche. Est-ce une manière de laisser beaucoup de place au metteur en scène et au comédien ?

MS : Il y a surtout une écriture du rythme et de la scansion. J’écris à l’oral, il y a une dimension masticatoire, sonore, avec de nombreuses allitérations, assonances, et des processus d’accélération. L’absence de ponctuation dans les monologues correspond pour moi à une vitesse de diction, une rapidité de parole et de pensée qui serait ralentie par les virgules, et qui exprime la frénésie, l’obsession, la dimension circulaire du traumatisme… Et en contrepoint, la versification de la parole du père peut renvoyer à une poésie narrative, documentaire. Un souffle plus lent. Sa trajectoire serait plutôt de l’ordre de l’épopée, avec une gradation d’étapes et d’épreuves. Dans les deux cas, la présence ou l’absence de ponctuation propose un souffle, s’adresse à la diction du comédien. Idéalement, le texte de théâtre est une partition. Il s’agit d’écrire les silences.

MH : À la lecture, on se rend assez vite compte d’un décalage dans les paroles des personnages. Tous deux semblent poursuivre des images, peut-être fantasmées, dans une quête qui les a fatigués et qui les plonge dans une forme de désintérêt face au monde. Vous êtes vous-même une femme qui a voyagé et vécu dans différents pays. Vous êtes née à Moscou, puis vous êtes partie en France. Déjà là, on ne peut pas s’empêcher de faire un parallèle avec le personnage féminin de la pièce – est-ce qu’on a le droit ?

MS : Oui, on a le droit de faire ce parallèle. C’est vrai qu’il y a des éléments autobiographiques dans la pièce. Mais il y a surtout tout ce qui se transforme lorsque le réel devient langue, et ainsi devient fiction. Tout est vrai et tout est faux. Au final, le réel est un matériau comme un autre, qui s’entremêle avec des éléments fictionnels. Ce qui est authentique, c’est la situation initiale du personnage féminin, le fait d’avoir grandi avec des valeurs issues d’un univers soviétique englouti, qui ne sont plus en adéquation avec le monde d’aujourd’hui. La problématique de base, qui m’a guidée dans la pièce et qui découlait d’un sentiment personnel, était mon impression d’avoir grandi sur un ilôt soviétique, hors-sol, avec des parents déboussolés et sans repères en Occident, sans savoir comment faire dans ce monde. Les deux personnages de la pièce sont face à leur solitude, ils se débattent avec un individualisme très fort dans leur société d’arrivée. La question de la liberté, entrevue et rêvée à la sortie de l’URSS, mise sur le même plan que la liberté de marché, était centrale pour moi. L’échec des espoirs liés au libéralisme est illustré pour moi par le personnage de la fille, qui se heurte à la marchandisation des relations humaines.

MH : Est-ce que vous n’avez pas peur d’évoquer un univers qui est peut-être éloigné du public francophone d’aujourd’hui ? ou alors, espérez-vous donner une image de ce que l’on ressent lorsqu’on est associé à un pays qui a vécu sur un fantasme et qui s’est écroulé ?

MS : Ce qui me faisait peur, c’était une forme de folklorisation dans la mise en scène. Que la pièce soit abordée avec des clichés un peu « exotisants », les clichés de l’Occident face à l’Europe de l’Est. Cela pose la question des représentations auxquelles la pièce renvoie les metteurs en scène, la façon dont on montre un autre que l’on ne connaît pas forcément…

MH : Justement, la pièce a été jouée au Poche [du 04.02 au 17.03 2019], qu’en avez-vous pensé ?

MS : J’ai plutôt pensé du bien de la mise en scène. J’ai particulièrement apprécié le travail visuel, les images projetées sur scène, mais aussi le traitement des « CATA-STROPHES » comme des bulles oniriques, des moments hors du temps. La metteure en scène, Nathalie Cuenet, avait à cœur de respecter ce que j’ai fait, ce qui n’est pas toujours le cas avec d’autres metteurs en scène. Après, c’est toujours une expérience un peu violente, il y a eu pas mal de coupes, donc forcément une altération. En tant qu’auteure de théâtre, il faut répondre d’un travail qui nous échappe.

MH : Maintenant que vos textes sont édités et que votre pièce se joue, pouvez-vous nous dire ce que cela fait d’être écrivaine ?

MS : Disons que c’est un chemin plein de doutes, pas très simple. Je sais ce que cela m’a coûté d’écrire mes textes, donc un peu de reconnaissance ne fait pas de mal. Néanmoins, à chaque nouveau texte on commence à zéro, c’est toujours un peu la traversée du désert. On ne peut pas se reposer sur ses réussites, l’écriture est une pratique exigeante et fondamentalement insécurisante. C’est aussi pour cela que c’est magnifique. Je suis heureuse d’avoir pu en faire mon métier – et j’espère pouvoir continuer à écrire.

MH : Vous avez commencé par de la poésie, puis le récit, puis le roman, maintenant le théâtre : est-ce que vous explorez systématiquement les genres ?

MS : J’écris surtout de la poésie, qui se retrouve classée par hasard dans un rayon ou un autre. Mes textes Amarres et Exploration du flux auraient aussi pu porter la mention « poésie ». Mes éditeurs m’ont proposé d’écrire « Roman » sur la couverture de ces deux livres, ce que j’ai refusé, car je ne me sens pas romancière. Mais cela montre à quel point la question du genre est flottante aujourd’hui. Le marché littéraire continue à être divisé selon des genres canoniques, qui ne veulent pas dire grand-chose lorsque l’on écrit. La particularité pour La Chute des comètes et des cosmonautes est que j’avais une commande d’écriture théâtrale du POCHE/GVE, dans le cadre du dispositif Stücklabor. Je devais écrire une pièce de théâtre, donc je voulais bien faire les choses, écrire une « vraie » pièce de théâtre avec des dialogues et tout. Mais fondamentalement, ma démarche d’écriture est la même. Les métaphores et le travail sur la langue comme flux se retrouvent d’un texte à l’autre.

MH : Vous maîtrisez trois langues assez bien pour être capable de les traduire. En lisant, j’ai cru remarquer des expressions allemandes traduites en français, il y a aussi ces mots russes prononcés par le père. Est-ce que vous cherchez à faire circuler les langues entre elles, à rendre les frontières un peu plus floues ?

MS : Ce n’est pas nécessairement un militantisme, c’est juste que les choses se passent en plusieurs langues dans ma tête. En écrivant, j’essaie de trouver une expression qui est au plus proche de ma façon de penser. Selon la langue, une phrase ou un mot peuvent avoir telle couleur, telle intensité… Parfois, un mot en allemand ou une expression en russe m’apparaissent comme justes, même s’ils ne sont pas nécessairement lisibles hors traduction pour le lecteur. Il y a différentes stratégies par rapport à ça, on peut effectivement le laisser tel quel et soumettre le lecteur à une expérience de l’altérité, on peut aussi se questionner sur les déplacements produits par la traduction. Mon premier recueil a été écrit entre deux langues. J’adorerais rendre les frontières entre les langues plus floues, mais cela pose aussi la question du lecteur : à quel point puis-je lui imposer de l’incompréhension tout en restant dans une forme de communication ?

Retour à Reims

D’après le texte de Didier Eribon / Mise en scène de Thomas Ostermeier / Théâtre de Vidy / du 28 mai au 15 juin 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Hier et aujourd’hui

Par Amina Gudzevic
Dans un studio d’enregistrement, une comédienne prête sa voix à la réalisation d’un film documentaire basé sur « l’essai d’auto-analyse » de Didier Eribon : Retour à Reims. Un écran projette les images de ce documentaire. Dans cet espace immuable, les trois comédiens évoluent au rythme des prises de son qui, finalement, effacent la frontière entre le passé et le présent… [suite]

Radote l’intégration, je les attends depuis trois générations

Par Julia Cela
Dans un studio d’enregistrement, Catherine prête sa voix à un film documentaire dont le texte est celui de Retour à Reims, du sociologue Didier Eribon. Peu à peu, l’enregistrement est interrompu par les commentaires des trois personnages présents sur scène… [suite]

Pièce

Création par le Collectif GREMAUD/GURTNER/BOVAY / Théâtre de Vidy / du 22 au 31 mars 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Critiquer sur Pièce

Par Julia Cela
Le Collectif Gremaud/Gurtner/Bovay célèbre dix ans de collaboration en interprétant trois comédiens un rien amateurs en train de jouer. Des premières répétitions aux interviews télévisées, Pièce fait voir toutes les étapes de la création… [suite]

Maintaining Stranger

Texte de Jen Rosenblit / Création et mise en scène de Simone Aughterlony / Arsenic – Centre d’art scénique contemporain / du 4 au 7 avril 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

La musique des corps

Par Noé Maggetti
Maintaining Stranger, le dernier spectacle de la performeuse et chorégraphe zurichoise Simone Aughterlony, est joué à l’Arsenic dans le cadre du festival Programme Commun. Une expérience musicale et scénique mettant la corporalité au premier plan, qui satisfera pleinement les amateurs et amatrices de performance et de musique contemporaine… [suite]

Dangerous eyes

Par Julia Cela
Un no man’s land rocailleux. Cinq personnages aux contours flous. Des dialogues dont on ne se souviendra pas longtemps. Dans Maintaining Stranger tout paraît temporaire. Les liens que l’on voit se tisser entre les personnages n’existent qu’ici et maintenant… [suite]

Summer Break

D’après Le Songe d’une nuit d’été de William Shakespeare / Mise en scène de Natacha Koutchoumov / Théâtre les Halles / du 3 au 7 avril 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Cauchemar angoissant

Par Ivan Garcia
Noire et angoissante, cette transposition du Songe d’une nuit d’été met en scène quatre comédiens qui, lors d’une audition, interprètent la fameuse scène de la nuit dans la forêt. De la féérie du songe au cauchemar horrifique, il n’y a qu’un pas… Et c’est celui qu’a décidé de faire Natacha Koutchoumov. Âmes sensibles, faites attention… [suite]

Una Costilla Sobre la Mesa : Madre

Création et mise en scène d’Angélica Liddell / Théâtre de Vidy / du 27 mars au 6 avril 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Donner forme à la douleur

Par Lucas Lauth
Comment faire face à la mort ? Celle de sa mère ? Que faire de toute cette insupportable douleur, celle qui ravage intérieurement ? Le dernier spectacle d’Angélica Liddell s’attaque à une thématique intime et prend la forme d’une tentative de mise à distance de la douleur intérieure… [suite]

Ceci est le corps de ma mère

Par Julia Cela
Angélica Liddell montre le deuil et la perte. C’est le théâtre comme cri, comme chant ou comme incantation pour renverser le cycle naturel et mettre au monde la mère perdue. Una costilla sobre la mesa : Madre est une pièce rituelle qui fait voir la violence inouïe du retour à la terre d’un être cher… [suite]

Granma. Les trombones de La Havane

Concept et mise en scène de Stefan Kaegi & Rimini Protokoll / Théâtre de Vidy / du 28 au 31 mars 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Le lent souffle des trombones

Par Brice Torriani
Dans le cadre du festival Programme commun, la compagnie Rimini Protokoll propose une création de théâtre documentaire, genre qui lui est familier. Dans un dialogue pluriel entre la musique, la projection audiovisuelle et la confession, quatre « experts du quotidien » – comme les désigne la compagnie – dévoilent leur réflexion sur l’héritage que leur a laissé la révolution cubaine… [suite]

Récits d’après révolution

Par Fanny Agostino
Dans le cadre de la cinquième édition du Programme Commun, le metteur en scène Stefan Kaegi signe son retour sur les planches du Théâtre Vidy avec Granma. Les trombones de La Havane. En donnant la parole à la jeune génération cubaine, le membre du collectif Rimini Protokoll exhume l’existence des Cubains et questionne l’héritage d’un passé lourd de conséquence…. [suite]

Imposture posthume

Texte, mise en scène et jeu de Joël Maillard / Arsenic – Centre d’art scénique contemporain / du 26 au 31 mars 2019 / Plus d’infos

Pour le spectacle Imposture posthume, l’Atelier critique a collaboré avec l’Atelier d’écriture littéraire animé par Jérôme Meizoz (UNIL) autour d’une proposition de critique créative. Nous publions ici une sélection des textes rédigés dans ce cadre par des participants des deux ateliers.

Les critiques :

Imposture posthume n’a rien d’une imposture

Par Laurane Quartenoud (Atelier d’écriture)
Le théâtre de l’Utopia Planitia présente la pièce bien connue de Joël Maillard dans une mise en scène identique aux premières représentations qui avaient eu lieu sur Terre il y a 80 ans. Un pari risqué, mais réussi… [suite]

Souffle dans l’immensité

Par Thibault Hugentobler
Quelque part, un 1^er avril xxxx. Le réveil a été abrupt. Il reste couché sur le dos, les yeux semi-ouverts fixés sur l’écran de son téléphone, tentant vainement d’éteindre l’alarme. Soupir. Snooze. Encore quelques minutes, histoire de… [suite]

ADA

Par Amina Gudzevic
1 avril 2099. Il est neuf heures précises. Ma batterie est rechargée, mon caisson isotherme s’ouvre. Chaque jour est identique au précédent, ainsi qu’au suivant. Mais apparemment, aujourd’hui est un jour étrange. Je commence donc par télécharger, via le cloud mis à disposition par le gouvernement, Le Journal de ce matin… [suite]

27 mars 3019. Expédition pour la sauvegarde urgente des derniers sites de création humaine. Deuxième jour de fouilles.

Par Jade Lambelet
Vers la fin de la journée, nous parvenions à dégager le seuil d’un bâtiment en ruines, obstrué par un monticule de décombres et de matières indistinctes. Il fallait fouler les pans entiers de crépi, de briques et de planches avant de gagner ce qui semblait être un hall ou un large couloir… [suite]

Comment être humain : notice explicative à l’attention des androïdes, cyborgs et autres humanoïdes.

Par Sarah Juilland
Ce petit manuel s’adresse à deux types de publics distincts et poursuit un double objectif. D’une part, il concerne les androïdes qui prolifèrent en société et vise à perfectionner leur programmation, afin qu’ils se mélangent harmonieusement à leurs voisins humains (ou du moins à ce qu’il en reste)… [suite]

Jeux intellectuels

Par Ivan Garcia
Dans une salle, une personne cachée dans l’obscurité ; nous n’entendons que sa voix. Puis, dans la même salle, une autre personne, également cachée dans l’obscurité ; nous n’entendons, bien entendu, que sa voix… [suite]

Episode 826 : les joutes murales asynchrones

Par Brice Torriani
« Ouiiiii salutations à touuuus, et bienvenue à cette nouvelle conscientisation multisensorielle collective sur le patrimoine préhistorique de la proto-humanité. Je crois que nous n’attendons plus qu’une seule connexion et… [suite]

Anti-charisme opérant et autres tribulations au travers d’une représentation

Par Océane Forster
Tu es déjà en scène quand le public fait son entrée. Tu verras tu vas être surpris parce que ce n’est pas très souvent qu’on en fait l’expérience dans un théâtre, mais la présence d’un comédien ne suffit pas au silence… [suite]

Défossilisation des sons posés sur les choses

Par Julia Cela
Je descends les marches. L’escalier est taillé à même la roche. J’entends le son de gouttes d’eau qui s’écrasent au sol et l’écho. De l’eau suinte des minuscules interstices dans les parois et je m’arrête un instant pour approcher mon visage de l’une de ces toutes petites fentes… [suite]

Traduire Joël

Par Noé Maggetti
Tu prends toujours trop, il faudrait apprendre à dire non, trois jours ce sera jamais assez pour faire le job, en plein week-end en plus on avait des projets, c’est pas cool, c’est vrai il a pas tort, il a rarement tort mais faut bien bouffer, et c’est pas comme si les mandats tombaient du ciel… [suite]

Transgression métaleptique

Par Xavier Balli (Atelier d’écriture)
Ceci est la dernière ligne de la dernière page du dernier roman imprimé, on va pas finir là-dessus quand même ? Eh bien oui ! pensa cyniquement Galaad, refermant le livre avant de le jeter à la poubelle… [suite]

L’Histoire mondiale de ton âme

Textes d’Enzo Cormann / Mise en scène de Philippe Delaigue et Enzo Cormann / Théâtre de Poche GVE / du 1^er au 14 avril 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Quand la scène donne sens au monde

Par Brice Torriani
Trois textes divisés en trois parties chacun. Ou plutôt, six pièces courtes. Ou encore six morceaux choisis parmi une anthologie de 99 récits. Telles sont les possibilités de décrire L’histoire mondiale de ton âme. Présentés à Genève sous une forme scindée en trois fois trente minutes, les textes d’Enzo Cormann s’enchaînent dans un élan vigoureux, dans une bourrasque qui retourne la salle par la dextérité des mots… [suite]

Être au monde comme au théâtre : un triptyque philosophique

Par Jade Lambelet
Ce printemps, le Théâtre de Poche invite son public à découvrir six extraits de L’Histoire mondiale de ton âme d’Enzo Cormann. En formule de trois ou de six, ce sont de véritables leçons de philosophie qui sont livrées au spectateur dans ces morceaux de théâtre… [suite]

VR-I

Chorégraphie et conception de Gilles Jobin et Artanim / Comédie de Genève / du 28 mars au 14 avril 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Pérégrinations virtuelles

Par Thibault Hugentobler
La Comédie de Genève accueille ce printemps une création de Gilles Jobin et Artanim où le public assiste à un spectacle de danse dans un monde virtuel. Immergé·e·s pendant des séances d’une trentaine de minutes, les cinq spectateurs·trices décollent vers de nouveaux horizons… [suite]

Immersion en corps étrangers

Par Sacha Toupance
Pour les non-initiés de la réalité virtuelle, VR-I est l’occasion d’une représentation plurielle. Il y a le spectacle, celui du chorégraphe suisse Gilles Jobin, qui propose de multiples danses lentes et martiales, et il y a la représentation du corps des spectateurs, plongés dans cet univers virtuel… [suite]

Je suis invisible !

D’après Le Songe d’une nuit d’été de William Shakespeare / Mise en scène de Dan Jemmett / Théâtre de Carouge / du 26 mars au 14 avril 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Resonger la féérie

Par Lucas Lauth
Le metteur en scène britannique Dan Jemmett, avec l’aide précieuse de la traductrice Meriam Korichi, propose une adaptation décalée et haute en couleurs du Songe d’une Nuit d’Été de William Shakespeare. Comme chez l’auteur, le langage est ici souple et poétique… [suite]

Fourmillement coloré

Par Ivan Garcia
Des mises en scène de Shakespeare, il y en a moult ces dernières saisons. Avec Je suis invisible !, le metteur en scène britannique Dan Jemmett livre une interprétation colorée du Songe d’une nuit d’été, qui transpose la fable dans un univers mêlant féérie, rêveries et mécanique, ce qui séduit petits et grands… [suite]

Le Cabaret des réalités

D’après l’œuvre d’Alejandro Jodorowsky / Texte et mise en scène de Sandra Gaudin / Théâtre du Reflet / 14 mars 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Au palais des glaces

Par Sarah Juilland
Mêlant univers forain, circassien et freak show dans une atmosphère burlesque et magique, Le Cabaret des réalités propose un numéro d’effeuillage du rapport complexe qui se noue entre réalité et illusion. S’inspirant de l’esprit éclectique, fantaisiste et mutin d’Alejandro Jodorowsky, la création de Sandra Gaudin fait valser les certitudes en préférant l’onirisme au pragmatisme… [suite]

« Les oiseaux nés en cage pensent que voler est une maladie. »

Par Jade Lambelet
Ne nous prenons pas trop au sérieux car nous ne savons rien. Voilà l’impératif qui s’impose à qui voudra s’aventurer dans Le Cabaret des réalités. Dans cette dernière création inspirée de l’œuvre du cinéaste Alejandro Jodorowsky, Sandra Gaudin déploie un univers rocambolesque qui explore les potentiels de la scène dans les numéros successifs de dix comédiens… [suite]

Mécanique V

D’après Georges Feydeau / Conception par Julie Cloux et Matteo Zimmermann / Théâtre Saint-Gervais / du 8 au 17 mars 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Au-delà des rouages, le temps de l’émerveillement

Par Thibault Hugentobler
La Fédération Spontiste s’attaque au genre du vaudeville en adaptant pour sa nouvelle création Mais n’te promène donc pas toute nue ! de Georges Feydeau. La pièce, jouée intégralement, est encadrée par un dispositif qui interroge ses pratiques et dynamiques dramaturgiques… [suite]

La marquise d’O

Texte de Heinrich von Kleist / Mise en scène de Nathalie Sandoz / La Grange de Dorigny / du 14 au 17 mars 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

L’élasticité du désespoir

Par Brice Torriani
Après s’être produite au Théâtre Populaire Romand – coproducteur du spectacle – La Cie de Facto porte à la scène l’un des plus grands succès d’Heinrich von Kleist dans l’envoûtante salle de Dorigny. Dans l’exercice périlleux de traduire l’univers de l’un des plus fascinants dramaturges du romantisme allemand, Nathalie Sandoz maintient avec habileté un cap qui en aurait fait chavirer plus d’un… [suite]

Un crime impardonnable

Par Maxime Hoffmann
La Marquise d’O… est l’histoire d’une jeune bourgeoise violentée durant la guerre et qui, pour sauver son honneur après avoir appris qu’elle était enceinte, souhaite retrouver son agresseur pour lui offrir sa main. Nathalie Sandoz adapte pour la scène la nouvelle de Heinrich von Kleist sur un ton comique entaché de tragique… [suite]

Les Séparables

Texte de Fabrice Melquiot / Mise en scène de Dominique Catton et Christiane Suter / Théâtre du Passage / 13 mars 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Cowboys, Sioux et makrouts

Par Lena Rossel
Deux enfants s’observent, se rencontrent et s’aiment, au milieu du tourment du racisme ordinaire de leur quartier résidentiel, de leur école, de leurs parents. Une fable forte et touchante, qui invite à réfléchir et à se reconnaître dans les paroles si justes de Fabrice Melquiot, portées par deux comédiens pétillants… [suite]

Petite humanité

Par Sacha Toupance
Deux enfants plongent dans le passé pour se rappeler le temps de leur rencontre, les premiers instants de leur amour innocent. Dominique Catton et Christiane Suter explorent et propulsent dans la modernité la thématique emblématique des amants ennemis : des amants dont les familles s’opposent… [suite]

Prométhée enchaîné

D’après Heiner Müller / Mise en scène de Vincent Bonillo / La Grange de Dorigny / du 5 au 10 mars 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

L’optimisme déchaîné

Par Maxime Hoffmann
La mythologie servait autrefois de moyen réflexif pour penser le monde. Le Prométhée enchaîné de Vincent Bonillo se situe dans la continuité des tragédies d’Eschyle et d’Heiner Müller et utilise le potentiel critique du mythe pour dénoncer les inégalités et la supercherie du langage omniprésentes dans la vie moderne… [suite]

Feu le mythe

Par Julia Cela
La Cie Voix Publique, sous la houlette de Vincent Bonillo, transpose le mythe de Prométhée dans une modernité amère. Une proposition au rythme lancinant, mêlant théâtre et performance… [suite]

… avec un U-Boot

Création de la compagnie You Should Meet My Cousins From Tchernobyl / Mise en scène de Christian Cordonier et Isumi Grichting / Petithéâtre de Sion / du 31 janvier au 10 février 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Un rêve oxygéné

Par Lena Rossel

Au cœur de la vieille ville, le Petithéâtre de Sion nous ouvre ses portes chaleureuses et nous invite à plonger dans le monde onirique et mélancolique d’Isumi Grichting et Christian Cordonier. Leur création commune est un ovni de malice et de silence, qui invite à rêver et à se retrouver dans la vie de ces deux singuliers personnages… [suite]

Dans l’eau, tout est calme

Par Ivan Garcia

Au Petit Théâtre de Sion, l’ambiance aquatique d’Avec un U-Boot entraîne le public dans un spectacle au sein duquel deux êtres discutent de tout et de rien. Sous la surface, des liens se créent et des souvenirs émergent… [suite]

Le Journal d’Anne Frank

D’après les textes d’Anne Frank / Mise en scène de Geneviève Pasquier et Nicolas Rossier / Théâtre des Osses / du 24 janvier au 10 février 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Bien à toi

Par Thibault Hugentobler
Le Théâtre des Osses présente jusqu’au 10 février une adaptation du Journal d’Anne Frank, entreprise périlleuse à la vue de la notoriété de ce texte. La troupe parie tout de même sur la fraîcheur innocente et pourtant terriblement lucide d’une œuvre troublante… [suite]

Voix intérieures

Par Sarah Juilland
Quoique bouleversant, Le Journal d’Anne Frank ne se réduit pas à un témoignage tragique sur un pan sombre de l’Histoire : c’est aussi, et surtout, le récit de « l’aventure dangereuse […] romantique et intéressante » (Le Journal d’Anne Frank) d’une adolescente inspirée et inspirante… [suite]

Girl from the Fog Machine Factory

Création et mise en scène de Thom Luz (Thom Luz – Bernetta Theaterproduktionen) / Théâtre de Vidy / du 16 au 19 janvier 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Les maîtres du brouillard

Par Ivan Garcia
Avec Girl from the Fog Machine Factory, le metteur en scène zurichois Thom Luz signe une création basée sur la combinaison entre effets techniques et musique. Le brouillard entraîne le public dans une performance qui fait autant appel aux sensations qu’à l’imagination… [suite]

La Nébuleuse

Par Amina Gudzevic
Quel avenir pour les vendeurs de rêve dans un monde qui prône l’hédonisme matérialiste ? Dans Girl from the Fog Machine Factory, les comédiens, tels des prestidigitateurs, proposent de nouvelles manières d’utiliser des machines à fumée. Cette expérimentation offre une dimension magique à cet élément qui se trouve être l’objet central du spectacle… [suite]

Le Misanthrope

Texte de Molière / Mise en scène d’Alain Françon / Théâtre de Carouge / du 9 janvier au 8 février 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Des corps de cour

Par Sacha Toupance
Tout au long du spectacle, les chuchotements lointains des aristocrates curieux et fureteurs résonnent. C’est là l’objet que le spectacle se propose d’investiguer : le système de cour de l’époque moliéresque, ses intrigues et ses logiques internes… [suite]

Un peu de froideur humaine

Par Amina Gudzevic
L’air frais de l’hiver s’est engouffré dans le Théâtre de Carouge et atteint les rapports humains qui se jouent sur scène. Dans sa mise en scène du Misanthrope, A. Françon, qui compte plus de cent créations à son actif, porte une attention toute particulière au détail, instaurant une atmosphère minimaliste et glaciale… [suite]

Le Royaume

D’après Lars Von Trier / Mise en scène d’Oscar Gómez Mata / Comédie de Genève / du 22 janvier au 6 février 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Au royaume des médecins, le théâtre est roi

Par Noé Maggetti
Le metteur en scène Oscar Gómez Mata présente à la Comédie de Genève deux spectacles inspirés de deux œuvres du cinéaste danois Lars Von Trier ; Le Royaume, deuxième volet de ce diptyque, est adapté de la série L’Hôpital et ses fantômes, diffusée entre 1994 et 1997… [suite]

Freak show

Par Thibault Hugentobler
Oscar Gómez Mata et sa troupe proposent, durant cet hiver à la Comédie de Genève, un diptyque adapté de l’œuvre cinématographique et télévisuelle du réalisateur Lars von Trier, Le Direktør, monté en 2017, et Le Royaume, une création dont la première avait lieu ce mardi 22 janvier… [suite]

Un Instant

D’après Marcel Proust / Mise en scène de Jean Bellorini / TKM – Théâtre Kléber-Méleau / du 8 au 27 janvier 2019 / Plus d’infos

Les critiques :

Auprès d’un mort

Par Maxime Hoffmann
Au milieu d’une grande quantité de sièges, un homme et une femme conversent amicalement en évoquant leurs souvenirs. Ils cherchent les temps passés. Cette pièce s’inspire des écrits de Marcel Proust et donne à entendre des extraits émouvants, dont la puissance réveille chez les personnages, comme chez le public, les souvenirs de fragrances oubliées… [suite]

Œillet & Myosotis

Par Amina Gudzevic
Le souvenir vient sans être convoqué. Il suffit d’un geste, d’une odeur, d’une saveur pour qu’il fasse ressurgir un fragment de vie qui, semble-t-il, avait disparu. Un Instant s’apparente à un mirage bercé par les mots de Proust dans lequel les voix de Camille de La Guillonnière et d’Hélène Patarot s’enlacent jusqu’à se confondre… [suite]

Digressions et autres détours avant de jouer

Ève Bonfanti & Yves Hunstad / Le Reflet Théâtre de Vevey / du 13 au 14 décembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

C’était bien là, non ?

Par Amina Gudzevic
Digressions et autres détours avant de jouer s’apparente à un voyage dont la destination nous est inconnue. Ève Bonfanti et Yves Hunstad ne cassent pas le quatrième mur : il n’a, dans ce spectacle, jamais existé… [suite]

Ceci n’est pas un chou-fleur

Par Mélanie Scyboz
Le nouveau spectacle de La Fabrique imaginaire, compagnie composée et créée par Eve Bonfanti et Yves Hunstad, est une mise en scène de l’écriture et de la répétition de L’heure et la seconde, cinquième pièce de ce duo belge, avant sa représentation dans un festival québécois… [suite]

Cinq dans tes yeux

Texte d’Ahmed Belbachir et Anna Budde / Mise en scène d’Ahmed Belbachir et Philippe Macasdar / La Grange de Dorigny / du 20 au 25 novembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

De comptoir

Par Julie Heger
Dans l’espoir de créer une intimité avec le public, Mathilde et son père nous racontent, en temps réel, leur voyage en Algérie, terre de leurs origines. Elle est persuadée qu’il possède désormais, suite à une transplantation cardiaque, le cœur d’une femme… [suite]

Jusque dans vos bras

Texte issu d’improvisations des acteurs / Mise en scène de Jean-Christophe Meurisse / Théâtre de Vidy / du 27 au 30 novembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Pour « un public de crevards »

Par Sacha Toupance
Jusque dans vos bras joue sur le terrain du subversif. Enragés par l’énergie du moment présent et portés par l’improvisation, les Chiens de Navarre se nourrissent de l’actualité politique française et aboient sur ses plus grandes absurdités… [suite]

Maelström

Texte de Fabrice Melquiot / Mise en scène de Pascale Daniel-Lacombe / Théâtre Am Stram Gram / du 29 novembre au 2 décembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Complainte adolescente

Par Noé Maggetti
Le théâtre pour la jeunesse Am Stram Gram accueille un spectacle créé au Festival off d’Avignon 2018 par l’auteur Fabrice Melquiot et la metteure en scène Pascale Daniel-Lacombe. Maelström est une pièce explicitement destinée à un public adolescent, qui se présente comme le monologue intérieur d’une jeune fille malentendante de quatorze ans, en proie à un tourbillon d’émotions propre à son âge… [suite]

À trop pleurer, nous n’avons pas vu le train passer

Par Jade Lambelet
Premier volet du triptyque de Pascale Daniel-Lacombe, Maelström esquisse un tableau sur l’adolescence encadré par une réflexion plus globale sur notre rapport au temps et au monde. Seule sur le quai d’une gare, Vera, à tout juste quatorze ans, crie au monde les tempêtes et les marées qui habitent son cœur… [suite]

Bernarda

Texte de Federico Garcia Lorca / Mise en scène de Giulia Belet / Théâtre 2.21 / du 30 novembre au 16 décembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Tendues comme un fil

Par Julie Heger
Leur père est mort. Afin de respecter les traditions, Adela et sa sœur se préparent à huit ans de deuil, huit ans qu’elles passeront entre les quatre murs de leur foyer, n’ayant plus que la couture, les commérages et elles-mêmes pour se tenir compagnie… [suite]

Lorca à la moulinette

Par Ivan Garcia
Amour et tradition : c’est sur ces deux thématiques que se développe l’intrigue de Bernarda. En interrogeant les mœurs liées à l’amour, au deuil et à la fidélité, Giulia Belet présente une adaptation de la pièce de Garcia Lorca dont le spectateur peine à saisir la cohérence… [suite]

Funérailles d’hiver

Texte de Hanokh Levin / Mise en scène de Michael Delaunoy / Théâtre du Passage / du 20 au 22 novembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Incontestablement nous sommes là

Par Brice Torriani
Dans la plus tenace tradition du vaudeville, la Compagnie du Passage célèbre sous son toit et en collaboration avec Le Rideau de Bruxelles un mariage, concurrencé par le décès impromptu de la grande tante de la mariée, et par son enterrement qui gâche les préparatifs festifs des deux familles… [suite]

La farce de la farce

Par Lena Rossel
Funérailles d’hiver est un projet né de la collaboration entre la Cie du Passage et le Rideau de Bruxelles. Reprenant une pièce de l’auteur israélien Hanokh Levin, les deux troupes présentent un vaudeville surexcité, à l’humour éculé et répétitif, qui s’enfonce dans le stéréotype du genre en voulant le détourner… [suite]

Meet Fred

De et par Hijinx Theatre en collaboration avec Blind Summit / Mise en scène de Ben Pettitt-Wade / Théâtre des Marionnettes de Genève / du 15 au 20 novembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Please tell me who I am

Par Thibault Hugentobler
[Version anglaise de la critique à la suite de la version française]. La compagnie de Cardiff, Hijinx Theatre, présente jusqu’au 20 novembre Meet Fred, une pièce drôle, bouleversante et profondément lucide. Le spectacle, en anglais, traverse la vie de Fred, une marionnette menacée de perdre ses subsides lui permettant de payer les marionnettistes qui le manipulent… [suite]

« Don’t blame me Fred, blame the system »

Par Sacha Toupance
Avec Meet Fred, la compagnie Hijinx Theatre offre un spectacle de marionnettes électrique. Par l’entrain d’une écriture folle, la représentation donne à voir la vie de Fred, un simple pantin aux aspirations banales… [suite]

La Largeur du Bassin

Texte de Perrine Gérard / Mise en scène de Lucile Carré / Théâtre Poche Gve / du 12 novembre au 16 décembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Le bassin des jeunes filles

Par Lena Rossel
La Largeur du Bassin est le deuxième spectacle créé dans le cadre des ensembles au POCHE. Mobilisant les mêmes comédien.ne.s que ceux que l’on avait vu.e.s dans La résistance thermale et qui seront bientôt à voir dans La Côte d’Azur, la metteuse en scène Lucile Carré synchronise regards et corps à la lumière de la piscine municipale… [suite]

Le monde du silence

Par Mélanie Scyboz
Après La résistance thermale de Ferdinand Schmalz, Le Poche prête son décor de piscine à la pièce de Perrine Gérard, mise en scène par Lucile Carré. Entre nuances pastel et odeur de chlore, La Largeur du Bassin nous replonge dans nos cours de natation à la piscine municipale… [suite]

Amphitryon

Texte de Molière / Mise en scène de Stéphanie Tesson / Théâtre du Passage / 1^er novembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Voyage dans le temps

Par Noé Maggetti
Alors que la mode est aux actualisations des pièces classiques, ou à leur transposition dans un contexte contemporain, c’est un parti pris radicalement inverse qu’a choisi la metteure en scène Stéphanie Tesson dans sa version de l’Amphitryon de Molière… [suite]

De l’imposture positive

Par Thibault Hugentobler
Le Théâtre du Passage de Neuchâtel accueillait, ce 1^er novembre, Stéphanie Tesson et son Amphitryon, pièce peu jouée de Molière. Cette comédie donne à voir les stratagèmes de Jupiter pour gagner le cœur d’Alcmène, une mortelle, dont il s’est épris… [suite]

L’hiver, quatre chiens mordent mes pieds et mes mains

Texte de Philippe Dorin / Mise en scène de Matthias Urban / Le Petit Théâtre / du 31 octobre au 18 novembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

L’enfant, ce grand metteur en scène

Par Jade Lambelet
En hiver, « on ne peut pas faire trop de chichis ». Que nous reste-t-il de plus que nos mains et nos pieds glacés, que la stérilité de la nature, ses paysages déshabillés et l’espoir de retrouver enfin « un petit jour d’été, comme une petite pièce d’or [qu’on aurait] trouvée au fond de [notre] poche »… [suite]

Comme des enfants

Par Julie Heger
Sur une scène presque nue, deux personnages attendent qu’un dramaturge écrive leur histoire. S’impatientant, ils décident de s’organiser une vie laissant toute place à l’imagination. Des repas imaginaires aux guitares inexistantes, les deux compères meublent leur vie, et la scène, dans l’attente de l’auteur… [suite]

Automne-Hiver

D’après les textes de Charles Baudelaire et de Jean Racine / Mise en scène et de Yves-Noël Genod / L’Arsenic / du 1 au 4 novembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Que l’amour de l’art vous soit un calmant

Par Brice Torriani
Après La Recherche, spectacle inspiré des écrits de Proust, le comédien et metteur en scène Yves-Noël Genod donne voix à ces deux piliers de la littérature que sont Baudelaire et Racine… [suite]

Une poétique de l’oxymore

Par Maxime Hoffmann
Cette douce saison où chaque jour décline offre une occasion d’invoquer Baudelaire. C’est le noir Automne qui précède l’Hiver, temps où la sève redescend jusqu’au Racine. La poésie était à l’honneur à l’Arsenic ce soir jeudi 1er novembre… [suite]

Songe d’une nuit d’été

D’après William Shakespeare / Mise en scène de Joan Mompart / La Grange de Dorigny / du 27 octobre au 3 novembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Voilage de nuit

Par Sarah Juilland
À l’image de la forêt crépusculaire abritant l’action – lieu topique de la transgression –, Le Songe d’une nuit d’été participe d’un esprit subversif et déroutant, entremêlant enchevêtrement d’intrigues amoureuses, mise en abyme de la création artistique et renversements carnavalesques… [suite]

Une invitation au rêve

Par Maxime Hoffmann
Joan Mompart s’est approprié le Songe d’une nuit d’été de Shakespeare dans une mise en scène poétique et onirique, qui modifie en partie l’histoire originale. C’est bien autour du mot « songe » que se construit cette rêverie théâtrale… [suite]

Le Large existe (mobile 1)

D’après les textes de Marguerite Duras, Guillaume Dustan et Guillaume Poix / De Manon Krüttli et Jonas Bühler / Mise en scène de Manon Krüttli / Théâtre populaire romand / du 23 au 27 octobre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Les pantins du désir

Par Jade Lambelet
Le large existe (mobile 1) est le premier spectacle des Belles complications, un ensemble éphémère de trois artistes invité par le TPR pour l’ouverture de sa nouvelle saison. Manon Krüttli, la jeune metteure en scène diplômée de la Manufacture pose la première pierre de cette collaboration… [suite]

La puissance de l’instable

Par Brice Torriani
Le Théâtre Populaire Romand de La Chaux-de-Fonds réitère l’expérience des Belles complications, concept né en 2016 sous l’impulsion d’Anne Bisang, qui a formé à nouveau cette saison une troupe éphémère de six comédien.ne.s, dirigé.e.s par trois metteures en scène, pour autant de spectacles… [suite]

La résistance thermale

Texte de Ferdinand Schmalz / Traduction par Mathieu Bertholet / Mise en scène de Jean-Daniel Piguet / Théâtre Poche Gve / du 15 octobre au 16 décembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

L’enfer du confort

Par Lena Rossel
Six comédiens, onze personnages, un lieu : la résistance thermale nous plonge dans une fiction à la saveur amère, une réflexion sur le capitalisme et l’industrialisation qui cherchent à s’approprier même les traditions les plus ancrées… [suite]

All can be softer

Texte et mise en scène de Renée Van Trier / Théâtre Saint-Gervais / du 06 au 07 octobre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Étrangeté et transmédialité

Par Océane Forster
L’artiste polymédiale Renée Van Trier s’est produite partout, a exposé, joué chanté à Amsterdam, Rotterdam, Paris, Los Angeles, Xiamen, Berlin, Lausanne, et ce soir-là, à Genève, au Théâtre Saint-Gervais. Sa dernière création, performance surprenante et inclassable, propose un aperçu des possibilités infinies qu’offre le mélange des arts portés, sans hiérarchie, à la scène… [suite]

F(l)ammes

D’Ahmed Madani / TKM – Théâtre Kléber-Méleau / du 25 au 29 septembre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

D’une flammèche au brasier

Par Sarah Juilland
F(l)ammes – deuxième partie du triptyque Face à leur destin d’Ahmed Madani – est un spectacle qui donne chaud, tant aux corps qu’aux cœurs. Au fil de la représentation, le public est embrasé par cette création éclectique, où fusionnent confidences, chants, danses et même démonstrations de karaté… [suite]

Ten women show

Par Noé Maggetti
Témoignages successifs de femmes issues de quartiers français « sensibles », F(l)ammes, spectacle d’Ahmed Madani rencontrant un succès important en France depuis près de deux ans, fait une escale au TKM… [suite]

Viens, vis et deviens

Par Thibault Hugentobler
F(l)ammes donne à entendre les expériences de vie de dix femmes habitant la banlieue parisienne. À travers leurs récits, isolés ou entremêlés, les comédiennes rendent compte de l’universalité de ce qu’elles ont vécu, entre aspiration et confrontation… [suite]

Brûlante d’être femme, brûlante d’être soi

Par Jade Lambelet
Le TKM ouvre sa saison avec F(l)ammes, deuxième volet de la trilogie à caractère sociologique Face à leur destin d’Ahmed Madani. Après avoir ouvert la scène à de jeunes hommes issus de quartiers populaires français, c’est au tour, cette fois, de jeunes femmes de venir frôler les planches et de faire résonner la salle de leurs témoignages… [suite]

Les échos singuliers d’une humaine forêt

Par Brice Torriani
Ahmed Madani présente le deuxième volet d’une trilogie qui confronte le public à l’histoire de jeunes habitants de quartiers dits « populaires », racontée par eux-mêmes. Dans ce spectacle, ce sont dix femmes qui nous invitent dans leur monde… [suite]

Ainsi soient-elles !

Par Natacha Gallandat
Donner la parole, entendre ce que dix femmes issues de l’immigration ont à dire de leurs vies, en montrer la réalité complexe et riche, voici l’objectif que s’était fixé Ahmed Madani au début de son projet… [suite]

Symbiose engagée

Par Nadège Parent
Monter un spectacle avec des jeunes femmes non comédiennes issues des quartiers populaires et poétiser les problématiques actuelles de l’immigration et de la place des femmes dans la société, au sein d’univers culturels traditionnels parfois contraignants : tel est le projet ambitieux entrepris par le metteur en scène Ahmed Madani… [suite]

Mais qui sont ces gens ?

De Marion Pulver / Mise en scène de Julien George / Théâtre du Loup / du 5 au 21 octobre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

A quitté le groupe…

Par Océane Forster
Dans l’esprit du vaudeville, Mais qui sont ces gens ? est une pièce commandée à Manon Pulver par le metteur en scène Julien George pour cinq comédiens de L’Autre Cie. Cinq amis qui se connaissent depuis toujours y renouvellent leur tradition : se retrouver une année sur deux au nouvel an pour balayer ensemble l’année écoulée… [suite]

Piletta Remix

Texte et mise en scène de la compagnie Le Collectif Wow ! / Théâtre Équilibre-Nuithonie / du 6 au 7 octobre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

La magie du son

Par Natacha Gallandat
Piletta Remix est un conte radiophonique pour petits et grands, une histoire racontée en scène, où les effets sonores, créés devant le public, produisent des images mentales qui se substituent à un décor matérialisé… [suite]

Variations sur un temps

Texte de David Ives / Traduction de Maryse Warda / Mise en scène de Julien Schmutz / Théâtre des Osses / du 29 septembre au 21 octobre 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Attachez vos ceintures !

Par Nadège Parent
Présenter cinq pièces avec seulement six comédiens, en un seul spectacle : c’est le défi que proposait le dramaturge américain David Ives dans son All in the Timing (1993) et que relève brillamment le metteur en scène Julien Schmutz… [suite]

À Contretemps

Par Natacha Gallandat
S’interroger sur la notion de temps, sur son impact dans les destinées en expérimentant différentes déformations de la temporalité, c’est ce que propose d’explorer la comédie Variations sur un temps… [suite]

Bigre

De Pierre Guillois / Co-écrit avec Agathe l’Huillier et Olivier Martin-Salvan / Théâtre du Jorat / les 15 et 17 juin 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Joyeux bordel dans mon HLM

Par Lucien Zuchuat
Aidés d’une machinerie fantastique, trois comédiens aux allures de personnages de bande dessinée entraînent le théâtre du Jorat dans une succession haletante de gags… [suite]

Comique de geste

Par Basile Seppey
Bigre a remporté en 2017 le Molière de la meilleure comédie. Une année plus tard, Pierre Guillois, Agathe l’Huillier et Olivier Martin-Salvan présentent au Théâtre du Jorat cette pièce muette… [suite]

La Reprise : Histoire(s) du théâtre (I)

De Milo Rau / Théâtre de Vidy / du 30 mai au 2 juin 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Ce qu’on ne peut pas dire, c’est cela qu’il faut faire

Par Lucien Zuchuat
Dans La Reprise : Histoire(s) du théâtre (I), une troupe d’acteurs liégeois s’empare, pour le réinterpréter, d’un fait divers sordide : la mort d’un jeune homosexuel tabassé par des inconnus… [suite]

Lisières

Par Basile Seppey
Après The Dark Ages, Empire ou plus récemment Les 120 journées de Sodome, Milo Rau revient à Vidy pour présenter La Reprise : Histoire(s) du théâtre (I), une pièce composite… [suite]

Roméo et Juliette

De William Shakespeare / Mis en scène par Camille Giacobino / Théâtre du Grütli / du 29 mai au 17 juin 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Décaler pour mieux dire

Par Aurélien Maignant
La saison 2018 du Grütli s’achève en beauté avec la dernière création de Camille Giacobino : une adaptation de l’intemporel Roméo et Juliette, pleine de sexe et de danger, de clownesque et de décadence… [suite]

Les 4 chaperons rouges

De Joël Pommerat, Lucie Rausis, Cédric Simon, Maude Lançon et Ludovic Chazaud / Théâtre du Loup / du 22 mai au 2 juin 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Qui a peur du grand méchant homme?

Par Thomas Flahaut
Au théâtre du Loup, sous la direction de quatre metteurs et metteuses en scène (Lucie Rausis, Cédric Simon, Maude Lançon et Ludovic Chazaud), quatre chaperons rouges bravent l’obscurité… [suite]

Variations autour d’un même conte

Par Amalia Dévaud
La figure du loup est plus que jamais d’actualité à l’occasion des quarante ans du théâtre du même nom. Le dramaturge Joël Pommerat, signe ici une adaptation du Petit chaperon rouge… [suite]

Infidèles

D’après Ingmar Bergman / Par les collectifs tg STAN et de Roovers / Le Reflet / du 17 au 18 mai 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Mise à nu

Par Sarah Juilland
Infidèles – spectacle d’inspiration bicéphale alliant le scénario éponyme rédigé par Ingmar Bergman et son autobiographie Laterna Magica – est une histoire à tiroirs où s’enchâssent deux récits… [suite]

Mentir baiser mourir

Par Louis Vodoz
Au milieu de meubles dont le design simpliste évoque une vitrine Ikea, le collectif flamand tg STAN interprète l’un des derniers textes du Suédois Ingmar Bergman, Infidèles, texte hybride… [suite]

La danse des affranchies

De Latifa Djerbi / Mise en scène de Julien Mages / Théâtre Saint-Gervais / du 8 au 19 mai 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Dire et faire la révolution

Par Aurélien Maignant
La danse des affranchies, dernière création de Latifa Djerbi, raconte le retour au pays d’une immigrée tunisienne de deuxième génération. Dounia découvre un territoire à la fois connu et étranger… [suite]

Une danse en enfer

Par Amalia Dévaud
Lauréat du concours Textes-en-Scènes 2017, La danse des affranchies raconte la quête émancipatrice de Dounia, une femme tunisienne qui ne supporte plus les interdits de sa culture, de son pays… [suite]

Self-Help

Texte et et mie en scène de Tomas Gonzalez, Rébecca Balestra et Igor Cardellini / Théâtre de l’Usine (Genève) / du 3 au 9 mai 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

En attendant…

Amalia Dévaud
Avec cette quatrième création, la compagnie K7 Productions met en cause l’une des injonctions véhiculées actuellement par la culture de masse : celle du bonheur… [suite]

Lisbeths

De Fabrice Melquiot / Concept et adaptation de Valentin Rossier / Théâtre du Grütli / du 1er au 20 mai 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Duplicité de la passion

Par Pierre-Paul Bianchi
Lisbeths raconte une rencontre passionnelle, mais sur la scène les corps des acteurs sont maintenus à distance et ne se touchent pas… [suite]

Mots durs

Par Roberta Alberico
Lisbeth et Pietr, deux esprits, deux corps, deux micros, deux voix racontant dans une création aussi subtile qu’élégante les affres de la relation amoureuse et de son langage… [suite]

Éloge du mauvais geste

D’après Olivier Pourriol / Mise en scène de Valéry Cordy / Nuithonie (Fribourg) / du 26 au 28 avril 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Les buts de la vie

Par Maxime Hoffmann
Par le commentaire de trois grands moments historiques du football, le spectacle analyse et utilise les mauvais gestes sportifs pour soulever des questions philosophiques primordiales… [suite]

Change l’état d’agrégation de ton chagrin

De Katja Brunner / Mise en scène de Anna Van Brée / Le Poche (Genève) / du 23 avril au 13 mai 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Couloir de la mort

Par Coralie Gil
Un adolescent rebelle se suicide. Alors la parole se déclenche : plusieurs personnages (joués par trois comédiennes) expriment à la fois leur incompréhension du geste et celle de la vie en général… [suite]

Big Crunch

De Renaud Delay & Daniel Vuataz / Mise en scène de Frédéric Ozier / Théâtre 2.21 / du 20 au 29 avril 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Des étoiles de passage

Par Lucien Zuchuat
Pour sa deuxième création la Cie Silence in the Studio propose Big Crunch, une comédie musicale douce-amère qui, de rire en larmes, se moque tendrement… [suite]

La Ménagerie de verre

De Tennessee Williams / Mise en scène de Daniel Jeanneteau / Théâtre Kléber-Méleau / du 17 au 22 avril 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Est-ce que tout traverse le verre sans jamais y laisser de trace?

Par Amalia Dévaud
Ménagerie, nom féminin : lieu où sont réunis des animaux dangereux, exotiques, ou rares destinés à être montrés au public. Le huis-clos de Tennessee Williams met en scène le mal de vivre d’une famille modeste, dans le Missouri des années 1930… [suite]

Nous, les héros

De Jean-Luc Lagarce / Mise en scène de Robert Sandoz / TPR (La Chaux-de-Fonds) / du 18 au 20 avril 2018 / Plus d’infos

@ Guillaume Perret

Les critiques :

À la dérive

Par Louis Vodoz
À partir de la pièce Nous, les héros de Jean-Luc Lagarce, Robert Sandoz construit un univers aux accents burlesques ; un humour clownesque, quelques acrobaties et des farandoles musicales rappellent l’imaginaire forain… [suite]

Le passé d’une illusion

Par Roberta Alberico
Le TPR relaie ce mois d’avril le succès toujours croissant du théâtre de Lagarce, plus de vingt ans après sa mort, en proposant une mise en scène de Nous, les héros par Robert Sandoz et la compagnie L’Outil de la ressemblance… [suite]

Iris et moi

De Pauline Epiney / Avec Pauline Epiney et Fred Mudry / Petithéâtre de Sion / du 12 au 22 avril 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Portrait autofictif

Par Basile Seppey
Pauline Epiney et Fred Mudry présentent une autofiction à travers le portrait d’un autre couple, celui d’Iris et Peter Von Roten… [suite]

Automne

De Julien Mages / Mise en scène de Jean-Yves Ruf / Théâtre la Grange de Dorigny / du 12 au 15 avril 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

La valse des sentiments

Par Sarah Juilland
Avec Automne, Julien Mages fait pleurer dans nos cœurs. C’est l’histoire de l’un de ces vieux couples – comme on en croise si souvent sans les vraiment les remarquer… [suite]

Une valse à mille temps

Par Coralie Gil
Un couple âgé, une heure et demie d’avance au théâtre. L’occasion de lire le programme, de s’interroger sur le titre du spectacle, de faire surgir les souvenirs… [suite]

Cargo Congo-Lausanne

Création Rimini Protokoll / Théâtre de Vidy / du 1er février au 23 mars 2018 / Plus d’infos

Pour le spectacle Cargo Congo-Lausanne, l’Atelier critique a collaboré avec l’Atelier d’écriture littéraire animé par Jérôme Meizoz (UNIL) autour d’une proposition de critique créative. Nous publions ici une sélection des textes rédigés dans ce cadre par des participants des deux ateliers.

Les critiques :

Je voyageais la nuit

Par Lucien Zuchuat (Atelier critique)
Je voyageais la nuit. Vatché et moi nous étions quittés au carrefour Ndala à l’est de Goma… [suite]

Supplément au Cargo Congo-Lausanne

Par Basil Nelis (Atelier d’écriture)
Les deux hommes s’installent au centre de la cafétéria, à leur table habituelle… [suite]

Pardonnez ma surinterprétation, car elle est grande

Par Fanny Utiger (Atelier d’écriture & Atelier critique)
Des heures, des jours, des années passées dans un camion… [suite]

Vidy là-bas

Par Pierre-Paul Bianchi (Atelier critique)
Il conduit. Une goutte fraie son chemin le long de mon front, le long de mes artères… [suite]

Ordonnance sur les règles de circulation routière, partie quatre : usage des véhicules, chapitre un : dispositions générales, point 3 : espace et temps

Par Julia Cela (Atelier d’écriture)
Les paysages routiers sont les mêmes partout…. [suite]

Vélo Congo-Lausanne

Par Sarah Juilland (Atelier critique)
Rosette Mbemba est une jeune femme congolaise d’une trentaine d’années… [suite]

Ne cédez pas à la parole

Par Amalia Dévaud (Atelier critique)
Au centre de la table, posée sur une scène noire dénuée d’artifices, se trouve un petit camion… [suite]

Récréation

Par Basile Seppey (Atelier critique)
C’était la récré quand Cindy nous a raconté. Les autres faisaient un foot… [suite]

Un si gentil garçon

D’après le roman de Javier Gutiérrez / Mise en scène de Denis Lavalou et Cédric Dorier / Théâtre La Grange de Dorigny / du 28 au 30 mars / Plus d’infos

@ DR

Les critiques :

Là où les mémoires sont amères

Par Pierre-Paul Bianchi
En disant les violences sexuelles par le prisme de la mémoire d’un groupe d’amis, Un si gentil garçon fragmente l’indicible pour mieux le dire. Du récit de souvenirs équivoques transparaissent, de l’implicite à l’explicite, les excès d’une jeunesse qui a dérapé… [suite]

Les secrets de Polo

Par Amalia Dévaud
Tu te dis tout de suite que tu aimes le style littéraire de Javier Gutiérrez. Tu vas d’ailleurs essayer d’écrire ce texte dans le même esprit, parce que c’est ce qui te semble le plus juste pour retranscrire l’expérience théâtrale et poétique que tu as vécue… [suite]

Le Cromlech

Mise en scène d’Oscar Gómez Mata / TLH-Sierre / 25 mars 2017 / Plus d’infos

@ Alakran

Les critiques :

Un psychodrame postmoderne

Par Roberta Alberico
Le Cromlech, quatrième des « psychodrames » proposés par Gómez Mata, invite le public à participer à une installation collective sur le plateau du TLH. Outre une remise en jeu du rapport entre le spectateur et l’acteur… [suite]

Tiefer Schweb

Écrit et mis en scène par Christoph Marthaler / En allemand surtitré en français / Théâtre de Vidy / du 23 au 24 mars 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Tentative(s) d’évasion

Par Aurélien Maignant
Sur fond de crise migratoire, la dernière création de Christoph Marthaler, Tiefer Schweb, allie burlesque et satire au vitriol dans un huis-clos aussi minutieux qu’explosif… [suite]

La Grande Rage de Philippe Hotz

De Max Frisch / Mise en scène de Michel Fidanza / Théâtre La Grange de Dorigny / du 20 au 24 mars 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Max Frisch et son double

Par Amalia Dévaud
1958, naissance du personnage de Philippe Hotz. En double fictionnel de Max Frisch, il incarne l’archétype de l’écrivain tourmenté : malheureux en amour, malheureux de se trouver trop sérieux pour que quelqu’un le prenne – justement – au sérieux… [suite]

Une incompréhension dans le couple

Par Maxime Hoffmann
Philippe Hotz entre dans une rage froide. Sa femme, Dominique, dite Dodo, vient d’interrompre la procédure de divorce en cours. Pour qu’elle le prenne enfin au sérieux… [suite]

Solution intermédiaire

Conception et mise en scène de Stefan Hort / Théâtre Les Halles à Sierre / du 15 au 25 mars 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Intervalles

Par Basile Seppey
Stefan Hort croise deux gestes autour du mythe d’Icare : la performance musicale et le cirque. Mais plutôt que d’assimiler et de niveler les deux pratiques, la proposition du metteur en scène valaisan invite à les penser distinctement… [suite]

Evel Knievel contre Macbeth na terra do finado Humberto

Créé et mis en scène par Rodrigo Garcia / Théâtre de Vidy / du jeudi 15 mars au dimanche 18 mars 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Rêverie révoltée

Par Ivan Garcia
Rodrigo Garcia présente un spectacle fait de tableaux multiples qui rassemble plusieurs figures de la culture populaire et les fait se confronter. Sous-tendu par un discours politiquement engagé… [suite]

De textes et d’images

Par Coralie Gil
Rodrigo Garcia met en scène un spectacle presque aussi mystérieux que son titre, qui fait se succéder les images dans des tableaux toujours plus inventifs. Le texte même devient image… [suite]

Clash of Gods

Écrit et mis en scène par Christophe Jaquet et Thomas Burkhalter / Théâtre de l’Arsenic, dans le cadre du festival Programme commun 2018 / du 13 au 28 mars 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

« Profitez de la vue »

Par Amalia Dévaud
Une femme enceinte se déplace à quatre pattes, mini-jupe et petite culotte apparente. Un homme-crabe traverse le plateau de ses membres raccourcis et abattus. Du haut de leur estrade, les puissances d’un Olympe métaphorique jubilent… [suite]

Battle de décibels

Par Ivan Garcia
A un soir de l’ouverture du Programme commun, l’Arsenic sort le grand jeu avec Clash of gods. Les créateurs Christophe Jacquet et Thomas Burkhalter présentent un spectacle qui sollicite les sens où la musique tient la première place… [suite]

Luxe, calme

Texte et mise en scène de Mathieu Bertholet / Théâtre Vidy-Lausanne / du 8 au 18 mars 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

« Tous les chemins mènent au même cul de sac »

Par Louis Vodoz
Dans un hôtel de luxe perdu quelque part dans les montagnes alpines avec vue sur le lac, de riches clients viennent finir leurs jours dans un faste décor du XIX^esiècle… [suite]

Hôtel du mort

Par Fanny Utiger
Dans une atmosphère sombre, baudelairienne presque caricaturalement, Mathieu Bertholet aborde une difficile thématique, celle du suicide assisté… [suite]

Mon histoire vraie 1 – Sara

Texte et et mise en scène de Ludovic Chazaud / Compagnie Jeanne Föhn / Théâtre La Grange de Dorigny / du 27 février au 4 mars 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Il s’est passé quelque chose

Par Fanny Utiger
Mon Histoire vraie ne l’est pas tout à fait. On ne sait plus vraiment, elle a changé en quelques points. Il faudra pourtant bien la dire, mais comment ? Qui la racontera ? [suite]

La ferme des animaux

D’après le roman de George Orwell / Adaptation et mise en scène de Christian Denisart / Compagnie Les Voyages Extraordinaires / Théâtre de la Grange de Dorigny / du 18 au 28 janvier / Plus d’infos

Les critiques :

Révoltes d’autrefois

Par Aurélien Maignant
Après les pingouins de L’Arche part à huit heures, les acteurs de la compagnie des Voyages Extraordinaires renfilent leurs costumes d’animaux dans une adaptation de la célèbre satire politique de Georges Orwell… [suite]

Humainement animal

Par Joanne Vaudroz
Lumière sombre sur scène. Ils arrivent et se font entendre. Ils hennissent, meuglent, braient, bêlent, grouinent ou caquettent, une allègre cacophonie toujours plus puissante est à l’approche… [suite]

Monsieur de Pourceaugnac

D’après Molière (texte) et Lully (musique) / Mise en scène de Clément Hervieu-Léger / Conception musicale de William Christie / Théâtre du Reflet / le 16 janvier 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Bourreaux baroques

Par Aurélien Maignant
Célébrant ses 150 ans cette saison, le théâtre du Reflet accueille une comédie-ballet de Molière, Monsieur de Pourceaugnac, créée en France par Clément Hervieu-Léger, résident de la Comédie Française et l’ensemble des Arts Florissants dirigé par William Christie… [suite]

Le Loup des sables

D’après le roman de Åsa Lind / Adaptation et mise en scène de Geneviève Pasquier et Nicolas Rossier / Théâtre des Osses / du 12 au 27 janvier 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

« Papa, quand on est mort, on peut encore respirer ? »

Par Josefa Terribilini
Le Loup des sables est une pièce conçue avec le sérieux des adultes pour l’innocence des enfants. Au Théâtre des Osses, le duo Pasquier-Rossier offre une adaptation ingénieusement cartoonesque du roman de l’auteure suédoise Åsa Lind… [suite]

Leçons d’un loup

Par Marek Chojecki
« Petits contes philosophiques, pour tout public dès 5 ans » : une mention qui intrigue et qui, pourtant, est très adéquate pour caractériser Le Loup des sables… [suite]

Quoi/Maintenant

Par le collectif Tg STAN / Théâtre Saint-Gervais / du 11 au 13 janvier 2018 / Plus d’infos

Les critiques :

Vertige de la satire

Par Thomas Flahaut
Dans Quoi/Maintenant, les belges de Tg STAN questionnent, dans un montage de deux pièces, la possibilité d’un théâtre satirique… [suite]

Le manège des vanités

Par Julia Cela
Pour la première fois, Tg STAN crée et joue entièrement en français, en donnant corps à deux textes : Dors mon petit enfant de Jon Fosse et Pièce en plastique de Marius von Mayenburg. [suite]

Ecritures dramatiques contemporaines / Partenariat avec Le Courrier

Deux lundis par mois, pendant l’été 2017, Le Courrier a publié le texte inédit (extrait) d’un-e auteur-e de théâtre suisse ou résidant en suisse. Aujourd’hui, L’Atelier critique propose une publication de nouveaux extraits inédits de ces pièces de théâtre, assortis d’une critique et d’un entretien avec leurs auteur-e-s.

Le Courrier

Les critiques :

Fenêtre sur rue

Par Thomas Flahaut
Sur Lettre au dealer de ma rue de Julie Gilbert [suite]

Survivre ensemble

Par Josefa Terribilini
Sur Quitter la Terre de Joël Maillard [suite]

Molière, héros tragique

Par Coralie Gil
Sur Ombres sur Molière de Dominique Ziegler [suite]

Nauséabond Edelweiss

Par Aurélien Maignant
Sur Le Rapport Bergier de José Lillo [suite]

Chez ces gamins-là

Par Lucien Zuchuat
Sur Le Projet de Luisa Campanile [suite]

« Il te va bien mon sourire »

Par Basile Seppey
Sur Baromètre de Mali Van Valenberg [suite]

Entretien avec Luisa Campanile

Par Lucien Zuchuat

Un entretien autour de la pièce Le Projet / De Luisa Campanile / Le 8 décembre 2017 / Plus d’infos

Luisa Campanile

Lucien Zuchuat, pour l’Atelier Critique (LZ) : Votre pièce s’ouvre et se termine dans une salle de classe. Pourquoi avoir inscrit l’école au centre de votre réflexion ?

Luisa Campanile (LC) : Je suis moi-même enseignante et je ne peux que constater, et regretter, le lent démantèlement de l’État, la montée des inégalités sociales dont l’école se fait la vitrine. Aujourd’hui, j’ai l’impression que l’on forme des citoyens à jeter. Et ce sentiment est exacerbé chez les adolescents qui, tout en ayant une pulsion de vie fantastique, se retrouvent en proie à un monde, celui des adultes, aux codes complexes. Cette période de la vie est une période charnière délicate, faite de paradoxes de plus en plus forts, car la pression économique est aujourd’hui de plus en plus énorme, omniprésente. Et l’école cristallise ces tensions; ça me semble donc être le lieu idéal où interroger notre rapport aux autres, la fragilité de nos relations, mais aussi la validité de nos valeurs : si dans ma pièce, de nombreux élèves n’assistent plus au cours de Marie, c’est que le décalage est réel entre ce que véhicule l’enseignement, les bénéfices à en tirer, et les besoins immédiats, concrets des élèves. Être enseignant, c’est porter la responsabilité de la transmission. Dans cette pièce, justement, je pose la question du modèle de société que nous souhaitons laisser aux générations futures.

LZ : En quoi le théâtre peut-il incarner cet espace de transition et de transmission ?

LC : Pour moi, le théâtre a une vocation sociale. Le théâtre met sur scène nos représentations intérieures, qu’elles soient politiques, économiques, familiales, intimes, etc. Le théâtre est donc forcément un art « de liens », car dans la foule de ces représentations, je remarque que nous ne sommes jamais seuls. Adolescente, j’ai été fascinée par les pièces de Brecht et je garde une vive émotion d’une captation de Mère Courage, celle donnée par le Berliner Ensemble. Aujourd’hui, les référents et enjeux sociétaux ayant changé, il faut à mon avis que la dramaturgie interroge différemment la société. Personnellement, je ressens la nécessité de mettre en lumière ce qui nous arrive. Dans mon impulsion d’écriture, je pars du quotidien, car j’ai besoin de comprendre ou du moins de mettre en trois dimensions ce qui me semble peu clair, peu évident. J’espère ainsi engager une réflexion.

LZ : On sent bien, en vous écoutant, qu’à travers un questionnement sur l’éducation, votre pièce ambitionne d’interroger notre rapport au monde capitaliste. Vers la fin de votre pièce d’ailleurs, un personnage du nom de Pierre Dürr débarque dans l’école pour y vanter une nouvelle méthode d’enseignement qu’il dit plus efficace, plus optimale, usant d’un vocabulaire néolibéral qui agace Marie. Peut-on dire que votre texte est engagé ?

LC : Oui. Et d’ailleurs la première question qui se pose par rapport à cette pièce, c’est de savoir à quel public elle s’adresse. Puisqu’elle met en scène des adolescents, on pense tout de suite à une pièce pour les jeunes. Mais elle s’adresse à un public plus large, car j’interroge justement le lien entre les générations. Parler des adolescents, de l’école, est un prétexte pour parler de notre folie furieuse, de notre course vers l’avant. Le personnage de Marie porte cette critique. Dans cette société de la performance et du Big Brother, Marie n’entre dans aucune case. Tous comme les ados d’ailleurs… d’où leur difficulté à s’approprier les codes de ce monde dont la valeur centrale reste le travail. Marie est pleine de bonnes intentions, elle a encore ce qu’on appelle une vocation sociale. Mais elle est dépassée par ce qui l’entoure : ses méthodes d’enseignement ne sont pas orthodoxes, elle ne comprend pas son fils, etc. Ce sentiment d’impuissance est son drame intérieur, le moteur tragique de la pièce. Mais c’est aussi ce qui la rend authentique. Je voulais un personnage qui soit humain.

LZ : Le fait que votre héroïne soit une femme relève-t-il aussi de l’engagement ?

LC : Oui, c’est certain. Mais Marie est une anti-héroïne. Je ne voulais pas une battante, une femme engagée dans le sens politique du terme. Marie incarne l’énergie féminine dans le sens du « prendre soin », qui tient de la joie à être ensemble, une énergie très vitalisante pour qui l’exprime et aussi pour qui en bénéfice. Notre société, à mon avis, brime cette force. C’est une immense perte pour notre humanité.

LZ : Et ces valeurs sont perceptibles dans la relation que Marie entretient avec son fils, MonCœurx2. D’où vient ce nom d’ailleurs ?

LC : Son prénom se lit « Mon cœur puissance 2 ». Cela renvoie à la bombe atomique, à la logique exponentielle de propagation de ses ondes de mort. Sauf que dans ce cas-là, il s’agit d’ondes de vie, de l’énergie et de l’amour de l’enfance qu’on a tendance à perdre en route. MCx2 est un personnage étrange, décalé comme peuvent l’être les enfants précoces, et dont le franc-parler met en évidence la difficulté à être des adultes. Il apparaît sans qu’on sache trop comment ni pourquoi dans la salle de classe de Marie de sorte qu’en tant que spectateur, on ne sait plus si le récit relève de la rêverie, du souvenir ou du réel. Il entretient avec Marie un lien qui dépasse les paramètres spatio-temporels classiques. Quoiqu’il en soit, tout comme l’énergie féminine du « prendre soin » dont nous parlions tout à l’heure, l’énergie innocente et libre qu’incarne MCx2 est une charge d’espoir.

LZ : Les adultes, de leur côté, semblent avoir succombé à ces logiques d’oppression.

LC : Oui, en partie. Marie est un personnage en creux. Elle ne se sent plus en adéquation avec un monde de plus en plus exigeant et individualiste. Certes, elle a un idéal : elle croit en la vocation de la culture, mais elle sent bien que la culture ne fait pas le poids face aux nécessités économiques, aux problèmes matériels. Du coup, elle ne se sent plus légitime dans son rôle d’enseignante. À deux doigts du burn-out, elle cherche tant bien que mal à ne pas se laisser emporter par la dépression du monde. Son mari, lui, a déjà abandonné : il s’est retiré, n’arrivant plus à suivre. En écrivant ma pièce, je ne cherchais pas à désespérer le spectateur, ni à attirer ses bons sentiments. Oui, mes personnages sont dépossédés de leur énergie de vie. Oui, je me situe du côté des perdants. Mais je tiens à ce qu’ils restent lucides quant à leur état et aux enjeux qui les piègent pour qu’ils puissent témoigner de ce qui leur arrive.

LZ : Pour autant, cela ne veut pas dire que tout est désespéré. La fin de la pièce est surprenante à cet égard : Marie agit violemment en frappant un élève, comme si les vannes de la frustration s’ouvraient soudain.

LC : C’est qu’elle est attaquée en premier lieu. Giuseppe, tout juste viré de son stage, vient la trouver à l’école. Et, comme cela arrive souvent chez les adolescents, il déverse sa colère sur une personne qu’il apprécie. Giuseppe brutalise Marie ; elle se défend. Mais en même temps, elle sait qu’en s’en prenant physiquement à son élève, elle sera renvoyée de l’école et qu’il pourra, lui, profiter de sa position de victime pour récupérer un stage. C’est une forme d’ultime sacrifice. Mais y avait-il, sincèrement, une autre issue pour Marie ? Pour le moment, je n’arrive pas à imaginer autre chose. Peut-être que je lui ai demandé de faire avec la violence de notre temps.

LZ : La poésie tient une place à part dans votre pièce : les élèves citent du Walt Whitman, MCx2 rédige un court poème. Cette forme d’écriture représente-t-elle une voie de secours ?

LC : L’hégémonie de la rapidité, de la parole d’ostentation a entamé notre capacité au recul, à la gratuité. Il me semble qu’il est important d’ouvrir un espace psychique dans lequel on peut se retirer, se relier à soi, des bulles à partir desquelles interroger le monde. La poésie est ce bercement qui permet aux personnages de se retrouver, de prendre du recul sur ce qui les entoure. Mais j’avoue que je suis encore à la recherche de la bonne forme. Je doute beaucoup lorsque j’écris et je me réjouis de voir si ma pièce passera l’épreuve de la scène. Vous savez qu’en tant que personne de la deuxième génération de migrants, je n’ai pas de relation forte à la langue d’un territoire. Alors, j’invente et j’occupe la langue de l’entre-deux. Je crée, mais avec des doutes. Même quand je me parle, j’ai l’impression de faire des fautes (rires). En bref, il n’y a pas d’évidence dans la langue, surtout si l’on se trouve en conflit avec le modèle de l’école. C’est le cas des adolescents que ma pièce représente. Dans le choix de leur langue, je voulais m’éloigner du réalisme, des « chelou », et autres « véner ». Je tenais à éviter toute stigmatisation par la parole, à sortir des ghettos. Il me fallait leur donner une langue à eux, une langue étrange, à inventer donc.

LZ : Dernière question : comment avez-vous choisi le titre de votre pièce ? « Le Projet » pour décrire un monde qui en semble privé, c’est pour le moins ironique.

LC : Je voulais un truc banal, du genre jargon néolibéral : « Quel est ton projet de carrière ? ton projet de vacances ? », « Votre problème de couple vient du fait que vous n’avez pas le même projet». Aujourd’hui, la langue du management a colonisé notre vie intérieure. Et puis paradoxalement, ce mot de « projet » révèle une béance : pour la plupart des individus, se projeter est anxiogène. C’est même devenu un luxe ; seuls quelques chanceux, au sommet de la hiérarchie sociale, peuvent regarder l’avenir avec sérénité et faire des projets pour les dix prochaines années. Je voulais un titre qui réunisse l’idée de précarité, avançant masquée, et l’illusion de la toute-puissance qu’offre le modèle néo-libéral. Enfin, je cherchais à distinguer projets et rêves, ces derniers instaurant une autre temporalité, bien éloignée de celles des objectifs à atteindre. Je crois que l’impact de l’économie sur le réel et le langage nous emmerde profondément. Alors je cherche le rêve. Mon projet.

Entretien avec Julie Gilbert

Par Thomas Flahaut

Julie Gilbert (© Le Duck)

Un entretien autour de la pièce Lettre au dealer de ma rue / De Julie Gilbert / Le 14 décembre 2017 / Plus d’infos

LES MOTS, LE VOLCAN
Le 14 décembre 2017, dans un bar du quartier des Grottes, à Genève.

Thomas Flahaut, pour l’Atelier critique (TF) : Dans ta Lettre au dealer de ma rue, une femme occidentale s’adresse à un étranger. Le « je » se dessine dans le creux du « tu ». Dans cette distance, la manière dont cette femme-là dit, se joue quelque chose de politique. Comment as-tu lié, dans l’écriture, ta réflexion formelle, par rapport à des impératifs politiques qui, peut-être, précèdent l’écriture ? Pourquoi le choix de la lettre, d’une forme aussi adressée ?

Julie Gilbert (JG) : Le point de départ est réel, c’est la cohabitation permanente avec les dealers qui sont en bas de chez moi, avec cet autre qui n’est pas défini puisqu’il ne cesse pas de changer. Ce n’est jamais le même dealer. Cet autre est indéfini, mais il est noir, et il deale. De plus, il me reconnaît. Il ne me propose jamais de drogue, il sait que je vis ici et protège mon environnement. Je trouvais étrange cette espèce de proximité avec quelqu’un que l’on n’identifie pas. J’avais besoin de prendre la parole, mais je ne pouvais pas simplement m’adresser à lui. Le lendemain, le surlendemain, j’aurais dû réitérer ça. La dimension épistolaire, ce côté injonctif vient de là : j’essaie par la parole de savoir qui tu es, de savoir dans quelle situation nous sommes tous les deux. La dimension politique du texte, c’est que cette situation est une métaphore de la politique suisse. Une situation a priori hallucinante, mais qui ne pose pas de problème ici. La cohabitation des dealers et des enfants dans un même espace, la cour d’école et ses environs. Comme Française, j’ai d’abord été outrée, mais j’étais la seule. Alors j’ai tenté de comprendre. Je m’adresse à cet être indéfini, mais aussi à la Suisse. J’essayais de comprendre comment fonctionne la pensée suisse par rapport à l’espace public.

TF : La société a quand même quelques suspicions. Tu racontes notamment l’installation de caméras de surveillance. Justement, c’est à cette occasion qu’une solidarité nouvelle s’exprime, celle des résidents autour d’un « représentant des dealers ».

JG : Il y a comme des sursauts. Je parle surtout de Genève, des Pâquis où j’ai toujours vécu ici. C’est un quartier qui est double, à la fois un terrain de jeu pour la Suisse romande, où on deale beaucoup, et un quartier dans lequel vivent des familles dont les enfants vont à l’école. Dans les grilles de l’école, les dealers cachent de l’ecstasy. Ces gars qui traînent près de l’école ne viennent jamais emmerder les mômes. Au contraire, ils surveillent mes enfants. Ce qui se joue, c’est au-delà de la morale. Ces dealers arrivent d’endroits où ils ont une famille, une structure de vie. Ils ne peuvent pas faire autre chose. Pour moi, ce texte est aussi une réponse à toutes les violences à l’encontre des étrangers, en Suisse et en Europe. Rappeler que derrière les stéréotypes, il se passe des choses beaucoup plus complexes.

TF : C’est ce que tu fais en amenant le personnage du représentant des dealers. J’observe avec lui une forme de retournement de la figure négative du migrant véhiculée par des médias sensationnalistes. Le migrant, dans ce discours dominant, fait peur. L’opinion lui donne un pouvoir politique, celui de nuire. Ce représentant des dealers, tu lui donnes une capacité politique positive, celle de penser avec les autres résidents le devenir de son quartier.

JG : Il y a quelque chose d’utopique ici. Je ne sais pas comment ça s’est passé. Les dealers se réunissent et désignent un représentant pour l’assemblée de quartier, pour dire qu’ils sont contre l’installation de caméras de vidéosurveillance. Ce qui m’intéresse, c’est la capacité de repenser un espace commun sur des bases pragmatiques et non morales. La dimension utopique, c’est d’imaginer comment on peut imaginer de nouvelles manières de cohabiter.

TF : Le rôle du texte littéraire est donc d’abord de révéler une hypocrisie, de dire que les gens négocient déjà dans cet espace commun qu’est le quartier, malgré la morale dominante. Cela peut-être aussi d’appeler à aller plus loin dans ces utopies qui sont déjà en germe ?

JG : Souvent dans mon écriture, j’ai un double mouvement contradictoire. D’un côté, je suis horrifiée qu’il y ait de la dope dans les préaux. Et de l’autre, je sais très bien que ce ne sont pas les dealers qui sont responsables de cette situation, qu’ils tentent au contraire de faire au mieux. Mon adresse, elle est à la société. Je tente de poser cette question : comment donner la possibilité à des gens comme eux de faire autre chose que vendre de la drogue ? En Suisse, ça semble inéluctable : tu es un clandestin, noir, alors tu vends de la drogue. Pour moi, c’était primordial que ce texte ne puisse pas être récupéré par des anti-étrangers. Lorsqu’il y a quelques années, les réfugiés ont commencé à affluer, j’ai cru que c’était une chance pour notre société. Que cela nous pousserait à changer. Aujourd’hui, devant la violence avec laquelle on traite ces gens, je suis très pessimiste.

TF : Dans ton texte, ce que tu nommais « utopie » l’emporte sur ce pessimisme. La société permet à ces hommes d’être des hommes qui choisissent, participent à la vie de la communauté. Dans ton texte, le « Je » occidental tente de ne jamais écraser le « tu » de l’étranger. Mais pourquoi, spécifiquement, avoir choisi l’écriture théâtrale, pas la prose ou une autre forme, pour tenter ça ?

JG : Je dis mes textes. L’idée que la parole puisse être prise en charge par par une comédienne ou un comédien ne se pose pas. Il y a ma colère d’abord, c’est de là que ça part. Le fait de pouvoir dire un texte, c’est comme une prise de position politique. Je définis mon geste plutôt comme une prise de parole devant la cité, que comme théâtre.

TF : Comme ces gens qui prennent la parole sur des bancs publics dans un coin de Hyde Park ?

JG : Il y a quelque chose de cette dimension-là. Ces dernières années, j’ai écrit plusieurs monologues de ce genre. C’est une manière de dialoguer avec des choses qui me révoltent. Je ne vois pas d’autre forme pour faire cela. Je tente toujours partir de moi pour aller vers l’autre. C’est ce chemin que je fais dans l’écriture. C’est pour moi l’endroit le plus juste pour raconter ce que j’ai à raconter.

TF : Quels autres textes ?

JG : J’aurais préféré avoir un flingue, sur une lanceuse d’alerte, que j’ai lu aux Intrépides, ce printemps à Avignon. Dans Outrage ordinaire, un texte que j’ai écrit sur la migration, il y avait déjà ce principe d’adresse. Mais il était plus poétique. Je partais toujours de moi, l’Occidentale, pour aller explorer l’autre, l’étranger. Mais cet autre était indéfini. La lettre au dealer de ma rue et J’aurais préféré avoir un flingue décrivent des personnes et des situations réelles. Ce qui m’intéresse c’est aussi la dimension documentaire. Je pars de la réalité. Lettre au dealer de ma rue a été écrit alors que j’étais à Avignon, à préparer une résidence en Guinée avec Hakim Bah. Hakim voulait que tout le monde écrive sur la migration. Il nous a montré un film, un Passe-moi les jumelles qui était tourné dans ma rue. C’était l’histoire d’un Guinéen qui acceptait l’aide au retour. On le voit dormir dans le parking derrière mon immeuble, traîner près du préau. Cet homme avait une identité, ce qui m’a permis de m’adresser à lui dans mon écriture. Ça me permettait d’être reliée à une réalité. Ces textes sont chevillés au réel. J’essaye de pousser jusqu’au bout les images. Pour voir si ça grince, si on supporte.

TF : Une volonté de créer un choc ?

JG : De secouer. Un ami dit : « tes textes, c’est comme des volcans. Ça commence tout doux, tout doux et puis d’un coup, on se le prend dans la gueule ». Ce qui m’intéresse, c’est ce moment où ces choses habituelles, ces images, deviennent dérangeantes, provoquent quelque chose.

TF : En lisant, je voyais ton écriture se chauffer, aller petit à petit vers cette extrémité dont tu parles. Est-ce que ce moment-là te surprend toi-même pendant l’écriture ? Est-ce que tu le cherches ?

JG : C’est vraiment pour ça que j’écris.

Entretien avec Dominique Ziegler

Par Coralie Gil

Un entretien autour de la pièce Ombres sur Molière / De Dominique Ziegler / Le 8 décembre 2017 / Plus d’infos

Dominique Ziegler

Coralie Gil, pour l’Atelier critique (CG) : Pourquoi avez-vous choisi de traiter de cette thématique maintenant ?

Dominique Ziegler ( DZ) : Le problème éternel dont j’avais envie de parler dans cette pièce, c’est le problème de l’artiste et de son rapport au pouvoir. Molière était protégé par le roi et il a profité de cette situation privilégiée pour faire ce qu’il estimait être la mission du théâtre, à savoir, comme il l’explique dans le premier placet au roi, en préface du Tartuffe : de « corriger les hommes en les divertissant » . C’est cette démarche-là qui m’intéresse, celle qu’on devrait toujours avoir, nous les artistes, à l’heure actuelle. Aujourd’hui, en tout cas en Occident, la religion n’est plus aussi importante que du temps de Molière, mais elle est remplacée par l’économie et par d’autres types d’intérêts. Le geste de Molière est toujours important pour nous. Il a toujours une portée et c’est pour cela que je me suis intéressé à cette histoire.

CG : Votre point de départ était donc cette problématique centrale du rapport entre l’artiste et le pouvoir?

DZ : C’est de là que je suis parti, oui. L’histoire du Tartuffe et de sa censure m’avait toujours beaucoup intrigué mais je n’ai trouvé finalement que très peu de documents sur le sujet. Ce sont les préfaces de Georges Couton dans les anciennes éditions de la Pléiade qui m’ont beaucoup aidé. Elles sont très documentées, notamment au sujet de la place de l’Eglise dans la société de Molière, par exemple l’intérêt financier d’y faire sa carrière. Il est aussi question de l’hypocrisie, tolérée par une branche du catholicisme. Il valait parfois mieux mentir par omission et défendre une vérité plus profonde plutôt que de faire preuve d’une franchise mal placée. C’est aussi là que j’ai trouvé les documents du curé Roulé par exemple, qui appelle au bûcher pour le cas Molière. Et tout ce qui concerne la Compagnie du Saint Sacrement[i] qui a eu une grande importance à l’époque de Molière.

CG : Et Racine et Corneille se sont aussi prononcés contre Molière ?

DZ : Oui, mais pour d’autres raisons que la Compagnie du Saint Sacrement. J’ai un peu romancé cette affaire. En fait, ce qui m’intéressait, c’était un sujet toujours d’actualité, à savoir jusqu’où va le courage politique de certains artistes et où il s’arrête. Racine et Corneille n’ont pas défendu Molière, ils l’ont vraiment laissé tombé. Ensuite, je tisse des liens et même si je ne distingue plus vraiment les choses que j’ai lues de celles que je suppose, je sais qu’il y avait une vielle querelle entre Église et Théâtre. On était entré dans une zone de tolérance grâce à Richelieu, Corneille en était le défricheur, Molière le successeur et Racine l’héritier. Et Molière mettait le bazar avec son Tartuffe. C’est la raison première pour laquelle ils l’ont abandonné : pour des questions pragmatiques plus que pour des questions morales. Et donc, à nouveau, on peut en retirer quelque chose actuellement. Quand je fais une pièce de théâtre historique, j’essaie de voir en quoi elle nous parle maintenant. Cela ne m’intéresse pas de faire quelque chose de muséifié, de minéral et de dire : « Regardez comment c’était avant ! ». Non, c’est toujours intéressant maintenant.

CG : La forme versifiée s’est-elle imposée dès le début ?

DZ : Oui. J’avais envie de parler de cette histoire et comme j’avais déjà fait un certain nombre de pièces en prose sur d’autres thèmes, je trouvais qu’il était important de me renouveler. Même si tous mes textes tournent autour du pouvoir, je tente quand même de me diversifier dans les thèmes et dans la forme. L’idée était aussi de tenter de faire un hommage à Molière. Je n’ai pas fait un pastiche ou un exercice de style, ce sont mes vers à moi avec ma façon de faire les vers, mais tout en essayant de respecter les règles classiques de l’alexandrin le mieux possible. Certains critiques ont beaucoup aimé la pièce et l’ont très bien comprise mais ont dit : « Ah les vers contemporains de Dominique Ziegler ! », mais mes vers ne sont pas du tout contemporains, dans la mesure où il n’y a aucun mot ultérieur à l’époque de Molière, j’ai vérifié. Je fais moins d’inversion que Molière et il y a beaucoup de passé composé dans mes vers, je pense que c’est ce qui donne cette impression de contemporanéité. Les dramaturges classiques utilisent plutôt le passé simple. D’où le fait que mes vers soient plus accessibles. Ceux de Racine ou de Molière sont évidemment mieux que les miens mais ils sont aussi plus compliqués à saisir directement à l’oreille. Il s’agit d’une autre langue et d’un autre temps. Donc voilà, c’était un effet très involontaire de ma part : j’ai essayé de respecter les règles mais malgré moi mes vers ont une accessibilité plus grande. C’est peut-être aussi ce qui a fait le succès de la pièce.

CG : A partir de votre point de départ, cette histoire de l’interdiction du Tartuffe, Molière se transforme en véritable héros tragique – quelle ironie ! D’autre part, les évènements s’enchaînent aussi très rapidement, ce qui donne l’impression, et c’est dû au format de la pièce de théâtre, que Molière est frappé de tous côtés et seul contre tous…

DZ : En effet, il ne s’agit pas d’une pièce historique à proprement parler, c’est plutôt une fiction historique. Je voulais aussi rendre hommage au théâtre. On voit une troupe en train de travailler, les querelles, les histoires conjugales et au sein de cette troupe le courage ou non d’aller jusqu’au bout de la démarche. Et l’idée était de synthétiser cinq ans en cinq actes, grosso modo. Tous les faits sont vrais mais l’enchaînement donne une impression de dynamisme et de densité parce que j’ai tout condensé en une pièce d’une heure et demie. C’est aussi un document pour donner à connaître cette partie de l’histoire de Molière. Je pense qu’il a été un héros tragique d’une certaine manière, mais j’en ai aussi rajouté un petit peu. Il devait à la fois manœuvrer, être diplomate avec le roi et dans la pièce, je le représente très véhément et j’imagine qu’il l’était si je me base sur les portraits que lui-même nous a légué : Le Misanthrope est un autoportrait assez fascinant par exemple. De même dans L’impromptu de Versailles, une pièce très importante, un des seul cas que je connaisse où un metteur en scène se met lui-même en scène en train de mettre en scène. J’ai aussi trouvé quelques éléments biographiques dans lesquels on décrit Molière comme facilement en proie à des accès de colère.

CG : Pensez-vous qu’il y ait encore des sujets inabordables et inattaquables aujourd’hui comme c’était le cas des faux dévots dans Tartuffe ?

DZ : Oui, je pense qu’il y a toujours des thèmes tabous aujourd’hui. Faire une pièce sur Israël… Ou à un niveau local critiquer le ministre de la culture, ou ceux qui donnent des subventions. Les phénomènes de courtisanerie et de ligne rouge à ne pas dépasser sont toujours là. Je ne suis pas d’accord avec la politique culturelle genevoise et je le dis de temps en temps mais je sais que si je le dis trop souvent cela peut poser problème. Personne n’est à l’abri. C’est ce que je voulais montrer avec Molière, il est très héroïque mais il est quand même obligé de faire des concessions et d’aller chez telle duchesse qu’il a critiqué juste avant. C’est le phénomène vieux comme le monde du rapport de l’artiste au pouvoir.

Entretien avec José Lillo

Par Aurélien Maignant

Un entretien autour de la pièce Le Rapport Bergier / De José Lillo / Décembre 2017 / Plus d’infos

José Lillo

Assis à la terrasse d’un café, à Lausanne, le metteur en scène et acteur genevois José Lillo revient avec nous sur l’écriture et la mise en scène de son Rapport Bergier, une cigarette à la bouche. Après trois semaines à guichets fermés au Théâtre de Poche de Genève et quelques autres dates en Suisse, la pièce est aujourd’hui en attente de publication.

Aurélien Maignant, pour l’Atelier critique (AM) : Qu’est-ce qui vous a motivé à écrire le Rapport Bergier, plus de quinze ans après la parution définitive du rapport qui portait ce nom ?

José Lillo (JL) : Je pensais en réalité que le sujet avait été traité, fait, intégré et puis je suis allé voir une conférence organisée par des gens qui avaient participé au rapport Bergier, dix ans après. Ils témoignaient qu’en réalité le texte avait été mis au placard, que la Confédération n’avait rien organisé pour que l’information circule. Alors certes, le texte est publié, mais c’est un pavé monumental. Les documents sont disponibles en ligne mais personne ne les consulte, la population ne le sait pas. Dans certaines écoles les profs prennent l’initiative de le diffuser, mais ça arrive assez peu. Ensuite, les journalistes se comportent comme s’ils avaient traité le dossier, comme s’il n’y avait rien à ajouter. C’est ce que m’ont raconté les historiens : ils voulaient du buzz, des gros événements. Mais le rapport n’a pas apporté grand-chose aux rumeurs qui existaient déjà. Les médias ont donc été déçus et les journalistes s’en sont beaucoup plaints. Dans l’idéologie du présent, l’actualité domine et les découvertes disparaissent : un travail de continuation était nécessaire. Et quand nous l’avons monté au théâtre, nous avons constaté que les spectateurs ne connaissaient presque pas le sujet. Ils étaient choqués en découvrant tout ça. Et la troisième raison, c’est que l’UDC a fait un travail de sape considérable : il y a vraiment eu des lobbys contre le rapport Bergier.

AM : Et pourquoi au théâtre ?

JL : Parce que je pense qu’aujourd’hui nous sommes dans une idéologie esthétique, ou de divertissement. Le spectacle n’avait pas un grand argumentaire esthétique mais c’était une prise de parole simple. Je ne suis pas sans esthétique mais j’évite les démonstrations et le spectaculaire car ce serait opposer les choses, construire des binarités, le visible et l’invisible par exemple.

AM : En quoi parler du fascisme du siècle précédent fait sens aujourd’hui ?

JL : C’est une bonne question. Mettre l’histoire au passé est un piège : elle a eu lieu, elle n’a plus lieu, ce n’est pas comme ça qu’il faut réfléchir. Il y a tout un cortège de valeurs qui sont nées dans l’après-guerre, « plus jamais ça » et un refus clair du fascisme, mais en réalité c’est purement rhétorique. La poésie permet de faire des liens, sans les forcer. Je n’aime pas les vérités assénées. Je ne voulais pas produire un discours direct sur le présent : le discours c’est une parole élaborée, au carré presque, ça perd de sa force.

AM : Même si ce n’était pas autant d’actualité au moment de l’écriture de votre Rapport, le lecteur d’aujourd’hui ne peut s’empêcher d’y lire des allusions à la crise des réfugiés.

JL : C’est normal, j’écris le nez collé à l’actualité. Je parle du problème des identités, de ceux qui fuient leurs pays, nazisme ou pas. Je crois à l’universalité, du moins dans nos valeurs rhétoriques, j’ai essayé d’écrire de façon à ce que ça vaille deux fois : pour le moment historique traité et pour aujourd’hui. Les phrases devaient contenir les deux.

AM : Vous parlez beaucoup d’universalité. Le discours théâtral doit être universel ?

JL : Oui, du moins c’est un pari, un effort. En tout cas moi j’y crois, même si dans la théorie contemporaine c’est déconstruit, inversé, conçu comme une valeur purement occidentale. Il y a du vrai dans ces arguments, mais il ne faut pas démolir l’universalité pour autant. J’essaye d’écrire en ce sens, puis la scène fait épreuve : est-ce que ça parle ? Est-ce que les valeurs se partagent ? Il me semble que ça a été le cas pour Le Rapport Bergier. A déconstruire l’universalité nous perdons de la force. Il faut faire le tri, tout n’est pas universalisable, mais pourquoi cette haine des valeurs des Lumières ? Elle est héritée des penseurs postmodernes qui ont caricaturé leur pensée. Quand on se plonge dans les textes, on réalise que c’est bien différent.

AM : Les penseurs postmodernes ont souvent accompagné la déconstruction de l’universel d’un retour au subjectif, à l’individu comme mètre-étalon du monde. Que fait le Rapport du subjectif ?

JL : Dans le Rapport j’ai tout de même essayé de fonder le subjectif. Il y a des voix qui parlent, des avatars, même s’ils véhiculent mes valeurs. Après je les mets à l’épreuve : ils n’ont pas juste des opinions, pas juste des affirmations. Le collectif peut exister quand même : l’idée c’est de montrer que les choses ne s’opposent pas, que l’un peut fonder l’autre. Nous sommes des subjectivités, nous devons nous objectiver. Les choses ne s’opposent pas.

AM : On sent quelque chose de paradoxal dans la vision que la pièce a de l’individu. Il y est à la fois membre un peu dérisoire de la communauté citoyenne « écrasé par la machine juridique » et en même temps le bastion de sa subjectivité, presque irréductible.

JL : Oui c’est quelque chose qui m’intéresse beaucoup. On retrouve ce paradoxe partout dans l’actualité, notamment avec la question de l’immigration. La loi décide qu’un immigré ne peut pas rester, qu’il doit être raccompagné à la frontière. Mais il reste un humain, une vie. La bureaucratie est un lieu commun pour nous mais nous ne la percevons pas comme une aberration. On la voit comme une nécessité, parfois une violence, mais toujours une fatalité. Et la destruction juridique est grave. La loi jouit d’un statut protégé, tant qu’on la respecte tout va bien. Mais certaines lois empêchent la vie et donc, indirectement, tuent.

AM : Dans le texte, trois voix portent le nom des acteurs et prennent la parole. Qui sont-elles ? Pourquoi trois voix plutôt qu’une s’il s’agit seulement de porter un message direct ?

JL : En réalité, le projet s’est fait à l’envers. J’avais une carte blanche du Théâtre de Poche et je lisais des pièces contemporaines mais elles me tombaient un peu des mains. Puis nous nous sommes mis d’accord sur la thématique du rapport Bergier et j’avais envie de travailler avec ces trois personnes. Je suis parti d’eux, ils m’ont inspiré. Maurice (Ndlr : Maurice Aufair) d’abord, du haut de ses 80 ans, est devenu sur scène comme un témoin. Il m’a permis d’ancrer la parole dans quelqu’un qui avait vécu les événements. Les deux autres étaient plus jeunes et ont fonctionné en miroir. L’âge des acteurs, leur genre, tout ça a joué un rôle dans l’écriture.

AM : Vous utiliseriez le terme de personnage, en fait ?

JL : Pas nécessairement, c’est un terme trop polémique. En tout cas ce n’est pas une notion qui m’encombre, ce sont des voix, ça me va parfaitement. Le texte pourrait être un monologue, ou redistribué entre trente acteurs. Pourquoi pas.

AM : Le texte se donne comme trois monologues, mais il y a pourtant quelques passages dans lesquels les voix se trouvent et interagissent. Une manière de créer des espaces d’humanité ?

JL : Oui les voix sont articulées, parfois. En tout cas dans cette version. J’ai fait ça pour essayer d’alléger l’effet monologue. Mais j’ai aussi voulu que le spectateur les sente exister, soit conscient d’une présence. L’humanité c’est important. Au début de son monologue, Lola interpelle un spectateur du premier rang, un adolescent si possible. L’espace d’un instant elle en fait son amoureux, le transpose, lui dit « J’aimerais pas que ça t’arrive, à toi. T’as de la chance ». Ce genre de petites articulations étaient importantes.

AM : Quels ont été vos choix de mise en scène au Théâtre de Poche ?

JL : C’était le dernier de mes soucis, en fait (rires). L’important c’était d’arriver à créer une parole que les acteurs puissent s’approprier, de trouver l’interprétation juste. Ce n’était pas toujours évident pour eux. Ils hésitent, ils ne savent pas s’ils sont des personnages, des voix, quelle part d’eux-mêmes ils doivent mettre. Il fallait aussi ne pas leur faire violence : dans quelle mesure étaient-ils d’accord de dire ça ? Nous avons beaucoup discuté : leur propre subjectivité était-elle en accord avec le texte ? En tout cas, je n’ai pas joué au patron. Nous avons travaillé dans la douceur, sans affrontement. En fond de scène, nous avions aligné des fauteuils de théâtre, qui incarnaient une sorte de non-lieu. L’idée était de mettre la parole au centre, mais ça n’était pas très abouti. Je ne voulais pas les poser comme des spécialistes mais comme des membres du public qui auraient eu tout à coup l’envie de dire ça aux autres.

AM : Vous changeriez quoi aujourd’hui ?

JL : Avec un peu plus de moyens, je jouerais sur l’aspect multimédia. J’aimerais bien mobiliser des archives sur scène. Créer des images fantomatiques qui apparaitraient comme des réminiscences, à l’arrière de la parole. J’ai constaté que se dire les choses ensemble, ce n’était pas comme parler en privé. Ensemble, la conversation peut devenir cathartique.

AM : Vous croyez encore à une fonction cathartique du théâtre ?

JL : Oui, clairement. Enfin, modeste hein (rires) ! Mais quand même, des petits bouts arrachés. Pendant un bref moment, quelque chose est possible. Malgré toutes les différences politiques, générationnelles… tout à coup, quelque chose peut faire sens commun.

AM : La pièce travaille énormément le langage et se donne comme un objet polyphonique. Comment décririez-vous sa relation avec le véritable rapport Bergier : une récriture, une adaptation ?

JL : C’est une sorte de traduction, avec une licence totale. Au départ je pensais faire un montage. Mais je me suis heurté à la lourdeur de la langue de l’historien, qui cherche l’objectivité scientifique. Elle aurait été compliquée à faire exister telle quelle sur scène. Je considère la poésie comme une traductrice, j’ai gardé du rapport ce qui me frappait le plus. Nos connaissances sont produites par l’historien, mais je voulais voir ici ce qu’elles deviennent en nous et dans l’espace public. C’est d’ailleurs typiquement le mélange de la subjectivité et de l’objectivité : dans ces mots il y a de la connaissance et de l’individu. La parole est déjà une réception du savoir de l’historien dans une subjectivité donnée.

AM : Tous les italiques dans le texte, ce sont des reprises textuelles du rapport ?

JL : Du rapport ou d’autres sources, le dictionnaire, des chansons, des discours politiques, etc. J’aime assez mettre en exergue les éléments de langage de l’histoire. C’est une manière de faire le distinguo entre la reprise et la création verbale. L’essentiel des italiques peut être considéré comme la reprise de quelque chose qui ne serait pas immédiatement l’acte de parole sur scène.

AM : A plusieurs endroits, la parole reprise est la parole fasciste (ou fascisante) elle-même. Pourquoi la faire exister sur scène ?

JL : Pour l’inciter à comparaître. Les choses sont dites. Là, objectivement, pour le coup. Même la parole qui n’est pas nécessairement fascisante. C’est le cas du discours de Villiger (Ndlr : le discours de pardon de Kaspar Villiger du 7 mai 1995) que je reprends aussi pour montrer qu’il inverse les faits. C’est juste hallucinant ce discours. On se dit qu’à ce niveau-là, devant les journalistes, les spécialistes et la Nation entière, c’est impossible de dire des énormités pareilles. Personne ne nomme l’erreur, on continue de le citer, à l’école, dans les médias, comme un grand discours de l’histoire. Il fait croire que le tampon « J » sur les passeports des juifs était une exigence de l’Allemagne nazie alors qu’en réalité c’est le gouvernement helvétique qui l’a expressément demandé. Villiger fait croire que c’est une « concession » pour laquelle il s’excuse. Les mentalités se révèlent. Je trouve ça dingue.

AM : Finalement, Jean-François Bergier, c’est le vrai héros de la pièce ?

JL : Oui, certainement. Il a eu une histoire un peu tragique. Ce n’était pas quelqu’un qui avait une image négative de la Suisse au moment où il a été mandaté pour le rapport. Plutôt un homme de droite, pas du tout un gauchiste revanchard ou autre. En revanche, il était fondamentalement intègre. Et il s’est tellement fait injurier, humilier, attaquer… Il a eu une fin de vie difficile. Il est mort peu après la publication. J’ai voulu la pièce comme un hommage. C’est une figure qui m’a beaucoup touché. Quelqu’un qui n’était pas dans l’idéologie et qui est resté intègre jusqu’à la fin. Il y aurait une pièce à écrire sur lui.

AM : Quelles sont vos influences en termes d’écriture ?

JL : Sur ce texte particulièrement, Karl Kraus, un satiriste autrichien dont j’avais déjà mis en scène un texte La Troisième Nuit de Walpurgis, qui parlait également du nazisme. C’est pour moi l’une des plus belles plumes de langue allemande, il avait l’art de passer en jugement son époque et, dès 1933, il en appelait à une intervention européenne. C’est hallucinant. Malheureusement on le connaît assez peu aujourd’hui. Sinon, un de mes grands éblouissements a été Antonin Artaud, l’antithèse totale de Kraus. J’aime aussi beaucoup Ramuz, Céline, les écritures fortes, très caractérisées. Il y a d’ailleurs beaucoup de respirations dans le texte, d’espacements qui cherchent à briser la continuité de la parole et à créer une scansion. Je veux que les acteurs évitent d’appréhender le texte comme une linéarité.

AM : Il y a une continuité entre votre dernière mise en scène, Le Gorgias, et le Rapport Bergier ?

JL : Oui, carrément même. Avec Kraus aussi. Ce qui m’a marqué avec le discours de Villiger, c’est qu’il a été pré-écrit par toute une équipe de spécialistes, non pas en histoire, mais en marketing politique. Les excuses du pays ont été pensées par des stratèges de la parole. Dans le Gorgias on peut lire quelque chose comme « l’orateur sera toujours plus convaincant que le spécialiste ». Face à un médecin, si je parle de médecine, les gens vont me donner raison, même si je n’y connais rien. Ce texte a deux mille ans mais il est toujours d’actualité. La sophistique est encore très présente. Moi j’essaie de parler de la parole comme d’un état corporel et mental. Comment affirmer sans assener ? Il est fondamental d’arriver à trouver une posture de parole publique. Un corps dans un espace, mais qui ne soit pas spectaculaire, ultra-visible.

AM : Il y avait une part de provocation dans vos intentions d’écriture ? Certaines répliques sont fortes. Vous accusez par exemple la Suisse d’être « une exception au cœur de l’Europe, déshumanisée ».

JL : Oui, évidemment, mais avec mesure. Je ne veux pas créer du scandale pour créer du scandale. Sans en faire trop, en restant libre, c’est-à-dire sans malmener l’autre, il faut creuser là où ça fait mal. Alors ça glousse dans la salle. Ils n’ont pas aimé (rires). C’est comme l’avion, il y a des secousses, mais on arrive à bon port, tous ensemble. Malgré le côté expérimental, il n’y a eu aucun départ. J’aurais peut-être pu pousser le bouton davantage (rires). J’avais un peu peur, peur d’être contreproductif, que l’excès me fasse perdre l’écoute et l’attention. C’était un pari.

AM : Pour vous donner le mot de la fin : le théâtre aujourd’hui ? A quoi ça sert ?

JL : C’est compliqué ton histoire (rires). Ce qui m’étonne c’est l’enjeu culturel que c’est devenu. Dans un monde qui continue à être catastrophique, qui se dégrade de jour en jour, on devrait se poser plus de questions. Le théâtre aujourd’hui a trop peu d’impact sur le réel. Mais c’est très compliqué hein, la culture. Nous-mêmes on a un rapport culturel à la culture. Je l’ai découvert en dirigeant les acteurs. Il faut faire avec le rapport qu’ils ont eux-mêmes au théâtre. Parfois des bons professionnels, qui font leur boulot, mais qui se voient comme spectaculaires : j’aimerais qu’à l’avenir, nous tous, nous nous focalisions plus sur le contenu. Je n’ai pas envie de voir le théâtre devenir une espèce de messe culturelle. Nous ne sommes pas des religieux, on n’est pas là pour convertir les autres, ou pire, les cultiver… Voilà, j’ai trouvé ce que je cherche à dire (rires) : j’aimerais qu’il y ait plus de contradiction dans ce que nous faisons.

Entretien avec Mali Van Valenberg

Par Basile Seppey

Un entretien autour de la pièce Baromètre / De Mali Van Valenberg / Le 24 novembre 2017 / Plus d’infos

Mali Van Valenberg

C’est à Sion, le 24 novembre, que nous avons recontré Mali Van Valenberg.

Basile Seppey, pour l’Atelier critique (BS) : En guise d’introduction, est-ce que tu pourrais revenir un peu sur tes débuts au théâtre et ta formation ?

Mali Van Valenberg (MVV) : J’ai commencé assez tard, vers vingt ans. Au début, je faisais de la musique, de la percussion. Je suis entrée à la HEM à Genève mais le Conservatoire ne me convenait pas, j’étais coupée de mes instincts. Je crois que j’abordais la musique de manière trop théorique et extérieure. Et puis je n’étais pas suffisamment passionnée ni douée pour faire face à la pression et la concurrence du Conservatoire. A la solitude aussi. En fait, j’ai besoin de travailler à plusieurs, de me confronter aux énergies des autres, pour que ça circule. Parallèlement à mes études musicales, j’ai commencé le théâtre en classe préprofessionnelle à Genève. De toute évidence, j’y respirais mieux et je trouvais là quelque chose qui me manquait en musique. J’ai alors quitté le Conservatoire pour suivre une formation de comédienne à Paris. D’abord au Studio puis au CFA d’Asnières. Le CFA est une formation en alternance : on y joue pour des compagnies professionnelles, tout en suivant par période des stages avec différents intervenants. Cela permet d’être sur le terrain tout en étant encore dans le cadre d’une école. On peut également se faire une expérience à travers des stages dans plusieurs corps de métier liés à la scène : assistanat, lumière, son, costumes, pédagogie… Quand on s’occupe de sa compagnie, on est souvent amené à gérer plusieurs choses en même temps : la mise en scène, le jeu, mais aussi l’administration, parfois la régie, la direction technique… Et le CFA d’Asnières a été très formateur dans ce sens.

BS : Et comment s’est fait le retour en Suisse ?

MVV : Je suis restée à Paris quelques années pour jouer car certains spectacles sur lesquels j’avais été engagée comme apprentie tournaient en France. Et puis j’ai passé un casting pour un long métrage que j’ai tourné en Suisse : Ma nouvelle Héloïse, de Francis Reusser. Quelques mois plus tard, François Marin m’a distribuée dans son spectacle 2H14, de David Paquet. Par la suite j’ai eu d’autres propositions ici, donc mon retour en Suisse s’est fait de manière assez naturelle.

BS : Et maintenant ?

MVV : Il y a trois ans, j’ai monté une compagnie théâtrale en Valais : Jusqu’à m’y fondre. Nous avons créé trois spectacles : Le vieux juif blonde d’Amanda Sthers, Showroom de Suzanne Joubert et Semelle au vent. Nous préparons également le spectacle d’été en plein air de la ville de Sion et un Midi Théâtre pour la saison prochaine. Parallèlement, je continue de jouer pour d’autres metteurs en scène et me nourris d’autres univers. C’est une chance inouïe de pouvoir à la fois suivre ses propres envies et porter celles des autres.

BS : Être comédienne et auteure : comment est-ce que tu vois ces deux pratiques ? Semelle au vent était ton adaptation d’un conte d’Andersen et tu jouais aussi dans la pièce. Comment est-ce que tu concilies les deux gestes ?

MVV : Je suis avant tout comédienne. L’écriture, j’y suis venue par hasard. J’avais écrit une première pièce courte dans le cadre d’un concours inter-Conservatoires à Paris qui avait été sélectionnée et jouée au théâtre du Rond-Point. Semelle au vent est ma première pièce éditée (Lansman Editeur). J’avais envie de créer un spectacle tout public, dans lequel différentes générations peuvent trouver à rêver ensemble. C’est là que je me suis lancée dans une très libre adaptation du Compagnon de route d’Andersen. J’ai confié la mise en scène du spectacle à Olivier Werner. Nous avons commencé par une première session de répétitions en juin, au cours de laquelle j’ai entendu mon texte joué par d’autres comédiens pour la première fois. Une première semaine de chantier qui m’a permis de prendre du recul par rapport à mon texte et de l’affiner. A ce moment-là, je ne pouvais pas encore quitter ma casquette d’auteure pour me plonger dans le jeu car quelque chose n’était pas encore abouti sur le plan de l’écriture. J’ai retravaillé la pièce durant l’été. Et puis nous avons repris les répétitions fin août avec la dernière version du texte, celle qui allait être publiée. C’est là seulement que j’ai pu me concentrer sur le jeu. Aujourd’hui je suis comédienne sur le projet, comme si l’écriture de la pièce ne m’appartenait plus. Elle est désormais une matière à jouer pour tous.

BS : Pourrais-tu revenir un peu sur le projet Baromètre, que tu as aussi écrit et joué, sur ce qui t’as interéssée dans cette matière-là ?

MVV : J’ai participé à un spectacle déambulatoire dans les jardins de l’hôpital psychiatrique de Malévoz à Monthey, comme comédienne. Nous étions cinq interprètes et chacun devait prendre en charge une station de dix minutes, à laquelle s’arrêtaient des groupes de spectateurs. A Malévoz se trouve un centre culturel qui dispose d’un théâtre, de salles d’expositions et de logements pour les artistes en résidence. On y côtoie des patients, des visiteurs, des médecins, des artistes, parfois même des connaissances qui se retrouvent hospitalisées… Il y a quelque chose de troublant dans ce mélange, la frontière est ténue entre les patients et les gens de l’extérieur. A chaque rencontre, on cherche sans le vouloir à identifier à qui l’on s’adresse. Le lieu même de l’hôpital conditionne le regard à notre insu et déplace inévitablement les rapports. En écrivant Baromètre, c’est sur cette frontière-là que je voulais travailler. Si demain je suis hospitalisée, qu’est-ce qui se déplace dans le regard de l’autre, et déjà dans le mien ?

BS : Dans cette petite forme, il y a une sorte de prépondérance de la parole. Les actions, les déplacements ne sont pas de l’ordre de la didascalie mais plutôt du discours. La première didascalie décrit l’espace et la tenue vestimentaire. Sinon tout le reste est assumé par la parole…

MVV : Oui, tout est verbalisé. Dans Baromètre, celle qui prend la parole met des mots sur tout ce qui lui passe par la tête. Elle dit tout haut ce qu’elle observe, ce qu’elle fait, ce qu’elle pense que les autres pensent de ce qu’elle dit… Sa parole engendre d’autres paroles et alimente son inquiétude.
C’est ce qui arrive parfois, ce besoin que l’on a de formuler pour se rassurer, se mettre en ordre alors que paradoxalement c’est le contraire qui se produit. Il y a quelque chose de vertigineux dans le fait de vouloir tout verbaliser.
Dans Baromètre, celle qui parle est seule parmi les autres. Il est difficile de savoir quand elle se parle à elle-même et quand elle s’adresse aux autres réellement. Comme il est difficile de savoir quelle est sa part de projection dans le regard des autres.
Après, ce texte a aussi été conçu dans un contexte particulier, pour un moment de théâtre où j’allais être seule et sans technique, le seul espace que j’avais à disposition étant ce jardin de l’hôpital où je devais jouer.

BS : Ce langage, dans ton texte, s’engendre de manière très fluide et naturelle, avec des glissements de sens d’une phrase à l’autre, par rapport à un mot qui revient. Il y a une sorte de jeu avec la langue.

MVV : J’ai un rapport assez musical à l’écriture. Généralement j’écris à voix haute, j’ai besoin d’entendre la partition. Dans Baromètre, la répétition et la déclinaison des motifs induisent un rythme et donnent corps à une pensée en mouvement.
C’est un rapport à l’écriture presque physique et acoustique, je dirais. Je valide par les mots une cadence que j’entends et qui me convient, de manière organique. Peut-être que cela a à voir avec mon travail de comédienne.

BS : Comment la représentation de cette petite forme s’est-elle déroulée concrètement ? Si j’ai bien compris, le public était composé de patients et de visiteurs ?

MVV : La déambulation était ouverte à tous : patients, soignants ou visiteurs. On jouait environ cinq fois d’affilée, pour de petits groupes de spectateurs qui passaient de station en station. J’avais choisi de m’installer à une table de pique-nique qui se trouvait dans le parc et j’accueillais les spectateurs à ma table, dans un rapport très direct. Quand on se retrouve à parler à des gens dans une telle promiscuité, sans la protection des codes du théâtre, cela engendre une vraie porosité entre les personnes qui t’écoutent et toi-même. Il m’est rarement arrivé de pouvoir dire mon texte tel que je l’avais écrit, car il suscitait en direct des réactions que je souhaitais prendre en compte. Ceux à qui je m’adressais prenaient parfois la parole, prenant au vol les interrogations du personnage.
L’ambiguïté du lieu de l’hôpital comme espace de représentation et l’ambiguïté de cette prise de parole ont provoqué des réactions assez diverses, parfois de la gêne, des rires, souvent de l’empathie…

BS : Les frontières entre spectateurs et comédiens étaient donc assez poreuses. Quel rapport as-tu, toi, avec les spectateurs en général ?

MVV : Moi j’aime bien que cette frontière entre le comédien et le spectateur soit perméable. J’aime me laisser atteindre par ce qui peut venir de la salle. On parle rarement de l’énergie transmise par les spectateurs, mais elle est essentielle pour le comédien quand il joue. Evidemment ça peut être à double tranchant, car les réactions du public ne sont pas toujours porteuses. Mais se laisser atteindre par l’énergie des autres, quelle qu’elle soit, est pour moi très important. A la base de toutes représentations, il y a cet échange intime, entre humains. Fouiller l’humain et ses décalages : j’aime faire ce métier comme ça. Faire résonner les failles chez les gens.

BS : Tu viens de recevoir le prix d’encouragement culturel du Valais. Qu’est-ce que cela représente pour toi ?

MVV : Pour moi c’était un prix étonnant, inattendu. Pourquoi moi ? On n’est jamais seul à mener quelque chose dans ce métier, alors ce prix d’encouragement je le partage volontiers avec ceux qui m’entourent dans le travail.

BS : Mais cela t’encourage ? te fait plaisir ?

MVV : Ce qui est important pour moi, c’est ce suivi de l’Etat du Valais. Ils sont attentifs à l’évolution du travail de leurs artistes, de leur parcours. C’est un soutien précieux et porteur, qui n’est pas que financier.

BS : Toi qui as eu l’occasion de jouer dans beaucoup d’endroits, que penses-tu de la scène théâtrale romande et valaisanne ? Comment vis-tu le fait de jouer en Valais et en Suisse romande ?

MVV : J’ai fondé ma compagnie en Valais, parce que je viens d’ici. Je suis arrivée avec mon projet au Petithéâtre de Sion, Michaël Abbet m’a donné ma chance en s’engageant à produire mon premier spectacle. Il a été également soutenu financièrement, notamment par l’Etat du Valais et la ville de Sierre, ce qui est une aubaine pour une première création.
Quant aux différences entre le fait de jouer en Valais ou ailleurs, je n’en vois pas vraiment. J’ai peut-être l’impression qu’en Valais, les spectateurs n’ont pas vraiment d’a priori sur ce qu’ils vont voir, ils restent assez ouverts à tous types de propositions, sans se retrancher derrière de prétendues références. Je les sens curieux. En tout cas ceux qui se déplacent pour nous voir !

BS : Et quel intérêt vois-tu au théâtre en général ?

MVV : Le théâtre est un des derniers lieux où les gens se rassemblent pour ressentir des émotions ensemble. Un lieu très utopique, donc, qui repose sur le collectif. C’est ce qui fait sa force et sa beauté. Pour moi c’est déjà d’une importance folle, de pouvoir se regrouper, se rassembler.

Entretien avec Joël Maillard

Par Josefa Terribilini

Un entretien autour de la pièce Quitter la Terre / De Joël Maillard / Le 24 novembre 2017 / Plus d’infos

Joël Maillard

C’est à la Brasserie du Cygne, à Lausanne, le 24 novembre 2017, que nous retrouvons Joël Maillard pour parler de sa pièce, Quitter la Terre.

Josefa Terribilini, pour l’Atelier critique (JT) : Comment en êtes-vous arrivé à faire du théâtre, qu’est-ce qui vous a attiré dans cet art ?

Joël Maillard (JM) : J’allais voir ma tante quand j’étais petit, qui faisait du théâtre amateur dans un village dans le canton de Fribourg. Je n’avais pas une éducation très culturelle et le contenu des pièces ne m’intéressait alors pas vraiment, mais il y avait quelque chose qui me fascinait, le fait qu’il y avait un autre monde dans le monde. Et dans ce monde-là, le monde du théâtre, avec ses décors et ses coulisses, quand l’acteur sortait, je ne comprenais pas ce qui se passait, ce qu’était la coulisse. C’était très mystérieux pour moi. C’est cela qui m’a d’abord intéressé, je crois. Et puis aussi le fait que j’avais bien compris ce qu’était un comédien, que ce n’était pas pour de vrai (je savais bien que ma tante n’était pas le personnage qu’elle jouait), mais, justement, j’y voyais un énorme danger et je n’aurais jamais pu imaginer le faire moi-même. Une fois, avec l’école, j’avais été voir Ali Baba et les 40 voleurs ; un personnage tirait un chariot qui contenait des diamants et un diamant est tombé de la scène car l’acteur a pris un virage trop sec. Un élément de l’autre monde a alors traversé notre monde et là, j’ai bien compris ce qui se passait mais j’ai quand même trouvé extraordinaire de faire autant d’efforts pour nous faire croire à quelque chose alors que personne, finalement, n’est dupe. En fin de compte, je pense que c’était le rapport à la fabrique de l’illusion, l’intérêt pour les ficelles, qui m’a attiré dans cet art.

JT : Dans Quitter la Terre, on trouve certaines préoccupations assez sérieuses en filigrane, telles que des inquiétudes écologiques, la remise en question de certains fonctionnements politiques, et puis la forme du colloque qui sert de « cadre » à la pièce est mise en place de manière très réaliste ; avez-vous eu d’autres expériences professionnelles ou effectué des études universitaires avant ou en parallèle à vos activités théâtrales ?

JM : C’est drôle parce que je n’ai pas assisté à beaucoup de colloques dans ma vie. Je n’ai pas du tout de contact avec l’université. Je suis boulanger-pâtissier, en fait. Je me suis arrêté à l’école obligatoire et puis j’ai fait des apprentissages. Je reviens à cette activité de temps en temps. En été par exemple, lorsque mes activités théâtrales sont plus calmes, il m’arrive de faire des piges en cuisine. Parfois je songe à quitter le théâtre pour redevenir boulanger, mais cette envie finit toujours par s’estomper.

JT : Et comment en êtes-vous venu à écrire des pièces ? Vous étiez-vous déjà essayé à l’écriture, sous d’autres formes, avant votre première pièce (Winkelried, en 2005) ou y a-t-il eu une sorte de déclic ?

JM : Je ne peux pas écrire autre chose que du théâtre. Quand j’étais au Conservatoire on a eu des exercices liés à l’écriture et ça m’intéressait plutôt. Mais la première fois que j’ai écrit une pièce, c’était en 2005. Je regardais les attentats de Londres à la télévision, et puis j’ai pensé à quelque chose en rapport avec ce que Tony Blair a dit à ce moment-là. Alors, j’ai pris ma caméra et je me suis filmé ; j’ai écrit en parlant, pour ainsi dire, et j’écris toujours en parlant aujourd’hui, d’une certaine manière. La parole fait partie de l’écriture pour moi. Finalement, je crois que j’ai commencé à écrire parce que j’avais vraiment quelque chose à dire.

JT : Quel est votre rapport au texte ? Et comment procédez-vous, vis-à-vis du texte, lorsque vous montez une création ?

JM : La mise en scène prime, je crois, parce que le rythme est dans la mise en scène. Les personnages, leur difficulté à raconter ce qu’ils ont à raconter et comment ils se font prendre dans leur fiction, c’est plus important que le texte lui-même. D’ailleurs, lorsque j’écris un texte, celui-ci est largement remanié et finalisé pendant les répétitions, qui est finalement une étape essentielle du processus d’écriture. En général, j’écris d’abord un premier jet, une espèce de monstre, et puis après, ce que j’aime bien faire, c’est d’éprouver ce monstre au plateau pendant une période de deux semaines à peu près. Puis, suite à cela, il y a toute une période de réécriture parce que je décèle tout plein de problèmes que j’ai du mal à repérer quand j’écris. Ensuite, idéalement, il y a un second passage au plateau où je valide le remaniement et je décèle d’autres nouveaux problèmes, ce qui aboutit à une version zéro qui est mise en jeu au premier jour de répétition.

JT : Est-ce que certains auteurs de littérature ou de théâtre vous ont inspiré, du point de vue de la recherche formelle ou des thèmes que vous privilégiez ?

JM : Je ne suis spécialiste d’aucune littérature ni de quoi que ce soit d’ailleurs. Mais mon influence littéraire majeure reste toujours ce texte de Beckett qui s’appelle Le Dépeupleur, dont je n’arrive pas à me défaire et qui se passe dans une sorte de cylindre, lui aussi. Le Dépeupleur, c’est la description d’une microsociété enfermée dans un monde clos et c’est évidemment une inspiration pour Quitter la Terre. Et puis, de Beckett, il y a aussi Compagnie, Tête morte, Premier amour, où il s’intéresse à quelque chose qui fait qu’on n’arrive pas à être, et qu’on est quand même, qu’on traverse cette existence… D’une certaine manière, je pense que Houellebecq m’influence aussi, dans sa manière de poser un regard sur nos habitudes et sur la difficulté d’être en rapport avec autrui. Et puis je n’ai pas inventé l’idée de la gravitation artificielle ; je suis intéressé par certains livres de science-fiction évidemment, comme certaines œuvres d’Asimov ou la trilogie Rama d’Arthur C. Clarke. Je pourrais parler aussi de Borges, de tous ses jeux de mises en abyme et de cette fameuse bibliothèque infinie. Toutes ces choses un peu vertigineuses qui s’amusent avec la logique. En fait, j’ai l’impression que dès que l’on me sert quelque chose qui est contre la logique, ça m’intéresse.

JT : Comment la pièce Quitter la terre s’inscrit-elle dans votre œuvre ? Dans votre « Cycle de Rien » qui comprend trois pièces (Rien voir, Ne plus rien dire et Pas grand-chose plutôt que rien), vous exploriez le thème de la disparition, il y avait à chaque fois un « élément manquant » (la parole pour un personnage, ou la vue pour les spectateurs, etc.) : dans quelle mesure est-ce que Quitter la Terre continue cette recherche autour de la disparition ?

JM : Moi, je parle finalement toujours de la même chose, de vouloir disparaître du monde, de s’y sentir mal. C’est toujours mon malaise d’homme occidental blanc du XXI^e siècle qui regarde le monde à la télévision. Dans Quitter la Terre, le thème de la disparition est bien là parce que c’est une grande partie de l’humanité qui disparaît tout court, et les gens en orbite qui sont disparus pour ceux restés sur terre. Et une grande partie de la culture et de la technique disparaît aussi. C’est arbitraire et assez invivable pour les personnages. Je crois que j’avais envie que cela soit très dur pour obliger à une survie très liée à une espèce d’hyper-solidarité.

JT : En vous engageant dans cette création, aviez-vous un but à atteindre, un objectif précis ?

JM : Ce n’est pas qu’un beau matin je me réveille et je me dis que j’ai envie d’écrire cette pièce. C’est qu’un matin j’arrive à écrire un bout de quelque chose et je me dis que je pourrais tirer ce fil. Et à force de tirer des fils et de me poser des problèmes, la pièce se crée. Je découvre ce que je veux dire en même temps que j’essaie de le dire. Et c’est pareil pour la forme. D’abord, j’étais parti dans un délire assez beckettien où des gens se réveillaient en orbite dans l’espace et étaient amnésiques. Alors, je voulais comprendre pourquoi et comment ils en étaient arrivés là. Je me suis dit que, puisque comme tout le monde j’étais inquiet, la raison de tout cela était la disparition de notre espèce parce que l’humanité avait poussé trop loin le progrès technique sans comprendre le danger environnemental que cela générait. Une fois que j’avais formulé cela, je me sentais légitime d’évoluer avec une grande liberté dans cette histoire. Quant à l’idée du carton trouvé, elle m’a vraiment libéré car elle m’a permis d’avoir un alter ego, le personnage qui a inventé le projet dans la pièce. C’est un processus dramaturgique très pratique car cet alter ego peut penser beaucoup plus loin que moi, être un peu malade ou se tromper dans ses raisonnements. Cela me dédouane en quelque sorte de ne pas être spécialiste de ces questions sociopolitiques ou aérospatiales.

JT : Le spectacle s’ouvre à la manière d’un colloque qui présente les plans d’une expérience de pensée qui s’autonomise petit à petit, et l’on glisse alors dans l’illusion. Comment avez-vous réfléchi à la question de la science-fiction sur la scène ?

JM : Tout part de la logique de départ qui est que tout sort du carton, dans l’histoire de la pièce : les dessins, les maquettes, etc. Comme je suis censé avoir tout trouvé dans un vieux carton, c’est bien évident qu’il n’y a pas d’effet spécial et que le projet, proposé dans l’histoire par quelqu’un qui n’est pas du tout spécialiste de l’aérospatial, est inachevé. Par conséquent, on allait partir de toute façon sur quelque chose de « bricolé ». J’ai alors pensé à l’artiste Christian Bovey. Je lui ai demandé de nous proposer des plans et des maquettes, dans lesquels on pourrait peut-être se balader avec une caméra, par exemple. Cela s’est fait petit à petit et de manière empirique, en testant différentes choses, quitte à provoquer des anachronismes entre la date du carton et les projections sur scène.

JT : Avec ses thèmes très sérieux, Quitter la Terre est une pièce qui est aussi bourrée d’ironie, de cynisme, de clins d’œil. Quel statut accordez-vous à l’humour dans votre œuvre et comment concevez-vous la place du rire ?

JM : L’humour, c’est un parti pris. Pour moi, c’est une espèce de postulat de départ. Ce n’est pas que je veuille absolument rire quand je vais au théâtre, mais il est plus facile d’être touché quand on rit, je pense. Et l’humour facilite aussi l’accès au contenu. D’ailleurs, l’idée d’une forme de colloque m’a permis de faire beaucoup de blagues dans Quitter la Terre. Cette forme est très propice à faire des commentaires qui sortent de la narration, qui la commentent, permettent de faire des transitions. Et le colloque permet aussi une chose très pratique, c’est d’ajouter un niveau. Parce qu’on aurait pu imaginer ce même scénario en totale immersion. Mais là, je vois trois niveaux d’informations, de problèmes et de résolutions : l’immersion dans la réalité du carton et le récit des spationautes, les documents bruts où la personne qui l’a conçu explique son projet, et les commentaires du colloque. La mise en scène devait aider à cerner à chaque fois sur quel plan se situait chaque problème, aider les spectateurs à comprendre quel niveau d’information était concerné à quel moment. Après, on est arrivés à jouer avec des inter-niveaux, à rendre flou tout cela par moments, ce qui est aussi vecteur d’humour. L’ambiguïté va assez bien avec l’humour je crois.

JT : Savez-vous quelle sera votre prochaine création ? Est-ce qu’elle continuera la réflexion entamée avec Quitter la Terre ?

JM : J’aimerais beaucoup faire une fois Rien écrire. Ce serait une création collective qui devrait se passer sur un laps de temps assez court, en une seule étape, où des gens qui n’ont rien pour écrire ou enregistrer devraient faire tout un spectacle avec la mémoire. Tout devrait être conçu par oral et stocké dans nos mémoires. Cela rejoint une donnée de Quitter la Terre qui est que si l’on veut se raconter une histoire, il faut la réécrire. Sauf qu’ici il faudrait l’écrire mentalement uniquement. J’aime les situations très contraignantes, c’est assez plaisant.

Le Projet – extrait

De Luisa Campanile / Une pièce créée en 2017 au Centre Dramatique National de Poitou-Charentes / Extrait / Plus d’infos

MARIE : Jusqu’à présent, nous avons lu quelques poètes contemporains et nous avons réfléchi au lieu de la parole. Je vous invite à avancer dans notre réflexion sur la parole comme lieu possible aujourd’hui, et le lieu comme possibilité de lien.
ALEX : Redites un peu tout ça.
JENNIFER : Rien capté.
MARIE : Ne vous inquiétez pas. Entrons dans la matière et ce sera plus clair.
CHES : Entrez profondément dans la matière, Madame. Je serai sage.
Marie se rapproche de ses élèves et lit à voix haute.
MARIE : Titre – Poème d’un jour
Eux d’un côté, nous de l’autre
Nous marchions dans le village
La place et le clocher silencieux
Les branches des cerisiers ployaient
‐ À qui sont ces cerises ?
‐ Pourrons‐nous en manger ?
Eux d’un côté, nous de l’autre
Nous avons poursuivi notre chemin
L’ombre du jour a aussitôt glissé
Roberta siffle.
CHES : Vous êtes pro comme vous lisez.
JENNIFER : Rien de rien capté.
ROBERTA : Trop, la vibration qu’elle dégage. C’est du show, ça. Dites, vous vous êtes pas trompée de métier, vous ? La télé, c’est mieux : il y a plus de gens qui vous regardent et vous devenez riche tout de suite.
ALEX : Elle a une bonne voix. Son fils à elle, il a de la chance de l’entendre comme ça, le soir, en train de bien lire. Moi aussi, ça me plairait. Après qu’on te parle dessus, toute la journée on te remplit la tête avec ça et encore ça, une voix comme ça qui te calme un peu, ça change, ça me détend tout.
JENNIFER : Le soir, tu as encore besoin de ton lait chaud, toi.
CHES : Trop mignon, le gamin.
MARIE : Cessez les chamailleries. Ce n’est plus de votre âge.
ROBERTA : Elle montre Alex. C’est lui qui a commencé.
JENNIFER : C’est vrai : dès qu’il ouvre la bouche, ça sent encore le lait. D’ici quelques minutes, Madame, vous aurez même droit à ses risettes.
MARIE : Jennifer, sortez et faites un fois le tour du parc. Et vous revenez. Si vous croisez quelqu’un dans les couloirs, vous dites que vous avez mon autorisation.
JENNIFER : Je sors ? Vous êtes sérieuse ?
MARIE : Oui.
ROBERTA : C’est pas juste. Ches et Alex, eux, ils font n’importe quoi. Alex vous parle mal, Ches, fait son numéro de Kung‐fu et de sex bomb. Et avec eux, vous êtes toute prête à applaudir. Mais, quand c’est une fille qui dit ce qu’elle pense, c’est tout de suite dehors.
JENNIFER : Accolade à Roberta. Toi, t’es quelqu’un de bien.
MARIE : Maintenant, vous pouvez sortir. Jennifer sort. Et quand Jennifer revient, Roberta, c’est à votre tour, avec la même consigne. Quelqu’un d’autre pour la promenade ? N’hésitez pas, je peux rapidement établir l’ordre de passage. Rester assis, je vous l’accorde, c’est loin d’être drôle. Profitez donc de ma proposition. Personne ? Dommage.

Le factotum apparaît, enlève la chaise de Jennifer, la rempile, puis disparaît.

Apparaît MCx2 près de Marie.

MCx2 : Moins Maman‐Pilier et plus Maman‐Mobile, moins Maman‐Stressée et plus Maman‐Souple. Moins et plus à la fois, une maman qui fera crever de jalousie tous les copains. De temps en temps, ça fait du bien d’en imposer. Mais, attention, Mamantout‐ court, cette fois, tu ne devras plus jamais m’embrasser devant les copains, même si l’envie te vient tout d’un coup. Promis ?
MARIE : Je n’ai pas tout suivi.
MCx 2 : Les câlins, c’est fini, j’ai passé l’âge.
MARIE : Oui, oui, j’ai compris cette fois et promis, je n’oublie pas. C’est tout ce que tu voulais me dire ?
Silence.
Je suis fatiguée, je ne vois plus clair, ça doit être le manque de lumière.
MCx2 : Pose tes valises et prends vite tes jambes à ton cou.
MARIE : Il est là, Paul ?
MCx2 : Il est sorti faire ses trente‐trois minutes de cardio.
Au public. Paul‐papa, vous devez savoir que c’est un papa pas méchant. Juste un peu trop souvent à la maison, étendu sur le canapé, les yeux comme quand on fait un voyage intersidéral. À part ce petit truc‐là un peu spécial, il ne fait pas de mal à une mouche. Nous, on vit en ville, de toute façon, il n’y en a pas.
MARIE : Tu lui dis dès que tu le vois que je suis très remontée contre lui.
MCx2 : Tu sais pour l’école, j’ai un chiffre : on est 35 % à vouloir quitter. Tu vois, je ne suis pas le seul. Je te donne les autres chiffres à ton retour à la maison. J’ai appris plein de choses intéressantes, je suis très content. Maman‐Pilier, je t’aime, je t’aime déjà comme ça. Et puis, tant pis si tu n’es pas encore Maman‐Souple. C’est pour plus tard, quand j’aurai mangé toute ma soupe, et que j’aurai aussi enlevé le « L » blanc sur fond bleu à l’arrière de la voiture.
Ah, revoilà Paul‐Papa. Il souffle fort.
Paul apparaît tout près de MCx2. Il est habillé comme MCx2.
MARIE : Tu travailles dur ?
PAUL : Un peu.
MARIE : Tu pourais me demander comment ça va ? Si je survis ?
PAUL : Comment ça va ? Tu survis ?
MARIE : Je ne suis pas encore morte.
PAUL : Tu es très fâchée.
MARIE : Je ne peux rien te cacher, n’est‐ce pas ?
PAUL : Rien de neuf.
MARIE : Tu ne m’as appelé pour me demander mon avis.
PAUL : Quand tu travailles, je n’appelle pas.
Silence.
On se voit ce soir, de toute façon.
MARIE : Je pourrais aussi ne pas rentrer.
PAUL : Tu dis n’importe quoi.
MARIE : Je me sens trahie.
MCx2 : Non, c’est trop. Trahie ?
MARIE : MCx2, repasse‐moi ton père.
PAUL : Tu as quelque chose à me dire?
MARIE : C’est sans importance.
PAUL : C’est quoi le problème maintenant ?
MARIE : MonCoeurx2 fait ce qu’il veut et toi, tu le regardes faire du fond de ton canapé. On va où comme ça ?
MCx2 : C’est plutôt sympa qu’on me laisse faire. Moi, j’aime cette vision « détendue » de l’éducation. Maman‐Pilier, rassure‐toi, j’ai appliqué au pied de la lettre le règlement en cas d’absence. Je te communiquerai les détails, ce soir, noir sur blanc, tu vas y voir clair.
Au public. À vous adultes présents, aux rôles et fonctions variés, à vous, parents, enseignants, soignants du corps, soignants de l’âme, juges, également, je vous présenterai avec plaisir mon projet d’absence à long terme. Les lignes de force sont cohérentes, convaincantes et complètement dingues.
MARIE : MCx2, repasse‐moi ton père. Ce n’est pas à toi que je veux parler.
MCx2 : Moi, aussi, ça tombe bien. À Paul. Elle a de l’acidité qui monte, elle ne va pas bien. Promis que tu ne le prends pas sur toi ?
MARIE : Encore moi.
PAUL : Tu rentres vers quelle heure ce soir ?
MARIE : Je n’ai pas terminé. Je voulais te dire que pour venir jusqu’à mon travail, je fais face à des épreuves. Quand je travaille, je fais face à d’autres épreuves. Pour rentrer chez nous, je fais encore face à des épreuves. Tu trouves ça normal, toi ? Et pour conclure, quand je ne suis pas à la maison, le bateau prend l’eau.
PAUL : Ton concept de charge mentale, je le connais.
MARIE : Entre‐temps, qu’est‐ce que tu fais, toi ? Tu peux me le dire ?
PAUL : Je contemple.
Silence.
Tu veux me dire autre chose ?
Silence.
MCx2 : Le traffic, la pollution, les psychopathes, je vois. Toute cette masse de négativité peut créer des phobies, beaucoup de phobies, et on se retrouve à avoir peur de tout. PAN‐ Phobie. Au public. Vous avez eu peur ?
MARIE : MCx2, ton père, illico.
MCx 2 : Oui, Maman‐Capitaine. Sur‐le‐champ. Honneur à Paul‐Papa.
PAUL : Cette communication me bouffe. Je sais ce que tu vas me reprocher. J’ai encore une conscience malgré tout ce que tu peux bien penser : oui, j’avoue, je n’ai pas assez insisté auprès de MCx2 pour qu’il aille à l’école. Mea culpa, voilà, c’est bon ? Non. Non, je ne choisis pas sciemment la facilité. Est‐ce que pour cet épisode unique, tu me prépares une soirée d’enfer? Sa lettre avec ta signature, j’en sais trop rien. Vous êtes pénibles tous les deux.

MCx 2 et Paul disparaissent.

Jennifer revient. Le factotum la suit. Roberta se lève et donne une accolade à Jennifer.

ROBERTA à Jennifer : Ça va ?
MARIE : Roberta, je vous en prie, c’est votre tour.
Roberta se lève.
ROBERTA : Non, pas question, je reste ici.
Silence.
Le factotum prend la chaise de Roberta et va l’empiler.
J’ai pas mes papiers en ordre, vous me sortez pas d’ici. Si je me balade dix minutes dehors et pas de chance, y a un contrôle, c’est le renvoi assuré, moi, ma famille. Et vous, ça va vous laisser mal des mois et des mois.
Face au public. Le factotum s’assied dans le public. Je sais, ça casse l’ambiance, je voulais pas parler de ma situation. Ça crée du malaise de parler vrai. Maintenant, vous savez.
Silence.
Moi, je dis que chacun a qu’à se débrouiller avec le malaise. Moi, ça fait depuis l’âge de sept ans que j’y suis tous les jours à fond dedans. Ça fait dix ans que je frôle les murs et ça m’a pas empêchée de tracer ma vie. Si quelqu’un veut que ça s’arrête, qu’il veut aller me dénoncer, il peut se lever. C’est maintenant qu’il faut le faire. Et y a pas besoin d’explication.
Silence.
Marie vient rechercher Roberta.
MARIE : Tu ne les connais pas, tu ne sais pas comment ils peuvent réagir. Tu ne trouves pas qu’on est mieux entre nous ? Tous ensemble, on va continuer.
ALEX : À jouer.
CHES : On veut jouer. Jouer, oui, jouer.
JENNIFER : Oui, jouons encore.
Alex monte sur une chaise.
Aux élèves et au public.
ALEX : Choisissons tous ensemble un jeu qui nous plaît bien : Call of duty, Assassin’s creed, Gran Turismo. Ce sont des jeux vidéos, bien sûr, mais avec un peu d’imagination, on se raconte les actions et on fait, nous, les mouvement. Compris ?
Silence.
Oh, I see. Not much fun ? Ok, ok, let’s go with another idea, yes. On se fait tous ensemble une soirée jeu. Le samedi soir, je travaille à Espace Game. Je vous invite. Le jeu qui fait trembler tout le monde en ce moment, c’est le jeu de la mafia. Pardon, petit détail : je peux pas vous inviter tous. Je peux inviter qu’une personne. Les autres, je vais voir comment on peut s’arranger entre nous. Je vais déjà choisir l’invitée, comme ça c’est fait. Vous, par exemple – il désigne quelqu’un dans le public ‐ ça vous plairait bien que je vous invite ?
MARIE : Moi ?
ALEX : Pas vous. Vous êtes trop has been. Et vous faites trop prof. Oui, j’ai choisi, vous. Vous voulez pas ? Pourquoi ? Vous avez peur de moi ? Bon, dommage. Qui, alors ?
BEATA : Moi.
Elle monte aussi sur une chaise.
CHES : Tu es sûre, Beata ?
JENNIFER : Alex, il peut faire peur.
ALEX : Oui, et dans les jeux, je dois faire peur. Mais, je sais avoir des limites. Je fais peur, but not too much.
MARIE : Vous pouvez descendre de votre chaise, Beata.
Le factotum s’approche de Beata.
C’est préférable que soyez assise.
ROBERTA : Beata, descends de ton cube. Y a pas de projecteurs, pas de poursuite. Tes grands yeux de gazelle captent rien, ma parole. Ici, y a rien, rien de rien pour faire un show qui les flambe tous.
CHES : Oh les jambes, les jambes, tenez‐moi, s’il vous plaît. Ah, Madame, comment dit‐on, quand la jambe, elle est comme ça ? Il dessine la ligne des jambes de Beata.
MARIE : Galbée.
Silence.
Excusez‐moi.
JENNIFER : Vous auriez pas dû dire. C’est pas dans votre programme.
ALEX : Où est le problème ?
CHES : Cela restera entre nous.
ROBERTA : Ce dérapage, ça peut aller loin. Vous avez de la chance de nous avoir, parce qu’on sait se taire.
JENNIFER à Ches: Petit poème d’amour et jambes galbées. Tu vois où elle en est l’autre, la pauvre ? Tout ça, à cause de tes envies de déguelasse de frustré.
Ches hurle à la lune.
MARIE : Du calme.
BEATA : Silence, s’il vous plaît. Je veux dire quelque chose.
CHES : Cause avant que je t’attrape.
BEATA : O captain ! My captain !
Our fearful trip is done.
CHES : Ça en jette. Tout le monde, il l’a là, Beata. Il montre les dents. Tu es génial.
Silence.
Je peux pas bouffer du poète, ça se fait pas de mettre la main sur une espère rare.
MARIE : Beata, vous connaissez le poème de Walt Whitmann ?
BEATA : Je ne connais que ces deux vers. Pas plus. C’est fini, merci.

Elle redescend de sa chaise. Applaudissements de la part des autres élèves, le factotum aussi.

MARIE : Notre effroyable voyage n’est pas terminé. J’aimerais revenir au poème intitulé « Poème d’un jour ». Difficile après votre succès, Beata.
Silence.
Je me sens parfois pitoyable.
Silence.
Personne ne peut manger les cerises dans le jardin.
Silence.
Ça n’est pas grave. Oui, ça arrive, ça doit être ça.

Elle est sur son balcon, se penche à l’avant de devanture.

MARIE : On va finir par déménager. Le seul qui semble bien, ici, c’est MonCoeux2. Ces arbres sous les yeux, tout ce dégagement, c’est un luxe. Notre voisin, chaque fois qu’il vient prendre le café, dit que c’est le même vert que la forêt brésilienne. Ce vert, c’est vrai qu’il est dense, c’est une chance de l’avoir sous les yeux, une chance, oui, puisqu’on nous le dit. Nous ne sommes jamais allés au Brésil. Pour le moment, nous ne pouvons pas trop y penser.
Une maison à la campagne nous permettrait d’être plus calmes, plus confiants. Il faudrait choisir une maison d’époque, quand on construisait encore sur de beaux terrains. Mais à la campagne, il y a, pendant la semaine, le bruit des tracteurs et, le dimanche, le bruit des karts. Quand ils embraient avec leur gros jouet, les vaches, les pauvres, bloquent leur respiration. Tu imagines les dégâts sur nous, Paul ? Tu ne réponds pas.
Silence.
Paul, pourquoi as‐tu arrêté de douter ? Je te dis ça, parce que depuis que tu as arrêté de fumer, tu ne te poses plus de questions et tu me laisses seule sur le balcon, avec le récit de ma journée et tout cet espace, tout ce vert, devant moi. Tu ne penses pas que ça fait trop ? Silence.
Il faudrait que tu reprennes à fumer. Moi, je n’ai jamais fumé, c’est différent. Au moins autrefois, même si j’étais trop dans tes volutes bleues, grises, et malodorantes, je me sentais exister. Paul, arrête ce bruit., tu peux laisser tremper les assiettes, je m’en occupe demain. Ce soir, les assiettes qui s’entrechoquent, je ne peux pas. Tu ne veux pas que l’on sorte se promener, juste toi et moi ?
Silence.
Non, tu as raison, moi aussi, je ne suis pas convaincue.

À nouveau l’espace où ont lieu les cours.
Jennifer est sur les genoux de Ches.
Marie regarde ses papiers.
Le factotum règle quelque chose. Il y a pendant un bref instant légèrement plus de lumière. Puis, noir complet. Le factotum installe alors rapidement des bougies électriques.
Marie fait signe à Jennifer de se décoller de Ches.
Roberta fait signe à Jennifer qui se lève alors et partage la chaise avec Roberta.
Marie relit rapidement à haute voix « Poème d’un jour ».

MARIE : Attelons‐nous directement à l’analyse sémantique.
Silence.
Vous connaissez ce poème.
ALEX : On l’a entendu même deux fois. Et vous voulez quoi de nous maintenant ?
MARIE : Que nous transmet donc ce poème ? Que veut‐il bien nous dire ? Je vous demande de me raconter ce qu’il raconte. Elle reprend avec conviction : « Eux d’un côté »
ALEX : « Nous de l’autre ». Vous voulez qu’on dise quelque chose là‐dessus ?
GLORIA : Alex, arrête de causer tout le temps.
JENNIFER : Sur la place de ce village, il y en a qui marchent à droite, il y a les autres qui marchent à gauche. Ça, au moins ça se comprend.
MARIE : Oui. Ensuite ?
ROBERTA : Ceux qui marchent à droite sont du village, et les autres, de l’autre côté, à gauche, sont des étrangers.
MARIE : C’est une interprétation possible.
GLORIA : Tous ceux qui traversent le village se sentent tellement étrangers qu’ils osent pas prendre les cerises. C’est dommage parce qu’aucun des deux groupes appelle le propriétaire. Quelqu’un au moins aurait pu lui dire qu’une cerise, pour lui, c’est pas beaucoup, que ce serait sympa d’y goûter, juste une.
ALEX : Attendez. Moi, j’ai compris une chose : le propriétaire, il a vu que des gens traversent le village, alors il s’est caché, comme ça, on lui demande rien. Pas bête, le gars, hein ?
GLORIA : Y a le mur qui sépare le jardin de la rue.
ALEX : Y a pas ça dans le poème. Pas vrai, Madame ?
MARIE : Cette information, de fait, n’y figure pas, c’est juste. Toutefois, nous pouvons imaginer qu’il peut bien y avoir un mur qui sépare le jardin et la rue.
ROBERTA : Quand on veut personne dans son jardin, on met des thuyas. Ou même, on construit un mur tout autour du jardin, un mur assez haut, comme ça, tout le monde qui passe devant dérange pas et peut quand mêm admirer la maison.
CHES : Il est triste votre poème, Madame.
GLORIA : Madame, le propriétaire derrière son mur, il a peut‐être mis un arbre faux, avec des cerises fausses aussi.
MARIE : Je n’y avais pas pensé.
GLORIA : Les nains de jardin, vous voyez ? C’est la même chose.
MARIE : Le propriétaire a créé une illusion d’optique ?
GLORIA : Non, je dis que les cerises sont en plâtre.
MARIE : Ah. Cela devient très étrange, certes. Passons à l’analyse de la forme pour nous mettre en quête du sens.
ALEX : Madame, dites, on peut être à ce point fou pour enlever les vraies cerises et les remplacer par des cerises en plâtre ?
GLORIA et les autres élèves : Oui. Bien sûr. Des psychopathes, y a en beaucoup et là dedans elle désigne la tête ça y va fort. T’as qu’à regarder ce qui se passe dans la vie.
Silence.
ALEX : Moi, je veux pas apprendre un truc à vous donner de drôles d’idées.
MARIE : Une fois que la lumière sera faite sur le sens de ce poème, il y a aura moins d’interprétations, moins d’émotions projetées.
JENNIFER : Madame, le propriétaire d’ici, où on est tous maintenant, est‐ce que vous le connaissez ?
MARIE : Oui. C’est l’État. S’il vous plaît, je souhaite terminer mon analyse. Continuons, je vous en prie.
JENNIFER : C’est qui l’État ?
MARIE : L’État , c’est l’État.
ROBERTA : Facile comme réponse. Donnez‐nous des noms.
CHES : Des noms, comme ça on peut chercher les visages qui vont avec.
MARIE : Vous ferez vos recherches sur Internet tout à l’heure, en dehors d’ici.
JENNIFER : Vous ne connaissez pas ceux qui vous paient ?
MARIE : Oui et non.
ALEX : Vous les connaissez et vous voulez les protéger.
ROBERTA à ses camarades : Elle commence par mentir un peu, mais pas trop.
ALEX : L’État, c’est vous aussi ?
MARIE : Décidément, ce poème ouvre bien des questions. Alors, oui, pour être très brève, l’État, c’est moi et c’est vous aussi.
ROBERTA : Alors, ici, c’est à nous.
MARIE : Oui, parce que nous faisons partie de l’État et non aussi, parce que nous ne sommes pas propriétaires directs de ce lieu.
JENNIFER: Encore avec «Ouietnon ».
ALEX : Ça sent mauvais.
CHES : Ça sent le mensonge.
ROBERTA :Le gros mensonge.

Le factotum apparaît avec des fils pour étendre du linge. Il les installe à travers l’espace.

ALEX : Et lui, Madame, vous pouvez nous dire s’il appartient aussi à l’ l’État?
GLORIA : Ça serait gentil de dire qui il est.
Silence.
MARIE : Oui, bien sûr. Il travaille pour l’État.
ALEX : On appartient tous à l’ l’État ?
ROBERTA : Ça va pas le faire.
GLORIA : Y a quelque chose de pas logique que lui et nous, on se retrouve du même côté.
MARIE : Oui, du même côté, il travaille pour l’État. Du moins, j’imagine.
JENNIFER : Tous du même côté.
ROBERTA : De plus en plus gros, le mensonge.
CHES : Si c’est comme vous dites, il devrait au moins nous dire une fois bonjour et une fois merde.
ALEX : Madame, qu’il y a quelque chose qui ne colle pas. Parce que si on est du même côté, tous réunis dans le même ensemble, tous ensemble dans le même État, comme vous le dites, d’abord, on nous laisserait pas parterre et vous, on vous laisserait pas tout ce temps‐là là debout sur deux pattes. Vous voyez ce que je veux dire ?
MARIE : Personne ne vous laisse parterre. Vous êtes assis sur le sol comme vous pouvez être debout dans les transports publics quand ils sont bondés. Cessez de faire des interprétations qui vous égarent et qui vous empêchent de mettre votre énergie dans vos apprentissages.
ROBERTA : Et vous, vous arrêtez de jouer avec les mots et avec nous.
JENNIFER : Non mais, Madame, je suis qui moi pour qu’on me traite comme on me traite depuis le début ? Et ça commence à faire long.
CHES : On veut nous jeter.
ALEX : Madame, ça vous dérange pas trop d’enseigner à des gens comme nous ?
MARIE : Comme vous ?
CHES : Enseigner à des gens qui sont là pour être jetés ?
MARIE : Où est‐ce que vous allez chercher de pareilles idées ?
ALEX : Ici.
Silence.
Ça vous dérange un peu quand même? Vous pouvez le dire.
MARIE : Non, absolument pas. Ça m’arrive plus souvent que vous vouelez le croire de me lever le matin et d’avoir envie de venir ici, de vous retrouver tous pour vous lire des choses qui me parlent, que j’estime heureux de vous donner.
Silence.
C’est pour ça que vous voulez me faire un procès?
BEATA : Pour moi, c’est difficile de venir ici, tellement difficile que parfois mon petit‐déjeuner y passe. Vous, ça ne vous arrive jamais ? Sincèrement, entre nous soit dit ?
MARIA : Non, jamais.

Le factotum pousse la chaise de Beata ou Ches ou Alex. Il arrive à enlever une chaise.

CHES : Regardez comment on est. Le plus cruel, Madame c’est que l’on nous jette, lentement, lentement et sûrement. Pour marquer la fin du parcours, dans la déchetterie, des gens, qu’on a jamais vus, ces gens ont placé au terminus une belle femme, il la montre de sa main, à qui tant de fois moi, par exemple, j’aurais eu l’envie de faire l’amour. Mais, bon, ça, ça se dit pas. On peut pas ici parler de ça. C’est pas dans le programme et on sait pas pourquoi. Bon, je mets de côté mes envies, ça c’est pas facile du tout, alors, cette belle femme, elle est toujours présente, avec la pluie, avec le soleil, la bonne, la mauvaise lune, avec nos humeurs, souvent massacrantes. Et cette femme, bien devant nous, nous tient la main jusqu’au dernier moment. Et puis, tout d’un coup, parce que le temps passe et y en a tout plein d’autres comme nous derrière, il faut bien.
Il fait un signe comme si l’on lâche quelqu’un qui tombe, fait une grimace de désarroi, puis un signe d’aurevoir. Et une grimace d’horreur.
BEATA : Non, c’est trop horrible. Elle se cache le visage.
JENNIFER : Oui, c’est exactement ça.
ROBERTA : Ches, ça fait du bien ce que tu dis.
JENNIFER : Quel courage.
BEATA : Non, ce n’est pas comme ça. Elle sanglote. Tu joues avec nos peurs à tous.
ALEX : Un mâle Alpha qui réfléchit, c’est le signe que quelque chose doit changer.
MARIE : Ches, qui t’es‐vous pour nous parler ainsi ?
Silence.
CHES : Un être humain. Madame.
Silence.
Qui mange, qui pisse, qui va crever un jour. Comme vous. Mais, là, maintenant, cet être humain veut vivre.
Silence.
Et vous, Madame, au fond, vous êtes qui ? On ne vous connaît pas, pas vrai?
MARIE : Un bouc avant le sacrifice. Elle hurle « Bê, bê ».
BEATA, ALEX : Eh, Madame. Arrêtez.
JENNIFER : Oh, la pauvre.
Marie continue à bêler.
ROBERTA : La honte.
JENNIFER : J’espère qu’elle va pas se zigouiller devant nous.
Marie continue à bêler.
BEATA : C’’est vraiment horrible tout ça.
Marie s’arrête subitement.
Silence.
MARIE : Ah, ça va tout de suite mieux.

[…]

Lettre au dealer de ma rue – extrait

De Julie Gilbert / Une pièce créée en mars 2017 / Extrait / Plus d’infos

[…]

Tu es là en bas de mon immeuble
Et tu crèves de froid
Parce que l’hiver à Genève
Et bah c’est l’hiver
Tu grelottes dans la doudoune que tu t’es dégotté
Et tu es là dans la rue de la Navigation
Un joli nom
Navigation
Mais peut-être que tu ne sais pas ce qu’il veut dire
Peut-être que tu es anglophone
Et peut-être que c’est mieux ainsi de ne pas savoir ce qu’il veut dire
Peut-être que le mot navigation te rappellerait un peu trop violemment
ta traversée avec ces zodiac vendus par les chinois
Je ne sais pas si tu es passé par Tanger ou par Tripoli
Mamadou est passé par Tanger
Je ne peux parler que de Mamadou
A Tanger maintenant tu ne peux plus acheter ces zodiacs chinois
C’est interdit
Alors il faut les faire venir de Casablanca
C’est tout un bordel de les faire venir de Casa
Il faut les acheter par correspondance
Il faut trouver quelqu’un qui a la carte de crédit
Et les commander par correspondance
Et ensuite les gonfler sur la plage
Et puis après et bah il faut y aller
Quand tu es à Tanger
Tu traverses quand il y a la tempête
Tu as moins de risque de te faire repérer par les gardes côtes marocains
Tu montes sur ton boudin en plastique chinois
Et tu rames
Parce que oui, à ce prix-là, tu n’as pas de moteur
Tu rames dans la tempête
Et comme tu ne sais pas nager
Tu rames et tu pries que le boudin chinois t’amène de l’autre côté Tu rames comme un malade
Tu vomis et tu pries et tu rames que ce putain de boudin en plastique t’amène de l’autre côté, juste là, tu vois la côte, c’est juste là Mamadou
Je ne peux parler que de Mamadou
Mamadou a traversé trois fois
La première fois, ils ont perdu une rame, et ils n’ont jamais pu aller tout droit et les gardes côtes marocains les ont récupérés
La deuxième fois, le boudin a crevé et ils se sont accrochés aux cordages, se laissant dériver dans l’eau froide. Ils ont eu des crampes. En fait, ils sont tous morts, sauf Mamadou et un autre mec
La troisième fois, ils ont ramé et ils ont été récupérés par les gardes côtes espagnols. Et ils ont été mis en prison
Ils ont une prison au milieu de l’eau les espagnols
Je te jure que si tu parles aujourd’hui à Mamadou d’eau, il peut te cogner
C’est pas la peine de l’emmener en vacances à la mer tu vois
Bref, toi tu es là et je ne te connais pas
Je ne sais pas comment tu es arrivé en Suisse
Tu es forcément arrivé par la mer
Puisque les visas
Ça fait belle lurette que l’Europe n’en délivre plus
Tu es là tous les soirs de tous les jours de la semaine
Parce que même si tu as des pauses repas
Je ne crois pas que tu aies ton dimanche
Et d’ailleurs je me demande bien ce que tu ferais de ton dimanche
Dans les rues vides et revidées de Genève
Dans la ville morte de Calvin
Donc tu es là
Tu attends avec les autres
Tu attends l’œil ouvert
Parce que même si tout le monde sait que vous dealez
Que c’est comme un boulot quoi
Parfois les flics font des descentes
Ok. Ils le font plus pour le décorum
Pour la façade
Parce que je ne les ai jamais vus vous arrêter
Et d’ailleurs ça serait très hypocrite de vous arrêter
Alors que tout le monde sait que vous dealez
Et que tout le monde a tellement besoin que vous dealiez
Parce qu’il faut beaucoup de drogue pour supporter Genève
Beaucoup beaucoup
Beaucoup plus qu’on ne l’imagine
Donc les flics
Quand ça chauffe un peu trop à droite
Ils font semblant de « nettoyer » le quartier
Bien-sûr en Suisse aussi on utilise ce genre de vocabulaire
Nettoyer le quartier
Mais en vrai, ils ne font que passer le plumeau
Pas de karcher ici
Pas de grandes actions avec tapis rouge
De décisions décisionnelles
On est comme ça en Suisse
On reste discrets
Mais à cause de la criminalité
De la hausse exponentielle de la criminalité dans notre quartier
On a eu la réunion
Ils voulaient mettre des vidéos dans les rues de notre quartier
Alors on a eu la réunion
On a entendu les flics
On a entendu les directeurs de l’école primaire
On a entendu les parents d’élèves
On a entendu les associations des habitants de quartier
Et puis on a entendu
le représentant des dealers
Le type s’est levé et a dit « je suis le représentant des dealers »
Il y a eu un flottement
Un truc où tout à coup, on n’était plus trop sûrs si la drogue avait été brusquement légalisée Parce que la prostitution en Suisse est légale
Les prostituées payent leurs impôts
Mais non non la drogue n’a pas été légalisée
Et le type avait été mandaté par les autres dealers pour défendre les intérêts des dealers à la réunion de quartier
Et forcément il était contre les caméras
Il était absolument contre les caméras
Il a exprimé clairement à quel point les caméras allaient nuire au commerce de la drogue et donc au quartier et donc à Genève
Et on était nombreux à trouver aussi que les caméras étaient une mauvaise idée
Alors on a fait bloc avec le représentant des dealers
Mains dans la mains quoi
On a fait bloc à mort
Pour que les caméras ne passent pas
Les habitants du quartier et les dealers on s’est unis pour refuser les caméras
On a lutté contre les représentants de la ville
Et finalement
Les caméras ne sont pas passées
Alors tu es toujours là
Je ne sais toujours pas comment tu t’appelles
Si tu es toujours le même ou un autre
Et pourtant, toi, tu me connais
Tu connais mes horaires
Tu connais mon vélo
Tu connais mes enfants
Et souvent le soir quand je rentre tard
Je suis contente que tu sois là dans ma rue
Ça me rassure que tu sois là
Que tu sois là, tranquille, en train de discuter avec tes amis
Tes collègues
Et souvent tu me demandes comment ça va
Et si ça va la famille, les enfants
Et si j’ai passé une bonne soirée
Et je te réponds que ça va
Et toujours je suis un peu perturbée
Et toujours je remonte chez moi
Un peu secouée
Perplexe
Et parfois aussi
Tu joues au basket dans le préau avec mon fils
Et mon fils adore jouer avec toi
Parce que tu es super bon
Parce qu’il n’a aucun copain qui joue aussi bien que toi
Et je vous vois jouer
Et je te vois jouer
Et je vois bien que tu es heureux de jouer avec cet ado
Que ça te fait du bien
Et en même temps je sais bien qu’il y a un problème
Que j’ai un problème
Un sérieux problème
Que tu es un dealer
Et que je ne peux pas laisser mon fils trainer avec des dealers
Que je serai vraiment conne comme mère de laisser mon fils traîner avec les dealers Et quand j’en parle avec mon fils
Il ne comprend pas
Il ne voit pas le problème
Il me dit qu’ils n’y peuvent rien ces mecs s’ils doivent dealer
Que ce n’est pas de leur faute si en Suisse ils ne peuvent que dealer
Que si même moi je les réduis à juste des dealers c’est que vraiment tout est foutu Est-ce que je ne sais pas tout ce qu’ils ont traversé pour arriver là ?
Est-ce que j’ai oublié ou quoi que ce sont des gars qui ont tout quitté pour tenter leur chance ?
Est-ce que j’ai oublié ?
Et là je me dis que le programme écolier-dealer fait ses preuves
Fait grave ses preuves
Que le Département de l’Instruction Publique devrait pérenniser ce système L’étendre à toute la Suisse
Que c’est définitivement l’avenir
Et je repense à Mamadou
Mamadou qui a un fils de l’âge de mon fils à Dakar
Un fils qu’il n’a pas vu depuis 8 ans
Et je repense à Mamadou qui aime tellement mon fils
Pour qui c’est tellement important d’avoir un lien avec mon fils
Dans cette société où il n’est qu’un noir
Et qu’on ne laisserait jamais un noir s’approcher de nos enfants
Un homme noir célibataire sans papier
Un homme dont on ne sait rien
Et je pense alors à toi
A toutes ces heures que tu passes avec juste d’autres hommes comme toi
Je pense à toi qui n’a pas parlé avec un enfant depuis que tu es parti de chez toi Je pense à la longue nuit
A toutes les longues nuits que tu passes en bas de chez moi
Je pense à ta voix que j’entends de ma fenêtre
Que j’entends tous les soirs depuis mon lit
Je pense que depuis des nuits et des nuits je m’endors au son de ta voix
Mais je ne te connais pas

[…]

Ombres sur Molière – extrait

De Dominique Ziegler / Une pièce créée en septembre 2017 au Théâtre Alchimic de Carouge / Extrait / Plus d’infos

ACTE I
Scène 2
Molière, Madeleine, Du Croisy.

MOLIÈRE (voyant Du Croisy arriver):
Ah ! Monsieur Du Croisy, vous voilà de retour.
Vous êtes le premier membre de notre troupe
A répondre présent. Et le reste du groupe ?
Diantre ! Où se trouve-t-il ? Nous devons répéter
Le nouveau canevas que je viens d’achever.
J’avais pourtant requis que l’on arrive à l’heure.
Vous savez qu’un retard au théâtre m’écœure.

DU CROISY:
Modérez vos transports, le groupe a ses raisons.
Sa tête vibre encor de tristes oraisons.
Un ami comédien du nom de Jean Le Brave
Est mort durant la nuit, d’une infection grave.

MOLIÈRE:
Mon Dieu, j’ignorais tout de la situation.
Que ne m’a-t-on transmis cette information ?
Je l’avais bien connu dans ma prime jeunesse Et aurais pu l’aider à calmer sa détresse.

DU CROISY:
Vous n’eussiez rien pu faire et le mal trop soudain
Le prit comme l’éclair frappe en un tour de main.
Et c’est là, qu’au premier, s’ajoute un second drame :
Au cours de l’agonie, un curé on réclame ;
Pendant que femme veille, on voit le fils courir
Au prieuré voisin, d’un prêtre s’enquérir ;
Mais le saint homme dort et se plaint qu’on le gêne ;
Derrière sa lucarne, il râle et morigène.
A force d’insister, gain de cause on obtient ;
Trop tard. Quand au logis, à la fin, on parvient,
Notre ami Jean Le Brave a quitté notre monde.
Autour du trépassé l’ambiance est moribonde ;
Les enfants, jusque-là fermes et courageux,
Laissent alors monter la tristesse à leurs yeux.
De l’épouse les pleurs emplissent l’atmosphère ;
Dans la chambre il fait gris et l’on sent la misère ;
Un voisin remué par tant d’émotions,
Exige du curé d’ultimes onctions.
Mais le prêtre, indolent, ne semble en avoir cure ;
Les cuisses se grattant sous sa robe de bure,
Il dit qu’il est trop tard pour donner sacrement
Et réclame cent sous pour le déplacement.
La veuve, médusée, obtempère, docile.
Notre homme, ainsi lesté, part, prétextant concile.
Enfin, par ses amis, Jean Le Brave est porté
Jusqu’au vieux cimetière, où, sans formalité,
On le met dans un trou, dans lequel, anonymes,
Reposent les voleurs et les fauteurs de crimes.
La famille, à genoux, tend ses mains vers le ciel…

MADELEINE:
Aucun prêtre n’a fait de sermon solennel ?

DU CROISY:
Le Brave est condamné à demeurer sous terre.
Il n’a fait pénitence avant qu’on ne l’enterre ;
Il n’a pu son métier renier avant sa mort.
L’anathème est le prix à payer pour ce tort.
Molière, qu’y a-t-il, vous devenez tout pâle ?

MADELEINE:
Jamais je ne vous vis cette blancheur spectrale.
Vous semblez affecté par ce compte-rendu ;
L’enjouement de tantôt a soudain disparu.

MOLIÈRE:
J’aimerais demeurer seul avec mes pensées,
Et de l’événement tirer leçons sensées.
Instruisez les acteurs sans explications,
Que j’annule, à l’instant, nos répétitions.
Nous nous retrouverons la semaine prochaine.
Je vous donne congé.

MADELEINE:
Est-ce une quarantaine ?
Vous me semblez soudain atteint d’un mal subtil.
Vous n’avez pas l’air bien, que vous arrive-t-il ?

MOLIÈRE:
Rien.

DU CROISY:
On ne dirait pas.

MOLIÈRE:
Quittez votre inquiétude.
Mon corps se porte bien, mais la nouvelle est rude.
Il vous faut maintenant au plus vite partir.
J’ai besoin d’être seul afin de réfléchir.

DU CROISY (à Madeleine):
Adieu. Veillez sur lui.

MADELEINE:
Je sens monter sa bile.
Il lui faut se calmer et demeurer tranquille.
Je m’occupe de tout. Au-revoir mon ami.

DU CROISY:
Que ferait-il sans vous ?

MOLIÈRE:
(Du Croisy s’en va.) Décampez Du Croisy !

Scène 3
Molière, Madeleine.

MOLIÈRE:
L’existence vouée à notre art dramatique ;
Le trépas camouflé dans la noirceur cryptique ;
L’au-delà confisqué par quelque sacristain ;
Voilà de tout acteur le terrible destin.
Les moralisateurs, les corbeaux hypocrites,
Peuvent jouer du verbe et de mines confites ;
Sous le couvert divin, ils sont libres de tout,
Peuvent tricher, voler, mentir jusqu’au dégoût,
Puis vouer les acteurs aux pires gémonies
Pour couvrir leurs forfaits d’habiles amnésies.
Dame ! Ma décision est tombée à l’instant :
Quitte à me voir traité d’infâme impénitent,
Je veux sur ces bandits faire ma prochaine œuvre,
Et de son nid douillet débusquer la couleuvre.
Bonimenteurs sournois, agiles faux prêcheurs,
Vous avez confisqué le ciel pour nos malheurs ;
Vous vous nous pointez du doigt comme boucs émissaires
Pour camoufler au mieux vos abjectes affaires.
Contre vos faussetés je brandis mon talent,
Et, d’un crayon tranchant, je frappe le serpent !

MADELEINE:
Vous faites preuve là de cécité, Molière.
Votre colère aveugle est piètre conseillère.
S’attaquer aux dévots, c’est frapper au plus haut,
Chez la mère du roi, qu’ils tiennent en étau ;
Plus la reine vieillit, plus leur pouvoir est dense.
Plus froids sont les prélats, et plus on les encense.
Désormais les puissants ne sont plus les marquis
Mais ces prédicateurs jaloux de leurs acquis.
Ils ne vous laisseront les tourner en bourrique ;
Leur vertu affichée a valeur politique.

MOLIÈRE:
Je ne redoute rien, protégé par le roi.

MADELEINE:
Vous risquez de subir un profond désarroi.
Le monarque est aussi d’extraction divine ;
Son pouvoir est empreint de céleste patine.
On se chargera bien de le lui rappeler.

MOLIÈRE:
Le vrai du fallacieux il saura démêler.
Maintenant, laissez-moi. Je veux aller écrire.

MADELEINE:
Alors, sur ce plateau, on voudra vous occire.
Pourquoi pour les ennuis cet ardent appétit ?

MOLIÈRE:
Un véritable auteur jamais ne s’aplatit.
Quel que soit votre avis, j’écrirai cette pièce ;
Jamais aucun projet ne m’a tant mis en liesse.
Nous nous retrouverons aux répétitions.

MADELEINE:
Mais écoutez au moins mes réprobations.

MOLIÈRE:
J’en ai trop entendu. Il faut que je travaille.

MADELEINE:
Il y a peu, je riais. A présent je tressaille.

MOLIÈRE:
Je vous propose alors de tressaillir ailleurs.
Je n’ai guère besoin de Madeleine en pleurs.

MADELEINE:
Vous faites montre là d’une galanterie…

MOLIÈRE:
La sortie est à droite après la galerie.

MADELEINE:
Ho!
(Elle sort, furieuse.)

[…]

Le Rapport Bergier – extrait

De José Lillo / Une pièce créée en février 2015 au Théâtre Le Poche de Genève / Extrait / Plus d’infos

MAURICE

A quoi ça tient, la vie
parfois à un tampon seulement
qu’un type te mets ou pas sur tes papiers
quand tu quittes tout
boulot, voisins, patrie
quand tu laisses tout derrière toi
parce que t’as tout aux trousses
l’Etat, la patrie, tes camarades de la patrie, tes collègues, le type à la radio que tu écoutais le matin avant d’aller à tou travail te parler du beau temps qu’il fait en politique
et qui maintenant tous les matins du monde racle effroyablement sa gorge en pronoçant dans son micro un nombre incalculable de fois avec cette voix cassante que
tu ne lui connaissais pas le nom qu’à présent il te donne et les menaces qu’il fait peser
sur lui même la serveuse qui t’aguichait le soit après tes longues journées
au moment de rentrer chez toi après un dernier verre dont tu te disais
chaque vfois qu’il était le dernier qu’il était pour la route, comme on dit que tu
aurais bien raccompagné chez elle chemin faisant bras-dessus, bras-dessou
et qui maintenant levait le bras à l’unisson avec des millions d’autres
pendant que tu prenais et tes jambes à ton cou et la route seul sans elle ni aucun autre qui soit comme elle à lever le bras
tous inscrits au parit tous très soudainement apparentés à un parti
au seul parti qui reste
à la soudaine grande famille des drapeaux rouge noir blanc surgie de nulle part et n’allant à rien d’autre
dans un moment d’entrain d’exubérance nationale très peu socialisante
tous étaient du parti
bien qu’à ce moment là le seul qui soit parti
c’est toi
et ceux qui comme toi sont partis
le plus loin possible
du parti
pour n’être pas un jour de ceux qui sont partis en feu comme on dit
en fumée et en feu
à l’instar des livres auxquels déjà on l’avait bouté dès 1933
pour ne pas devenir tro tôt feu Mousieur untel
feu Madame-dont-on-a-perdu-le-nom
et la trace
et le papier par lequel était passé le tampon
par lequel on t’a débouté

La barque est pleine la barque est pleine

La barque
Quelle drôle d‘idée la barque
On n’a même pas la mer nous ici
On n’a que des lacs
Des fleuves et des rivières
Et des montagnes
Et des plaines
Avec de la place à perte de vue

C’est jamais assez plein de touriste ici maintenant
Maintenant, parfois
La barque est vide à ce qu’on croirait à les entendre se plaindre
Maintenant ils ne viennent pas assez
skier voir les feux artificiels
les blanches cimes de nos Alpes
les prés bien agencés de nos paisibles vaches
il y a tant de randonnées à faire maintenant ici
des escapades partout des escapades à faire pour s’évader
et ils ne viennent pas assez

Les peuples heureux de font pas d’histoires
Ils se tiennent tranquilles
En attendant que ça passe
Ils regardent sombrer les barques aux alentours
S’accrochent au mât de leur drapeau
Fermant les yeux quand vient la nuit
Ils dorment d’un sommeil calme
Comptant les jours qui les séparent des lendemains qui chantes
Comme des moutons pour s’endormir

Rêvent à des prairies vertes
Avec au fond des barbelés

Et derrière eux l’humanité

FELIPE

Antisémites un peu mollement ci et là comme à peu près tout le monde
un peu partout à ce moment là ou la plupart mais pas vraiment non
plus pas tous non plus loin de là et pas au point de -tu voi- pas à
ce point là non ça quand même

Il a fallu consentir à des sacrifices
Et comme partout
A des vies mutilées
Pour ça c’était pas comme maintenant
Mais en plus en beaucoup beaucoup plus organisé
Quoique Quoique

Un moment vien où c’est ou toi ou les autres
Voilà ce qu’il y a

LOLA

Joseph en 33 est venu à Genève faire un discous de paix
Un discours de paix
A Genève
En 33
A la société des nations
De Joseph Goebbels ministre de la propagande et de l’information
Du Troisième Reich
Et de la paix
Avec à la fin à Cointrin
Des bras levés
Sur le tarmac et Joseph dans l’avion
Putain mais c’est qui ces bras levés en 33 à Cointrin
Qu’est-ce que ça avait l’air à lever du bras devant le putain d’avion de ce putain de Joseph
Goebbels à Cointrin en 33

Il n’est rien arrivé à ton corps de comparable
De comparable à la paix de l’Allemagne de Joseph Goelbbels en 33
à Cointrin
A la Société des Nations

Tes cheveux n’ont pas servi à
Tu n’as pas eu à

Ton beau corps nu

Ta peau n’a pas souffert du froid exagérément
Tu n’as pas eu à

Tu n’as pas eu en 33 à passer une pancarte autour du cou avec écrit dessus avec qui tu couches pour que tout le monde le sache et te crahe à la gueule pour ça et que tu
en deviennes folle comme seules deviennent folles les filles à qui on passe des pancartes autour du cou avec écrit dessus les noms de ceux avec qui elles couchent pendant que ce putain de Joseph faisait son putain de disours avec sa putains de paix devant la putain de société des nations à Genève en 33 et que toi on te crachait dessus qu’on te traînait dans toute la ville devant les ambassades avec tes nattes
coupées tes cheveux rasés et les cracahts des tiens sur ton visage et le nom de ton amant
sur une pancarte et la foule qui te porte pour qu’on te voit bien de loin et qu’on sache
bien que c’est très précisément toi dans les rues de Berlin en 33 devenue
folle

Là où sont mes larmes
Là je suis

[…]

Baromètre

De Mali Van Valenberg / Une pièce créée en 2017 dans le cadre d’une résidence artistique à l’hôpital psychiatrique de Malévoz / Texte intégral / Plus d’infos

Elle. A l’étroit dans son jeans, debout dans ses baskets. Une canette à la main, un sac, une chemise et rien d’autre sur le dos. Elle, parmi les visiteurs, les visités, les blouses, les pyjamas, les robes à fleurs. Au milieu des parasols et des chaises en plastique, du blanc malade et des couleurs qui se la pètent, elle me repère. A l’étroit dans mon jeans, debout dans mes baskets.

ELLE

Failli ne pas te reconnaître, tu te rends compte? Faire semblant de ne pas te reconnaître, passer tout droit et t’éviter, filer en douce incognito. Un instant j’ai failli parce que j’ai eu pitié. Oui, de toi un instant et la pitié, tu comprends, c’est répugnant, alors je voulais t’éviter, t’épargner. Mais c’est passé vitesse éclair, tu as l’air paumé et je trouve ça plutôt attendrissant maintenant. On peut s’asseoir maintenant. Je t’en prie, assieds-toi, moi je m’assieds, tu vois? Je m’assieds, je me mets à l’aise, mets-toi à l’aise, je t’en prie. J’ai soif, tu en veux? De l’eau qui fait pschitt. C’est léger, ça pétille, tu devrais essayer. Te détendre un peu. Bois de l’air, des bulles, respire! On est à l’abri ici, il fait beau, tu peux sourire, il te va bien mon sourire! Il fait beau, on se sourit, on se regarde. Et on cherche, mine de rien on cherche, quelque chose, un indice, une paire de mains moites, une paupière qui palpite, une rougeur qui fait tâche, quelque chose, un indice. Tu cherches, n’est-ce pas? Qu’est-ce que tu vois? Tu ne vois rien? Un millier d’aiguilles, autant de petits trous et rien? Cette femme est translucide, on voit ses os ses poumons son cerveau et tu ne trouves rien? Suffit d’un rien parfois tu sais. Un rien suffit et ça tu sais, tu connais, on connaît, toi et moi on se reconnaît, n’est-ce pas? Dans ce rien. Dans ce grain. Une poussière, une étoile, une molécule qui se fait la malle. Une peau de banane. Un pneu dégonflé. Un robinet rouillé et ça fuit, de partout, tu perds tes eaux, te voilà incontinente, le septième continent qui ne sait plus sur quelle mer se poser. On va trouver, pas si grave, faut se détendre, il fait beau. Ça ne durera pas. Regarde! Un nuage, il arrive, ça arrive, ça arrive, ça arrive à tous, ça peut arriver, à tous, de dériver. Décaler. Décaler, c’est ça. Tu te sens décalée? Décalée par rapport à quoi? A toi? A moi? Aux pyjamas aux robes à fleurs aux blouses? Tu as un baromètre pour calculer ça? Dans quelle mer tu le plonges, ton baromètre? Ça m’intéresse. De savoir à peu près où j’en suis où tu en es, parce qu’il y a un décalage, c’est évident. Tout ce blanc entre nous, ça décale, forcément. Même si j’essaie de nous convaincre, de me convaincre, que ce n’est rien, que ça arrive, ça peut arriver, à tous, de se retrouver là, nuagée, naufragée, même si je sais que dans le fond, même dans le fond, toi et moi on se reconnaît, même si j’essaie, même si je sais, il y a quelque chose qui grince, qui n’est pas d’accord, quelque chose qui fait qu’on n’est pas tout à fait tout à fait à l’aise, ni toi, ni moi, ici, et ça se voit. Ça s’entend. C’est bruyant, ça transpire. Ça dégouline. Ça déteint sur tes joues j’en ai plein les mains, regarde! C’est dégueulasse. Tu pourrais faire attention, il faut faire attention. Faire semblant. On pourrait faire semblant, il fait beau! Et je suis coincée dans mes baskets entre deux nuages. Dégueulasse. Quasi rien sur la peau et pourtant on est lourd ici, n’est-ce pas? Il nous faut de l’air, des bulles. Trois francs cinquante la canette c’est cher mais ça fait pschitt, c’est léger, ça pétille, on achète? Respire. Respire, claque des doigts, fais quelque chose, imagine. On est en Californie à Kho Phi Phi au Guatemala du sable jusqu’au cou et la tête hors de l’eau. On y va? Tu veux? Au café de la Gare, y en a toujours un quelque part. On se retrouve comme l’autre jour et on se dit ça y est cette fois on est dehors. Mais on est déjà dehors, regarde! Le ciel, le soleil, les arbres, les oiseaux, la poussière, les fleurs, le sable, les parasols, la mer, tout ça. Regarde, il suffit de quelques pas, quelques mètres et on sort! On sort du cadre. On se décadre. On jette le baromètre. On veut? On n’a pas le droit, tu sais bien, c’est interdit, on ne peut pas, et puis on ne veut pas en sortir de là. On est à l’abri ici. Protégée surveillée. On est mal à l’aise mais à l’abri. Ici. N’est-ce pas? N’est-ce pas? Mais imaginons, on peut toujours imaginer, ça oui on a le droit, alors claque des doigts, on est à Bora Bora du sable dans la tête au café de la Gare, on commande un Perrier, un Perrier s’il vous plaît! On serait mieux, plus à l’aise, ce serait plus conforme, plus confort à la terrasse de ce café plutôt que dans cette situation, là. Pourtant ce serait le même soleil, les mêmes bulles, on serait les mêmes toi et moi à la terrasse de ce café, et je trimbalerais avec moi le même sac, et dans le sac: porte-monnaie téléphone stylo-bille pastilles bonbons tic-tacs quelques tocs cigarettes allumettes tout ce qui gratte qui brûle qui bave eczéma et cetera. Toi, peut-être un petit bout de ton passé mal digéré, que tu ressasses… Non! Je t’arrête tout de suite, on n’en parle pas, on garde ça pour soi, on ne veut rien savoir, on n’a pas envie, pas le temps de tout déballer, alors tu ranges, tu ravales. On est venue toi et moi pour se détendre. Pour boire un Perrier léger léger. C’est tout. Tout. Mais tout est contenu dans ce petit bout, petit bout qu’on n’arrive plus à planquer, petit bout de rien du tout qui dépasse de ta chemise, qui colle à mes baskets, une étiquette qui décale, qui effraie. Ça m’effraie, oui. J’ai la frousse. Faut la planquer aussi cette frousse, parce que c’est contagieux, regarde les chiens ils aboient. Un chien aboie quand il a peur, et l’autre répond, et tout le monde se met à aboyer, et tout le monde se met à avoir peur, je ne veux pas que tu aies peur, tu n’as pas peur, n’est-ce pas? De moi, je veux dire, tu n’as pas peur? Je comprendrais tu sais, parfois aussi j’ai peur de moi, mais il ne faut pas, il ne faut pas. Je t’ai fait peur? Je te fais peur? Je suis désolée de t’avoir effrayée comme ça. Maintenant tu ressens ce que je ressens quand je te regarde et que j’ai peur. Peur de toi, peur de moi, peur de moi dans tes yeux à toi. Qu’on soit ici ou ailleurs ça change tout mais ça ne change rien, tu me regardes encore comme si tu cherchais quelque chose. Quelque chose de toi dans mes yeux à moi. Si tu trouves quelque chose, dépêche-toi, prends-le, c’est le moment, le dernier moment, je compte jusqu’à cinq, à cinq c’est terminé. Cinq, quatre, trois, deux, un, pschitt! Tu peux t’en aller maintenant.

Va-t-en.

Quitter la Terre – extrait

De Joël Maillard / Une pièce créée en juin 2017 à l’Arsenic / Extrait / Plus d’infos

SÉQUENCE 2 (LEBENSRAUM EN 3D)

Une vidéo est projetée.
C’est une modélisation en 3D de l’habitat, composé de 4 compartiments.
Une caméra subjective s’y déplace.

Joëlle
L’habitat est un gigantesque cylindre, qui tourne.
La métaphore la plus parlante est celle de la machine à laver.
La force centrifuge fait office de gravité artificielle.
Et je pose la question : dans quelle circonstance faut-il mettre en place un système de gravité artificielle ?

Voici le DORTOIR.
Si on avait le temps de compter les lits, on parviendrait au chiffre 1000.
1000 lits, dont un sur deux est inoccupé.
Donc 500 individus qui se sont réveillés en même temps.
Le diamètre du cylindre est de 600 mètres. Soit à peu près 2 fois la Tour Eiffel.
Dimensions du dortoir s’il était mis à plat : 20 mètres de largeur pour 1884 mètres de longueur.
Passons le détail du calcul et annonçons un espace vital par lit d’environ 37 m2, quand même.
On remarque la présence de portes le long des 2 parois.
Celle-ci est ouverte, ça tombe bien, on découvre un 2ème compartiment.

Le JARDIN.
Il y a là un système de lumière artificielle, d’irrigation, d’arrosage, de récupération de l’eau, et des déjections pour l’engrais. On n’a pas tout-à-fait pigé comment se passe la photosynthèse, mais elle se passe.
Une sorte de permaculture semi-automatique.
Ça pousse, ça produit de l’oxygène, c’est opérationnel (en tout cas, c’est qu’il faut admettre).
Qu’est-ce qu’on va cultiver ?
Des courges, du maïs, des légumes, quelques plantes aromatiques, ou médicinales peut-être, des fruits, des baies, des cacahuètes…

Joël
Par contre il est important de relever l’impossibilité de faire chauffer ces aliments.
Crudi-végétalisme pour toutes et tous.
À relever également, l’absence de couverts, d’ustensiles, de récipients, et, plus généralement, de quelque outil que ce soit.

Joëlle
Un confort assez rudimentaire, en effet.

On repasse par le dortoir.
Et on relève au passage que la lumière est diffusée par les parois.
Parfois elle diminue jusqu’à la pénombre, mais il n’y a jamais d’obscurité totale (pour d’évidentes questions de sécurité).
On passe cette porte, et on découvre un 3ème compartiment : W-C/DOUCHES.

On voit qu’il n’y a pas de cloison. Au début ça ne doit pas être facile, mais l’adaptation rapide à de nouvelles normes d’intimité est un aspect évolutif que l’être humain a passablement développé depuis le 20e siècle. Après tout, si dans un train bondé t’es capable de téléphoner à ton ex pour l’insulter (par exemple), y a pas vraiment de raison que tu réussisses pas à faire caca en open-space.
Bref.

Le compartiment W-C/DOUCHES donne sur un 4ème compartiment, la BIBLIOTHÈQUE VIERGE.
Il y a un plafond.
C’est ici que se trouvent les seuls objets à disposition (à part les lits et les oreillers).
Il n’y en a 2, mais en quantités monstrueuses.
Des carnets vierges, 20 millions.
Des crayons, 10 millions.
Absence de gomme.

On retourne aux W-C/DOUCHES.
Si on avait suffisamment de recul, on pourrait distinguer, quelque part sur cette paroi, à 300 mètres de hauteur, au centre du disque, les contours d’une sorte de trappe.
La caméra subjective s’envole jusqu’à cette trappe.
Mais on ne peut pas voler.
La trappe est donc aussi inatteignable qu’insoupçonnable.
Il n’y a pas d’autres compartiments accessibles.
Il n’y a pas d’autres commodités.
Hormis bien sûr, de temps en temps, la diffusion de musique censée calmer les esprits.

SÉQUENCE 3 (ÉTAT DE NATURE DANS UNE MACHINE À LAVER)

Joël commence à jouer la musique pour la relaxation.

Joëlle
Dans un des 20 millions de carnets, quelqu’un écrit :
Est-ce que quelqu’un nous voit ?
L’amnésie, due sans doute à un cocktail massif de somnifère et autres drogues nécessaires à notre kidnapping, commence à se dissiper.
Mais on ne sait toujours pas ce qu’on fout là.
Peut-être qu’on a candidaté pour être ici, mais qu’on ne s’en souvient pas encore… Mais dans ce cas, on a forcément dû candidater pour autre chose, et s’être fait avoir.
Un stage de développement émotionnel ?

Je me souviens de moi dans les grandes lignes.
Tout le monde, dans les grandes lignes, se souvient de ce qu’il était, avant.
Personne, parmi nous, n’était physicien, ingénieur, mathématicien, informaticien, théoricien d’une quelconque science dure, technicien en quoi que ce soit.
Personne n’a occupé de hautes fonctions hiérarchiques (ni même postulé pour en occuper), tout le monde est plus ou moins athée, personne n’a été policier ni militaire, tout le monde a pratiqué le naturisme une fois ou l’autre, personne n’a été condamné pour des faits de violence, tout le monde est d’accord pour affirmer avoir été épargné par les démons de l’ambition, personne n’est allergique aux cucurbitacées.
Qui se ressemble s’assemble, et qui s’assemble diminue les risques d’un carnage général où tout le monde s’entretue.
Génial.
Le club des inoffensifs, a dit un type qui, si ses souvenirs sont exacts, était coach en naturopathie et en yoga du rire (d’ailleurs c’est drôle ce type il arrête pas de pleurer).
Des gens qui, avant de dormir, dormaient déjà, a dit quelqu’un d’autre.
Mais est-ce que tout cela va nous empêcher de développer des troubles mentaux ici ?

Manger cru, on commence à s’y faire. Par contre l’absence de sel, non, on ne s’y fait toujours pas.
Tout comme l’absence de chaise
d’horizon
de miroir…
(cette énumération se poursuit jusqu’à sa prochaine réplique)

Fin de la musique pour la relaxation

Joël
Alors oui, si une gravité artificielle est nécessaire, c’est que sans cet artifice, il n’y en aurait pas, de gravité.
Et les gens qui sont à 600 mètres au-dessus de moi, ils ne pourraient pas tenir avec la tête en bas, et ça, ça veut dire qu’il n’y a plus de haut et qu’il n’y a plus de bas.
Et ils ont beau ne pas être physiciens ou mathématiciens, ils vont bien finir par intégrer cette réalité, et comprendre ce qu’elle signifie, à savoir qu’ils ont quitté la Terre.

Il sort du carton un plan de la station spatiale (à l’intérieur de laquelle se trouve l’habitat).
Il le commente.

Je vous invite à considérer cette station orbitale comme gigantesque ananas, posé à l’envers, qu’on aurait coupé en 2 dans le sens de la longueur.
Ici, nous distinguons l’habitat cylindrique qu’on vient de visiter.
Le jardin, le dortoir, les wc, la bibliothèque (et son plafond).
Tout le reste, toute la machinerie est totalement inaccessible aux occupants, et entièrement automatisée.
Le système pour la rotation est là.
La partie qui tourne, c’est celle-ci, à savoir l’habitat, ainsi que cet espèce de dôme, ou de mamelle, où on devine les gigantesques réservoirs d’eau, qui contiennent tous les micros-nutriments indispensables à la bonne conservation des individus.
Il y a un système pour l’oxygène.
Là on voit des panneaux solaires.
Et là, un ingénieux système qui permet de repérer, »télécharger », et diffuser dans l’habitat le contenu sonore d’un certain type de messages : des sortes de bouteilles à la mer, que des gens sur Terre mettent en ligne à l’attention des disparus, sans avoir aucune idée de ce qu’ils sont devenus.

Silence

Oui parce qu’il faut essayer de s’imaginer le traumatisme qui les agitent quand ils prennent conscience de la situation…
Sans même parler du cosmos ou de la gravité artificielle, mais…
C’est comme si là, tout d’un coup, clac, les portes se ferment.
Et à partir de maintenant, on est tous condamnés à rester ensemble.
Et on ne sait pas pour combien de temps.
Mais on dirait bien que c’est parti pour durer.
Et peut-être même que c’est pour toujours.

Il se tait.
Joëlle est toujours en train d’énoncer les absences auxquelles, dans la station, on ne se fait pas.

Joël
Une des premières mesures qui est mise en oeuvre pour essayer de ne pas complètement perdre le nord, si j’ose dire, consiste à reprendre la main sur la perception du temps. Il y a un tour de garde permanent, où on se relaie pour compter les secondes d’après le souvenir qu’on en a. Et on fait des coches toutes les minutes (il y a des carnets entiers remplis de coches).
On compte aussi les battements de coeur, on met en commun les décomptes, on fait des moyennes.
Et on est capable de recréer approximativement les heures, et les jours.
Mais ça ne vas pas nous suffire. Alors on va commencer à s’observer. On va observer la pousse des barbes, la pousse des cheveux, la perte du sang. On va aussi regarder comment poussent les plantes.
Et à force de d’observations, de moyennes, de recoupements, de déductions, peu à peu, malgré l’absence de toute horloge, on a réapprivoisé le temps qui passe.

Joëlle
322e jour de la 2ème année.
Hier, nous avons entendu un son en provenance de la Terre.
Des gens s’adressent à nous !

[…]

Cold Blood

Cold Blood / Cinématographie de Jaco Von Dormael / Chorégraphie de Michelle Anne De Mey / Texte de Thomas Gunzig / du 9 janvier au 3 février 2018 / Théâtre de Carouge / Plus d’infos

Les critiques :

Jeux de mains

Par Roberta Alberico
Après Kiss and Cry, Michelle Anne De Mey, Jaco Von Dormael et le collectif Kiss and Cry proposent un nouveau spectacle mêlant théâtre, performance, cinéma et nano-danse… [suite]

La nébuleuse du crabe

Par le groupe EW (Arnaud Gonnet et Martin Roehrich) / Théâtre de l’Usine / du 14 au 20 décembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Performance et animisme

Par Pierre-Paul Bianchi
Au Théâtre de l’Usine, le groupe EW formule une performance qui se vit comme une expérience holistique. Avec un texte opaque mais lyrique, les gestes chorégraphiés des deux danseurs parviennent à suggérer un univers de correspondances invisibles… [suite]

Guerrilla

Par la compagnie El Conde de Torrefiel / Théâtre de Vidy / du 8 au 9 décembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Conflits intérieurs

Par Pierre-Paul Bianchi
A Vidy, Guerrilla donne à voir la guerre intérieure, confusément maîtrisée, qui caractérise les paix apparentes des démocraties européennes. Prenant la forme d’une politique-fiction, séparant le texte de l’image scénique, cette pièce dit les tensions entre l’Histoire et l’individu, entre l’individu et lui-même… [suite]

La guerre de 2023 aura-t-elle lieu?

Par Thomas Flahaut
En trois tableaux, le groupe El Conde de Torrefiel met en scène un chœur de jeunes gens qui, par de puissants effets de réel, devient un miroir de notre monde. Guerrila tente d’imaginer le devenir de nos sociétés afin, peut-être, d’en conjurer le sort tragique… [suite]

La Farce de Maître Pathelin

Texte de José Pliya / D’après une farce médiévale anonyme / Création-coproduction : Le Petit Théâtre de Lausanne, L’Askéné (Suisse), Cie For (France), L’Atelier Nomade (Bénin) / Le Petit Théâtre / du 6 au 31 décembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Du Moyen-Age en Afrique

Par Marek Chojecki
L’humour de La Farce de Maître Pathelin, écrite par un auteur anonyme de l’époque médiévale, semble rester immuable à travers les siècles. Le spectacle présenté en 2017 au Petit Théâtre de Lausanne fait toujours rire son public. Adaptée par José Pliya et mise en scène par Simone Audemars, cette pièce pour cinq acteurs et un musicien est conforme au genre qu’annonce son titre… [suite]

André le Magnifique

De Denis Podalydès et al. / Mise en scène d’Antony Mettler / Théâtre du Grütli / du 1^er au 17 décembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Prince de sensibilité au royaume des histrions

Par Lucien Zuchuat
Au théâtre du Grütli à Genève, Antony Mettler s’entoure de quatre comédiens pour proposer un André le Magnifique empruntant largement au vaudeville. Pierre Aucaigne éblouit en clown lunaire. Le reste, tissé d’humour épais, peine à décoller… [suite]

L’Avare

De Molière / Mise en scène de Ludovic Lagarde / Théâtre de Vidy / du 22 novembre au 3 décembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Rire jaune

Par Valmir Rexhepi
C’est dans un espace encombré de caisses et d’autres boites méthodiquement rangées, un hangar, que se joue L’Avare recontextualisé par Ludovic Lagarde. Faisant du rapport à l’argent la question centrale, la mise en scène remotive les relations entre les personnages mais aussi celles qui sont établies avec les spectateurs… [suite]

Bienvenue

Création, chorégraphie et interprétation d’Eugénie Rebetez / Mise en scène de Martin Zimmerman / Théâtre La Grange de Dorigny / du 17 au 25 novembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Le mouvement perpétuel

Par Roberta Alberico
Eugénie Rebetez pose une nouvelle fois ses valises à la Grange de Dorigny avec sa nouvelle création, Bienvenue. De la danse, du chant, de la pantomime, des instruments : elle a plus d’une corde à son arc… [suite]

La Dernière Bande

D’après Samuel Beckett / Avec Omar Porras / Mise en scène de Dan Jemmett / TKM / du 14 novembre au 3 décembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

À l’ombre d’un magnétophone

Par Josefa Terribilini
Dans La Dernière Bande, Omar Porras prête son théâtre et son corps à Dan Jemmett pour explorer la confrontation d’un un vieil homme avec lui-même. Une mise en scène qui démultiplie les jeux d’échos et de rythme, jusqu’à, parfois, nous perdre… [suite]

Oh les beaux gestes!

Par Coralie Gil
Omar Porras, mis en scène par Dan Jemmett, se met au service du texte beckettien La Dernière Bande jusqu’en décembre au TKM. Une pièce dans laquelle le geste est aussi vital que la parole : On connaît la précision des didascalies, indications de gestes presque chorégraphiques de Beckett… [suite]

Donkeyport

Par la Cie S/Z / Mise en scène de Sabine Zaalene / Petithéâtre de Sion / du 9 au 19 novembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Réversibilité

Par Valmir Rexhepi
Comme cela n’est pas rare dans les spectacles contemporains, Donkeyport se situe entre plusieurs arts de la scène : théâtre, performance, projections vidéo, musique sur plateau. Une palette qui, ici, est au service d’un discours sur l’identité et l’altérité… [suite]

Where Do You Wanna Go Today ?

De et avec PRICE (Mathias Ringgenberg) / L’Arsenic / du 7 au 12 novembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Hot mess

Par Julia Cela
PRICE, le personnage inventé par Mathias Ringgenberg, est le parfait androgyne. Dans la troisième variation du projet Where Do You Wanna Go Today ? on le voit explorer par la voix et le mouvement des identités, qui renvoient toutes à l’archétype de l’icône pop… [suite]

Where do I wanna go ?

Par Laure Salathé
Adapté à chacun des lieux dans lequel il est joué, Where do you wanna go today se donne au Théâtre de l’Arsenic, à Lausanne, dans sa troisième variation. Mathias Ringgenberg y rend sensible l’évolution d’un personnage au sein de lui-même, la recherche de son identité et de ses émotions… [suite]

Le Direktør

D’après Lars von Trier (film) / Mise en scène d’Oscar Gómez Mata / Théâtre de Vidy / du 8 au 11 novembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

La servitude involontaire

Par Aurélien Maignant
Adaptation vaudevillesque d’un film plus sombre qu’il n’y paraît au premier abord, Le Direktør d’Oscar Gómez Mata est une comédie qui s’efforce de penser l’absurdité d’une société où l’autorité de plus en plus invisible rend la servitude involontaire… [suite]

Y a-t-il un directeur dans cette pièce?

Par Roberta Alberico
« How do you feel today? », « respire », « focus », « lâche prise », « enjoy life ». Des slogans typiques du management twittero-instagramesque défilent sur le flipchart d’une entreprise X au rythme d’un morceau deep-tech-house-electroclash… [suite]

Passion simple

D’après Annie Ernaux / Cie Émilie Charriot / Théâtre de Vidy / du 7 au 22 novembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

De signes et de lumière

Par Josefa Terribilini
Après King Kong Théorie et Le Zoophile, Émilie Charriot termine sa trilogie de monologues debout face au public avec Passion simple, adapté du récit autofictionnel d’Annie Ernaux. Face à nous, sur un plateau nu troué de lumière, Émilie Charriot donne à ce texte son corps et sa voix… [suite]

Pénélope sans prétendant

Par Valmir Rexhepi
Un espace presque nu, habillé uniquement d’une dentelle de lumières, une passion qui se tisse et s’écoule, qui s’incarne dans la bouche, comme un creux que laisse l’absence. L’histoire d’une femme qui attend un homme… [suite]

Centaures, quand nous étions enfants

Texte et mise en scène de Fabrice Melquiot / Chorégraphie équestre de Camille & Manolo / Théâtre Am Stram Gram / du 3 au 5 novembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

À cheval?

Par Basile Seppey
« Dans cette histoire on ne parle pas de la Corée du Nord, des ouragans ou des gens qui ont des taches de rousseurs, même si ce sont des sujets intéressants. » Non, l’histoire sera celle de Manolo et de Camille, couple fondateur du Théâtre du Centaure, une compagnie de théâtre équestre à Marseille… [suite]

À deux heures du matin

De Falk Richter / Mise en scène de Gabriel Dufay / La Grange de Dorigny / du 2 au 4 novembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

De cri et de fureur

Par Lucien Zuchuat
À la Grange de Dorigny, Gabriel Dufay adapte À deux heures du matin, brûlot anticapitaliste signé Falk Richter. En dépit de quelques fulgurances poétiques et de traits d’humour piquants, le spectacle sauce « hardolescente », qu’on hurle deux heures durant à pleins poumons, finit par fatiguer… [suite]

Kill the Workflow

Par Coralie Gil
Jeudi 2 novembre à la Grange de Dorigny se jouait A Deux Heures du Matin, de Falk Richter mis en scène par Gabriel Dufay et joué par sept comédiens sortant de la promotion 2016 de l’école des Teintureries. Une pièce sur l’absurdité du système des grandes entreprises, sur la solitude et le sentiment de manque qu’elles génèrent… [suite]

La Recherche

D’après A la recherche du temps perdu de Marcel Proust / Création et mise en scène de Yves-Noël Genod / L’Arsenic / du 1er au 5 novembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Fumée blanche et masse noire

Par Ivan Garcia
Elaborée à partir du matériau proustien, la performance d’Yves-Noël Genod démontre que ce classique de la littérature peut être autant lu que vécu. Par une mise en scène sensorielle, le comédien nous fait éprouver « la marche du temps » et amène le spectateur à se questionner sur l’expérience métalittéraire qu’est La Recherche… [suite]

Marcel la nuit

Par Thomas Flahaut
« On peut connaître l’œuvre de Proust de trois manières : la connaître très bien, un peu, ou pas du tout. » Déclare Yves-Noël Genod, chevelure blonde, silhouette longiligne et noueuse d’un Iggy Pop perché sur les talons hauts de bottines argentées, seul au milieu de l’obscurité de la scène dans un improbable costume de satin rouge. « Moi, je suis dans ces trois cas »… [suite]

Hocus Pocus

Par la Cie Philippe Saire / Le Petit Théâtre / du 25 octobre au 5 novembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Prestidigitation

Par Julia Cela
Au Petit Théâtre, la Cie Philippe Saire remotive et réinvente, dans un spectacle à destination du jeune public, le dispositif lumineux imaginé pour Vacuum en 2015. Un pas de deux en apesanteur, où les danseurs deviennent illusionnistes… [suite]

Macbeth

D’après William Shakespeare / Adaptation et mise en scène de Valentin Rossier/ New Helvetic Shakespeare Company / La Grange de Dorigny / du 21 au 29 octobre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Vapeurs de whisky

Par Ivan Garcia
Premier spectacle d’une nouvelle saison théâtrale à la Grange de Dorigny, le Macbeth de Valentin Rossier divise les spectateurs. Alors que la pièce de Shakespeare est une tragédie aux actes sanglants, cette mise en scène plonge le public dans l’univers de Valentin Rossier, un huis-clos teinté d’une fibre dostoïevskienne, dans laquelle règnent folie, ténèbres, manipulation et breuvages alcoolisés… [suite]

L’ivresse du pouvoir

Par Laure Salathé
Macbeth tue Duncan. Puis il tue Banquo. Peu à peu, sa folie prend le dessus. Il ne voit plus clair, ne fait plus la différence entre le réel et ce qu’il imagine. Dans la mise en scène de Valentin Rossier, les spectateurs voient l’action par le prisme de la folie, ne distinguant plus ce qui est du ressort de l’imagination du personnage de ce qui ne l’est pas… [suite]

Roméo et Juliette

Roméo et Juliette / De William Shakespeare / Mise en scène d’Omar Porras / TKM / du 19 septembre au 8 octobre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Hara-kiri

Par Aurélien Maignant
Omar Porras, directeur du TKM, ouvrait sa saison avec une mise en scène du classique Roméo et Juliette. Mais, en bon globe-trotter dramaturgique, il présente le drame shakespearien… au Japon. L’occasion de questionner notre rapport aux mythes fondateurs de notre société… [suite]

Quand Shakespeare se danse

Par Coralie Gil
La troupe d’acteurs japonais du Shizuoka Performing Art Center (dit SPAC) collabore avec le Teatro Malandro et offre un spectacle où les danses cadencent la poésie shakespearienne. Se mêlent alors l’Orient et l’Occident. Et la magie opère… [suite]

Les amants de Kyoto

Par Thomas Flahaut
Au TKM en septembre, le Teatro Malandro d’Omar Porras et les comédiens japonais du Shizuoka Performing Arts Center déplacent Roméo et Juliette dans un Japon médiévisant. Le metteur en scène tente de jouer entre les cultures occidentales et japonaises au détriment, parfois, d’une mise en dialogue des traditions théâtrales… [suite]

Amants d’un autre monde

Par Laure Salathé
Une Juliette naïve, courageuse et affectueuse, un Roméo fidèle, quoiqu’impulsif et prêt à tout par amour, une nourrice comiquement outrée, un Frère Laurent bon, doux et généreux, des parents intransigeants et la fable de l’amour interdit ; on connaît les personnages de Shakespeare et le mythe qui traverse les générations. Pourtant, Omar Porras parvient à donner à cette pièce, revisitée encore et encore, un souffle nouveau… [suite]

Les nipponeries de Maître Porras

Par Lucien Zuchuat
En ouverture de sa nouvelle saison au TKM, le plus colombien des metteurs en scène romands propose un Roméo et Juliette à la sauce japonaise. Foutraque et survolté, le spectacle réjouit plus qu’il n’emporte… [suite]

Transforme-t-on Shakespeare?

Par Pierre-Paul Bianchi
Au TKM, Omar Porras déplace le trop connu Roméo et Juliette vers le Japon. Après s’y être lui-même rendu, s’y être emparé de la langue, de certains codes visuels et culturels, il revient à Malley, en Suisse. L’aller-retour physique et artistique est bouclé – de l’Europe à l’Asie et inversement – et nous place devant un inévitable questionnement identitaire… [suite]

Estampe véronaise

Par Julia Cela
Sous la direction d’Omar Porras, Roméo et Juliette se pare des couleurs du pays du soleil levant. Une transposition légère à la plastique soignée qui adoucit le drame et fait entendre l’humour dans le texte de Shakespeare… [suite]

Shakespeare en kimono

Par Roberta Alberico
Au bal des Capulet, les acteurs nous tournent le dos et leurs masques nous font face : renversés à l’arrière de la tête, ils nous regardent avec leurs rictus tragicomiques de mort. A leur image, le spectacle se donne sous le signe de la dualité… [suite]

Erratiques

De Wolfram Höll / Mise en scène d’Armand Deladoëy / Le Poche / du 16 octobre au 5 novembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Mémoires meubles

Par Pierre-Paul Bianchi
Au Poche de Genève, Erratiques évoque les limites de l’image et du langage face à la mémoire, qui glisse avant qu’on n’ait pu la saisir. Le texte de Wolfram Höll, dans la mise en scène d’Armand Deladoëy, raconte comment c’est d’être un enfant face à de grands bouleversements… [suite]

Plongée dans les eaux troubles de l’enfance

Par Lucien Zuchuat
Dans une quête hallucinée et musicale, Wolfram Höll, jeune surdoué de la dramaturgie germanophone, rappelle par bribes une enfance berlinoise à la croisée de l’Est et de l’Ouest, des rêves de lumière et de la rudesse du béton. Au POCHE (GE), sous la direction satinée d’Armand Deladoëy, le texte se murmure dans la pénombre. Et c’est bouleversant… [suite]

Semelle au vent

Cie Jusqu’à m’y fondre / Texte de Mali Van Valenberg / Mise en scène d’Olivier Werner / Théâtre Les Halles à Sierre / du 11 au 15 octobre 2017/ Plus d’infos

Les critiques :

Un conte fait théâtre

Par Basile Seppey
« Semelle au vent », estampillé « dès 7 ans », ne présuppose aucune limite d’âge supérieure chez ses spectateurs : un spectacle dépourvu de date de péremption… [suite]

Le Petit Prince valaisan

Par Joanne Vaudroz
« Papa ! Dis-moi, dis-moi, dis-moi pourquoi les larmes coulent tièdes alors que le cœur est glacé ? Papa, Papaaaaa ! Dis-moi, dis-moi, est-ce que les œufs brouillés vont se réconcilier ?… 1,2,3 Soleil… » Mais Papa n’est plus. Johannes se retrouve seul avec toutes ces questions. Le goût amer de ce début d’histoire ne deviendra qu’un mauvais souvenir car c’est à ce moment-là que l’aventure commence … [suite]

Perdre le nord

Texte de Christiane Thébert / conception Claude Thébert / TPR – Théâtre Populaire Romand (Hors les murs) / La Chaux-de-Fonds / 21 juin 2017

Les critiques :

« Petit-Poucet rêveur, j’égrenais dans ma course / Des rimes »

Par Jehanne Denogent

Perdre le nord est une invitation à sortir des sentiers battus pour penser, rêver, questionner, imaginer la vie et ce que peut le théâtre. On s’attache à ces deux comédiens et on embarque pour un voyage poétique, qui a lieu ici et maintenant… [suite]

L’étourdi et les herbes folles

Par Laure-Elie Hoegen

Soit : les boussoles, les montres automatiques ou de luxe et les meubles immuables sont conçus pour nous soutenir dans notre quête d’orientation, de sens et d’ordre de vie dans le temps qui nous est inéluctablement imparti. C’est avec Lionel Brady et Claude Thébert que pourtant l’on s’octroie, en l’espace d’une soirée, la nécessaire liberté de guetter les herbes folles… [suite]

Interview

de Nicolas Truong, Nicolas Bouchaud et Judith Henry / Théâtre de Vidy / du 20 au 22 juin 2017 / plus d’infos

@C. Renaud Delage

Les critiques :

Le degré zéro de l’interview

Par Joanne Vaudroz

Les gens n’ont plus personne à qui parler dans ce monde où l’individu prime sur la collectivité, où l’égoïsme prime sur le partage. L’interview permet ce partage, ce besoin de s’exprimer sur soi face à quelqu’un qui vous écoute. Mais vous écoute-t-il vraiment ? Le reporter s’intéresse-t-il à vous pour vous-même ? Nicolas Truong, Nicolas Bouchaud et Judith Henry dévoilent les coulisses de l’exercice avec ses stratégies parfois perverses… [suite]

Very bat trip

Conception : Fabrice Melquiot / Réalisation : Eric Linder, Fabrice Melquiot et Pascal Moeschler / Théâtre Am Stram Gram – hors les murs dans le Bois de la Bâtie / du 8 au 11 juin / Plus d’infos

Les critiques :

Les ailes de l’espoir

Par Laure-Elie Hoegen

Tandis que les joggeurs invétérés et les promeneurs nocturnes peuplent le Bois de la Bâtie et se défont de leurs fureurs, nous sommes emmenés au bord du Rhône, le cœur palpitant de curiosité en quête de sensations fortes. Durant ces quelques nuits, on guette, le temps d’un spectacle, les chiroptères qui arpentent les arcades sous le Pont Butin, devenues le refuge éphémère d’une cérémonie envoûtante, comme un very bad trip… [suite]

Quitter la terre

Par la compagnie SNAUT / Texte et mise en scène Joël Maillard / Arsenic / Du 6 au 11 juin 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Guide pour sauver la Terre

Par Marek Chojecki

Comment sauver la Terre ? Une question brûlante dans le contexte actuel, à laquelle s’attaquent Joël Maillard et Joëlle Fontannaz. Explorant une solution controversée dans laquelle une partie de l’humanité doit Quitter la Terre, la compagnie SNAUT, dont le nom est un hommage à un personnage du roman Solaris écrit en 1961 par Stanislas Lem, relève le défi de faire de la science-fiction au théâtre… [suite]

Satire galactique

Par Josefa Terribilini

À la fois conférence flegmatique et drame science-fictionnel, Quitter la terre mélange les genres pour ébaucher un portrait de l’être humain risiblement touchant. Avec une nonchalance clownesque, Joël (Maillard) et Joëlle (Fontannaz) plongent dans l’imaginaire d’un vieux carton et en ressortent une question : expédiés en orbite dans une capsule spatiale, comment survivraient des hommes condamnés à vivre ensemble ?… [suite]

Still in paradise

Création de Yan Duyvendak et Omar Ghayatt / Théâtre de Vidy / du 6 au 10 juin 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Game, hate and paradise

Par Jehanne Denogent

Still in paradise est conçu comme un gigantesque jeu combinatoire et modulaire, multipliant les dimensions et les perspectives sur les thèmes de l’islamophobie et de la migration. Souplesse et ouverture : les spectateurs même deviennent mobiles… [suite]

Rencontres au souk

Par Artemisia Romano

Still in paradise créé par Yan Duyvendak, artiste néerlandais établi à Genève, et Omar Ghayatt, artiste égyptien vivant à Berne, est une rencontre qui émane de la nécessité urgente de se rapprocher de l’autre, de mieux se connaître et de faire dialoguer ces mondes que bien souvent tout oppose : l’Occident et le Moyen-Orient, l’inadéquation prétendument parfaite. Les deux artistes travaillent autour des multiples représentations de la différence culturelle, qu’elles soient individuelles ou collectives. Ils les entremêlent voire les entrechoquent…[suite]

You & Me

Par les Mummenschanz avec Floriana Frassetto, Christa Barrett, Kevin Blaser, Sara Hermann, Oliver Pfulg / Direction artistique : Eric Sauge / Théâtre du Jorat / du 30 mai au 4 juin / Plus d’infos

Les critiques :

Apparitions enfantines

Par Laure-Elie Hoegen

Le soleil rose déclinant sur le champêtre Théâtre du Jorat est un cadre idéal pour le retour des Mummenschanz, teinté cette fois de romantisme, sur le thème de la rencontre et des attirances entre le You et le Me. Le public, venu en nombre dans l’abyssal espace joratien, frissonne et attend – bouche en cœur – les instants féeriques bien connus des tuyaux plissés et autres hommes pieuvres. Mais les Mummenschanz ont-il, après quarante ans de tournée, conservé leur prestige ?… [suite]

Printemps des compagnies

Théâtre des Osses / du 19 au 21 mai et du 25 au 27 mai 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Un air de renouveau aux Osses

Par Laure-Elie Hoegen

Trois pièces en guise de perce-neige…de mai… [suite]

Mes albatros

Par Artemisia Romano

Le Printemps des compagnies accueille « Où on va, papa ?» une adaptation du texte tendre et poignant de l’écrivain Jean-Louis Fournier qui raconte l’histoire de Mathieu et Thomas, deux enfants différents, « deux petits oiseaux ébouriffés » qui roucoulent autrement… [suite]

La Cagnotte

De Eugène Labiche / Mise en scène Clémentine Colpin et Christian Geffroy Schlittler / L’Arsenic / du 17 au 21 mai 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Un vaudeville à l’Arsenic ?

Par Laura Weber

La Cagnotte présentée à l’Arsenic nous plonge dans la fiction d’un projet collectif qui ambitionnerait d’adapter un classique du théâtre vaudevillesque d’Eugène Labiche. Tous formés à la scène contemporaine, les acteurs et metteurs en scène prennent le parti d’aborder une pièce étrangère à leur répertoire habituel. Ce regard neuf propose une version inattendue et vivifiante, très éloignée de la comédie originale… [suite]

Le vaudeville à l’épreuve du contemporain

Par Artemisia Romano

Clémentine Colpin et Christian Geffroy Schlittler imaginent un collectif d’artistes contemporains cherchant à s’emparer des codes du vaudeville. Ils dessinent le portrait cocasse du monde scénique contemporain et de la profession de comédien. Genres classiques et contemporains se rencontrent et, plus encore, se confondent … [suite]

Chekhov’s First Play

D’après Platonov d’Anton Tchekhov / Par la compagnie Dead Centre / Théâtre de Vidy / Du 17 au 20 mai 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Être Platonov

Par Marek Chojecki

Prenez vos écouteurs, asseyez-vous, votre siège vous appartient, faites comme chez vous : c’est ainsi que la compagnie Dead Centre invite à explorer la première pièce d’Anton Tchekhov, Platonov, une oeuvre complexe, proposant de riches réflexions sur le théâtre et sur nous-mêmes. Mais pas d’inquiétude : le metteur en scène est là pour nous expliquer, en direct, cette pièce « bordélique »…[suite]

Entre carte blanche et carte d’identité

Par Laure-Elie Hoegen

Le Dead Center revisite Tchekhov à la manière d’un jus multi-vitaminé et il y a de quoi enchanter chaque palais ! La génération Y est portée aux nues avec un spectacle qui se passe tout près de vos oreilles, dans des casques audio, où s’égrènent les commentaires suivis du metteur en scène sur le spectacle – ce qui amusera également les fines bouches de la méta-théâtralité… [suite]

Ressacs

Création de la Cie Gare Centrale (BE) / Théâtre des Marionnettes de Genève / du 16 au 21 mai 2017 / Plus d’infos

©TMG

Les critiques :

La ronde des objets

Par Jehanne Denogent

Au Théâtre des Marionnettes, les objets prennent vie et embarquent un couple dans des aventures aux rebondissements invraisemblables. Fait de bric et de broc, de trucs et de stocks, de clichés et de second degré, l’univers de la Cie Gare Centrale a de quoi déconcerter !… [suite]

Après le Déluge

De Aurélia Lüscher, Bastien Semenzato, Céline Nidegger, Guillaume Cayet / Cie Superprod / Théâtre de l’Usine / du 11 au 17 mai 2017 / Plus d’Infos

©TU

Les critiques :

Le pouvoir de l’abstention ?

Par Artemisia Romano

Une catastrophe a eu lieu, le monde est en rupture : qu’adviendra-t-il ensuite, un instant à saisir pour expérimenter de nouveaux possibles autour du vivre ensemble ? A, B et C se retrouvent tous trois confinés dans un espace exigu. Mais ils ne sont pas totalement seuls : le public est là pour décider de leur sort… [suite]

Semer la confusion

Par Margot Prod’hom

C’est dans un dispositif technique original et compliqué que se déroule Après le déluge. Cette pièce, co-écrite par Aurélia Lüscher, Céline Nidegger, Bastien Semenzato et Guillaume Cayet déploie un univers dystopique et apocalyptique dont on ignore tout. La seule chose dont on est sûr, c’est qu’il faut voter. Mais on ne sait même pas pourquoi on vote. D’ailleurs nos votes ne semblent pas avoir d’impact sur le scénario puisque tout est prévu pour nous montrer que nos décisions ne changeront rien. Alors pourquoi voter ?… [suite]

Antoine et Cléopâtre

De Tiago Rodrigues d’après Wiliam Shakespeare / Mise en scène Tiago Rodrigues / TPR La Chaux-de-Fonds / les 12 et 13 mai 2017 / Plus d’infos

©Magda Bizarro

Les critiques :

Tiago et Cléopâtre

Par Basile Seppey

On pourrait croire que l’histoire d’Antoine et Cléopâtre ne peut donner lieu qu’à du sensationnel. Une de ces histoires d’amour agrémentées de complots, de trahisons et de suicides. Une histoire avec des Romains en jupettes rouges, sandales et rantanplan : force batailles navales et grands sentiments. Tiago Rodrigues, l’actuel directeur artistique du Théâtre National Dona Maria II à Lisbonne pose tout au contraire une œuvre dense et mesurée, qui tout en rejouant la tragédie de Shakespeare questionne avec audace les fondements mêmes du théâtre… [suite]

La Ligne

Direction artistique de Jean-Baptiste Roybon / Production de la Compagnie Kokodyniack / Théâtre Saint-Gervais / du 9 au 20 mai 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Émergence d’un « nous » genevois

Par Margot Prod’hom

Aller à la rencontre des êtres humains pour faire émerger l’Humain, c’est le pari de la Compagnie Kokodyniack. Sur un plateau mis à nu, les investigateurs de La Ligne restituent fidèlement les récits et témoignages individuels qu’ils ont récoltés le long d’un parcours tracé à la règle à travers Genève, du Salève au Jura. Jean-Baptiste Roybon, le directeur artistique, en allant à la rencontre de l’autre, fait survenir quelque chose comme une essence, comme un lien qui unit les habitants d’une ville, montrant ainsi que le tout est plus que la somme des parties. Genève, c’est avant tout une communauté humaine… [suite]

Personne(s) au bout de la ligne

Par Laure-Elie Hoegen

La rencontre entre le projet artistique et le public fut salutaire… ou plutôt : les rencontres furent salutaires ! Seize personnes, en approchant La Ligne, ont parlé de leurs traversées de vie et histoires personnelles. Comme si le mouvement fluide de leur quotidien avait été tout à coup percuté et qu’il fallait laisser une trace de ce heurt. Ici, au théâtre, on ne raccroche pas la ligne… [suite]

MDLSX

Compagnie Motus / Avec Silvia Calderoni / Théâtre de Vidy / du 9 mai au 13 mai 2017 / Plus d’infos

©Diane Ilarias

Les critiques :

Autour du corps

Par Artemisia Romano

Dans MDLSX, Silvia Calderoni nous ouvre à son intimité, à sa quête d’identité sexuelle dans une société où l’ambivalence des genres est son combat quotidien. Au travers de sa performance, elle dénonce avec engagement, humilité mais aussi révolte sa condition d’intersexué dans un monde hétéronormé et parvient à une réappropriation totale de son corps… [suite]

L’histoire d’un corps

Par Marek Chojecki

MDLSX, un titre intrigant. Que veut-il dire ? Que va-t-on voir ici ? Un mélange entre théâtre et performance, une combinaison dont on ne sait pas trop quoi attendre. Une incertitude conforme au sujet du spectacle qui traite d’un corps androgyne et pose la question de l’intersexuation. Seule sur scène, Silvia Calderoni y répond par une mise en scène originale et une histoire touchante… [suite]

Ça ira (1) Fin de Louis

De et mise en scène Joël Pommerat / Comédie de Genève (Bâtiment des Forces Motrices) / 02 au 03 mai 2017/ Plus d’infos

Les critiques :

Dans cinq ou dix ans, la réforme

Par Laure-Elie Hoegen

Quels sont ces canons qui retentissent par ces fraîches nuits de mai au cœur du Bâtiment des Forces Motrices ? La Révolution frappe aux portes et déstabilise le public genevois : l’auteur-metteur en scène Joël Pommerat et sa troupe présentent Ça ira (1) Fin de Louis et nous replongent dans les bas-fonds d’une Révolution que l’on pensait, à tort, exsangue… [suite]

Feu la mère de Madame et Les Boulingrin

La première de Georges Feydeau ; la seconde de Georges Courteline / Mise en scène de Jean Liermier / Théâtre de Carouge / du 02 mai au 21 mai 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Tempétueux vaudeville

Par Thomas Cordova

Un appartement en flammes, un chien qui hurle, le vin qui gicle, des claques qui partent : voilà la tourmente conjugale dans laquelle nous emmènent ces deux créations de début de siècle reprises aujourd’hui par Jean Liermier… [suite]

Les luttes intestines

Conception et mise en scène de Adrien Barazzone / Théâtre du Loup / du 29 avril au 14 mai 2017 / Plus d’infos

©Théâtre du Loup

Les critiques :

La philosophie dans l’assiette

Par Thomas Cordova

Etre ou ne pas être… en train de digérer ? Et Hamlet, l’œil torve, bras tendu, de lorgner non plus une tête de mort mais une belle assiette de porcelaine bleu turquoise – vide. Voilà peut-être ce que devrait être l’étiquette de la dramaturgie aujourd’hui. Et le bouleversement épistémologique ne s’arrête pas là. Au vu des récentes découvertes scientifiques, le cogito même est à refaire et la question posée : je mange donc je suis ?… [suite]

Les Hauts de Hurlevent

De Emily Brontë / Mise en scène Camille Giacobino / Cie Opus Luna Cie / Théâtre du Grütli / du 25 avril au 14 mai 2017 / Plus d’infos

©Théâtre du Grütli

Les critiques :

Passion et vengeance

Par Nadia Hachemi

Les fantômes de Heathcliff et Catherine, couple maudit des Hauts de Hurlevent, hantent en ce moment le théâtre du Grütli. Invoqué avec talent par Camille Giacobino, leur drame se rejoue sous nos yeux dans une mise en scène qui actualise le roman d’Emily Brontë tout en demeurant fidèle à son esprit… [suite]

2h14

De David Paquet / Mise en scène par François Marin / Théâtre des Osses, Fribourg / du 27 avril au 7 mai 2017 / Plus d’infos

©Mercedes Reidy

Les critiques :

Si j’avais su …

Par Céline Conus

Une farandole de personnages danse devant nos yeux, arrivant et quittant la scène sur des musiques qui leur ressemblent, ou ressemblent à la situation qui est la leur. Il y a la mère, accablée par une tristesse qui la rend presque folle, le professeur de lycée au bord du burnout, qui a perdu et le goût de vivre et le goût tout court, ainsi que quatre adolescents, traversant tous cet âge délicat à leur façon. C’est le petit monde de 2h14, de l’auteur canadien David Paquet… [suite]

Le Zoophile

D’Antoine Jaccoud / Mise en scène d’Émilie Charriot / du 26 avril au 3 mai 2017 / Théâtre de Vidy / Plus d’infos

Les critiques :

Ode à la fange

Par Josefa Terribilini

« L’amour des bêtes, il est dans l’sang, pour certains d’entre nous », répète la voix profonde de Jean-Yves Ruf. Cet amour, la nouvelle pièce d’Antoine Jaccoud et d’Émilie Charriot (créée à l’occasion du petit festival « Être bête(s) » de Vidy) nous le fait partager ; comme un monolithe entre trois murs noirs, un personnage nous adresse avec une tendresse sobre les souvenirs d’une vie avec les bêtes qu’il ne connaîtra plus. Son monde n’est pas le nôtre, ou du moins pas encore. Chez lui, les être humains sont seuls et les animaux sont tous partis. Enfin, presque… [suite]

L’homme à la peluche

Par Laure-Elie Hoegen

L’« Adieu aux bêtes », monologue d’Antoine Jaccoud publié en avril 2017, entre dans l’arène publique du Théâtre de Vidy du 26 avril au 03 mai. La pièce est mise en scène par Emilie Charriot dans le cadre du festival « être bête(s) » sous le titre « Le Zoophile ». La crainte d’un énième débat sur le véganisme s’estompe très vite et laisse place à une fiction dont le sujet touche plus profondément la question des relations entre hommes et bêtes : quid de l’Histoire de l’homme sans celle de la bête à ses côtés ?… [suite]

Mon chien-dieu

Texte de Douna Loup / Mise en scène de Joan Mompart / Co-production: Llum théâtre, Le Petit théâtre, L’Arsenic et le Théâtre Am Stram Gram / Le Petit théâtre / du 25 au 30 avril 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Espaces imaginaires

ParLaura Weber

Après Ventrosoleil (2014), Douna Loup et Joan Mompart s’allient une nouvelle fois afin de créer une pièce pour la jeunesse, Mon chien-dieu, au Petit théâtre et à l’Arsenic. Une mise en scène éthérée, faisant la part belle à l’imaginaire, met en valeur cette pièce capable de toucher une large audience, pourvu que celle-ci accepte un instant, non pas de s’abaisser, mais de s’élever au regard de l’enfant… [suite]

Les mots bleus

Par Céline Conus

Se souvient-on, adulte, de tous ces moments où notre esprit est parti chercher des réponses ailleurs que dans la vie réelle, ailleurs que dans la bouche des grandes personnes qui parfois ne savent pas expliquer ? Deux enfants perdus dans le grand bleu de leur imagination stimulée par l’ennui, au cours d’un été où il ne se passe rien. Une aventure qui se dessine au fur et à mesure d’un voyage qui se veut initiatique. Combien existe-t-il de façons d’apprendre la vie ?… [suite]

Tilt, can we start again ?

Création Cie Klangbox, concept Pascal Viglino / Le Petithéâtre de Sion / du 20 au 30 avril 2017 / Plus d’Infos

Les critiques :

Les pots cassés

Par Valmir Rexhepi

Tilt est un spectacle-expérience qui… recommençons. Dans le noir, sous des lumières crépusculaires, se détachent les choses et les chairs ; comme une ambiance de Caravage, Tilt va… reprenons. Des tintements, des éclats de son et de lumière, des mots en spirale pour un spectacle pluriel, Tilt nous invite… attendez, il nous faut reprendre. Encore. Pourquoi ?… [suite]

Tilt ou la mayonnaise

Par Basile Seppey

Je connais un petit tour bien utile si, au sortir d’un théâtre, l’on vous assiège, cherchant, avides d’avis, à vous extirper une quelconque sentence sur ce que vous venez de voir : il suffit, suivant l’humeur, de répondre simplement : « ça m’a (pas, assez, beaucoup) parlé ». Vous faites ainsi comprendre à l’assaillant qu’il y a de toute façon toujours une part d’inexplicable ou d’intime à respecter chez un spectateur. C’est précisément ce qui nous porte intimement vers tel ou tel spectacle que les créateurs de Tilt, can we start again ? semblent avoir choisi d’explorer… [suite]

Festival Fécule 2017

Festival Fécule 2017 / du 24 avril au 6 mai 2017 / Grange de Dorigny / Plus d’infos

©Fécule

Les critiques :

Mouvements : Voyage au bout du rêve

Par Ivan Garcia

Dans ce foyer de la Grange de Dorigny plus que rempli, un voyage se prépare. C’est dans une ambiance onirique et conviviale que les comédiens et comédiennes de Mouvements vont nous faire traverser le monde en quête d’un secret bien gardé. Est-ce un rêve ? Est-ce une autre facette de la réalité ? Pour le savoir, il faut se laisser entraîner dans le mouvement des danses, des histoires et des musiques… [suite]

L’écharde : convaincre par l’art

Par Marek Chojecki

Un attentat ! Et il a eu lieu ici, près de chez nous ! L’écharde touche des problématiques actuelles liées aux médias, à la différence entre l’information et la vérité, à la médiatisation des attentats terroristes ou encore à l’éthique journalistique. Des sujets complexes et osés sous la plume d’Amina Gudzevic, étudiante à l’Université de Lausanne, présentés par la troupe non-professionnelle Avant-Garde pour le Festival des cultures universitaires, le Fécule… [suite]

Mourir, dormir, rêver peut-être

De Denis Maillefer et le Théâtre en flammes (CH) / Arsenic / du 25 avril au 2 mai 2017 / Plus d’infos

@ Virginie Otth

Les critiques :

Revenir à la vie

Par Margot Prod’hom

Mardi 25 avril, l’Arsenic présentait la nouvelle création de Denis Maillefer, en coproduction avec le Théâtre en flammes. Selon sa pratique artistique habituelle, le metteur en scène donne la parole à l’humain, à ce qui fait de chacun de nous des êtres profondément humains, fragiles et sensibles : la mémoire, l’affectivité, les rencontres, le quotidien. En amenant la mort – ce tabou que l’on tient à distance – sur la scène, ce sont en fait les coulisses de nos propres vies qui nous apparaissent. Faire face à la mort, c’est faire honneur à la vie… [suite]

Comme nous

Par Jérémy Berthoud

Autour de deux corps, quatre croque-morts s’installent et témoignent de leur expérience avec la mort mais aussi – et surtout – avec la vie, abordant avec simplicité, émotion et sincérité ce point de passage que nous finirons tous par franchir… [suite]

Où en est la nuit ?

Mise en scène de Guillaume Béguin / Par la Compagnie de nuit comme de jour / La Comédie / du 04 avril au 9 avril 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

La nuit tombe sur l’Écosse

Par Marek Chojecki

« Le noir est clair » disent les sorcières de Macbeth. Où en est la nuit ? de Guillaume Béguin propose une adaptation libre de Macbeth de Shakespeare dans laquelle le metteur en scène nous invite à regarder le noir pour réussir à y voir un peu plus clair. Mais il arrive aussi que le noir reste noir… [suite]

Etudes hérétiques 1-7

Concept Antonija Livingstone et Nadia Lauro / Arsenic / du 31 mars au 1^er avril 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Abus de langage

Par Margot Prod’hom

La création d’Antonija Livingstone et de Nadia Lauro pour le Théâtre Garonne actuellement présentée à l’Arsenic pourrait se définir plus aisément par ce qu’elle n’est pas : ce n’est ni une danse, ni une pièce de théâtre à personnages, à intrigue, et à texte, ni une composition esthétique. C’est une performance, dit-on. Une performance de quoi ? Difficile de répondre à cette question. Une chose est sûre : ce sont les spectateurs qui réalisent une performance s’ils parviennent à rester dans la salle jusqu’à la fin de ce non-spectacle… [suite]

Salle d’attente

Par Laure-Elie Hoegen

Sus à la paresse! Les deux soirées dédiées à la pièce Études hérétiques 1-7, du 31 mars au 1er avril 2017, transforment la grande salle de l’Arsenic – Centre d’Art scénique contemporain – en un espace auto-créé et actif où le spectateur est amené à produire lui-même son spectacle. L’attente d‘un début ou d’une histoire n’est ici d’aucun secours…. [suite]

Ombres sur Molière

Texte et mise en scène Dominique Ziegler / La Compagnie Les Associés de l’Ombre / Théâtre La Grange de Dorigny / du 23 au 26 mars 2017 / Plus d’infos

©David Deppierraz

Les critiques :

Molière pris en otage par Tartuffe

Par Joanne Vaudroz

Molière chatouille les hommes d’Eglise en écrivant Tartuffe. Le faux dévot questionne dans son essence même l’intégrité religieuse et dérange le milieu ecclésiastique. Si cet imposteur nous est aussi bien connu aujourd’hui que son auteur ainsi que l’ « affaire » qui tourne autour de la création de cette pièce, c’est qu’il nous est peut-être impossible de dissocier le personnage des retentissements qu’il eut sur son créateur. C’est pourquoi l’écrivain, dramaturge et metteur en scène genevois Dominique Ziegler et la compagnie « Les Associés de l’Ombre » questionnent sur scène l’impact de Tartuffe sur son père, Molière… [suite]

Hamster Lacrymal

De Pierre Isaïe Duc et la Cie Corsaire Sanglot / TLH, Sierre / Du 30 mars au 9 avril 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Ce hamster qui ne veut pas se taire

Par Kendra Simons

Dans un spectacle absurde et touchant, la Cie Corsaire Sanglot met la pensée sur scène. L’ingrédient magique en est la poésie sonore, marque de fabrique de cette compagnie, qui sera résidente au TLH pour les trois ans à venir… [suite]

Polyphonie cérébrale

Par Artemisia Romano

Mettre en scène la pensée et rendre compte de ces multiples voix intérieures qui nous habitent au quotidien : tel est le pari lancé par Pierre Isaïe Duc et la Cie Corsaire Sanglot dans Hamster Lacrymal, présenté en première au Théâtre Les Halles à Sierre… [suite]

Le Bal des voleurs

De Jean Anouilh / Mise en scène Robert Sandoz / Théâtre Nuithonie / du 23 au 24 mars 2017 / Plus d’infos

©Guillaume Perret

Les critiques :

Bas les masques !

Par Alicia Cuche

Dans cette proposition scénique déjantée de la comédie-ballet de Jean Anouilh, des voleurs trompent la confiance de leurs hôtes afin d’obtenir les trésors tant convoités… Mais au fait, au bal des voleurs, qui trompe qui ? Entre apparences, jeux de dupes, intrigues et passions, la vérité ne se révèle qu’à demi-mots… [suite]

Les Molière de Vitez : L’Ecole des femmes

De Molière / Mise en scène de Gwenaël Morin / Les Moliere de Vitez / Par le Théâtre Permanent / Théâtre Saint-Gervais / du 14 au 25 mars 2017 / Plus d’infos

©Pierre Grosbois

Les critiques :

On vocifère avec Molière

Par Margot Prod’hom

Il fallait oser : Gwenaël Morin remet en scène les quatre pièces de Molière que Vitez avait mises en scène en 1978, en les dépouillant jusqu’à ce qu’il ne reste que le texte. Parmi elles L’Ecole des femmes, premier spectacle de la tétralogie. Le Théâtre Permanent veut proposer un autre théâtre, à travers l’exagération. Une exagération qui implique aussi le risque, lorsqu’elle est poussée à l’extrême, de dépasser les limites, et de créer un sentiment de surfait… [suite]

Faust

De Johann Wolfgang von Goethe / Mise en scène par Darius Peyamiras / La Grange de Dorigny / du 16 au 19 mars 2017 / Plus d’infos

©Théâtre de l’Usine

Les critiques :

Le diable s’habille en ….

Par Céline Conus

« Là c’est fini. Comment interpréter tout cela ? ». Les derniers mots de Méphistophélès résonnent encore. La question se pose en effet après qu’on a assisté à ce Faust qui tisse décidément de nombreux liens avec notre présent. La mise en scène de Darius Peyamiras cherche à nous rappeler à quel point Faust nous concerne toujours aujourd’hui : œuvre ouverte au temps qui passe, sa signification et sa portée traversent les époques… [suite]

« Le Diable est donc un égoïste »

Par Alicia Cuche

Le Faust de Darius Peyamiras met en avant non seulement la déchéance du savant tourmenté mais également le destin des femmes qui peuplent la pièce de Goethe. La soif de connaissance et d’expériences est présentée dans cette mise en scène comme recherche des plaisirs de la chair… [suite]

FIRE OF EMOTIONS : THE ABYSS

De Pamina de Coulon / Théâtre de l’Usine / du 16 au 22 mars 2017 / Plus d’infos

©Théâtre de l’Usine

Les critiques :

Emancipation linguistico-réflexive

Par Margot Prod’hom

Entre performance vocale, linguistique et réflexive, le spectacle de Pamina de Coulon nous emporte dans les méandres d’une pensée non-commune, décalée qui pourtant nous touche par sa très fine perspicacité et sa tonalité optimiste. Sur le plateau, ce sont les mots qui agissent, performent, nous affectent ou nous font rire… [suite]

Manifeste pour une pensée ouverte

Par Artemisia Romano

« Le meilleur conseil que je puisse vous donner est vraiment, simplement, de me faire confiance. On va finir par retomber les quatre pattes sur la terre ferme, je vous en fais la promesse » : promesse dûment tenue par Pamina de Coulon, dans la performance The Abyss , deuxième volet de Fire of Emotions (après Genesis en 2014), présenté pour la première fois au Théâtre de l’Usine à Genève… [suite]

Amour et Psyché

D’après Molière / Mise en scène Omar Porras / Teatro Malandro / TKM – Théâtre Kléber-Méleau / du 14 mars au 9 avril 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Retour au mythe

Par Margot Prod’hom

Mardi 14 mars, c’est devant une salle comble que se levait le rideau sur la première création lausannoise du Teatro Malandro depuis qu’Omar Porras a repris la direction du TKM-Théâtre Kléber-Méleau. Du jeu d’acteur au dispositif scénique, en passant par l’éclairage et la pyrotechnie, Amour et Psyché nous ramène au mythe, et dévoile simultanément à nos yeux l’envers du décor, la machinerie humaine et technique qui donne vie au théâtre. Du mythe de Psyché au mythe du théâtre, sur un mode dionysiaque… [suite]

L’équilibre des surprises

Par Marek Chojecki

Un vrai travail d’équilibriste. La dernière création du Teatro Malandro propose la relecture d’une tragédie-ballet de Molière, Amour et Psyché, en cherchant à rendre accessible en 2017 ce texte peu connu qui fut représenté en 1671. Un dispositif scénique dont on peut voir les machineries, ouvert à la vue de tous, et pourtant plein de surprises… [suite]

Goupil

Par Les Compagnons de Pierre Ménard / Mise en scène de Nicolas Fagart / le Petit Théâtre / du 8 au 11 mars 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Rossons Renart en LSF

Par Josefa Terribilini

Au Petit Théâtre, Les Compagnons de Pierre Ménard nous offrent une réécriture multiforme et poétique du Roman de Renart. Violoncelliste chevelu à gauche, conteur virtuose à droite et duo de mimes au centre, chaque membre du quatuor se conjugue à la perfection sur la scène nue pour raconter cette histoire. Qui que l’on soit, on rit, on rêve, on imagine, et tout cela grâce à quelques notes et quelques gestes qui composent une langue complexe et simple à la fois… [suite]

Profite bien de ta ruse…

Par Jérémy Berthoud

Rejouer les aventures du Roman de Renart en mimes et en langue des signes est un pari audacieux. C’est pourtant sans peur mais avec une précision sans faille que s’y sont attelés les Compagnons de Pierre Ménard… [suite]

Sekunden später

De Nicole Seiler / Chorégraphie Nicole Seiler / Cie Nicole Seiler / L’Arsenic / du 7 au 12 mars 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

L’ombre et son contraire

Par Ivan Garcia

Sekunden später, ou Quelques secondes plus tard, si l’on traduisait, met en place une fantasmagorie de paroles, musiques et mouvements qui emmènent le spectateur au pays des ombres et de l’éphémère. Par ce spectacle sensible au premier sens du mot, Nicole Seiler fait appel au pouvoir de l’évocation pour donner vie à l’imaginaire des spectateurs… [suite]

Grange 25 = Art + Unil

Mise en scène générale Benjamin Knobil et Ludovic Chazaud / Projet et concept Ludovic Chazaud, Lise Michel, Marika Buffat, Dominique Hauser / Théâtre La Grange de Dorigny / du 2 au 4 mars 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Plein la vue

Par Marek Chojecki

19 spectacles de 10 minutes, dont 4 sont joués simultanément sur 4 scènes différentes, 5 minutes de pause entre les 2 fois 5 sessions présentées, et une collaboration entre des chercheurs de l’UNIL et des metteurs en scène. Ce n’est pas l’énoncé d’un calcul de maths, mais la formule des vingt-cinq ans de la Grange de Dorigny. Dense ? Oui ! Riche ? Oui ! Compliqué ? Finalement, pas tant que ça… [suite]

D’autres

De Tiphanie Bovay-Klameth et Alexis Rime / Mise en scène par Tiphanie Bovay-Klameth et Alain Borek / Compagnie TBK / Théâtre 2.21 / du 28 février au 12 mars 2017 / Plus d’infos

©atelierobscur

Les critiques :

Tout en douceur…

Par Jérémy Berthoud

Tendresse. Voilà un mot parmi d’autres pour qualifier D’autres où, seule en scène, Tiphanie Bovay-Klameth interprète différents personnages directement inspirés de son entourage… [suite]

« Je est un autre »

Par Ivan Garcia

Seule sur scène, la comédienne Tiphanie Bovay-Klameth fait vivre les « Autres ». Du pasteur typique de paroisse à la jeune marraine dévouée en passant par la coach de gym, elle nous fait remémorer des personnes qui ont probablement marqué notre vie et peut-être même la sienne… [suite]

38 séquences

De Marie Fourquet / Mise en scène Marie Fourquet / Cie Ad-apte / Le Reflet Théâtre de Vevey / du 3 au 5 mars 2017 / Plus d’infos

® Delphine Schacher

Les critiques :

Petit exercice de bovarysme

Par Nadia Hachemi

En ce moment au Reflet, Maria Bernasconi, figure de « la ménagère fribourgeoise de 52 ans », est au centre des préoccupations des six scénaristes sur la scène. Les auteurs de la rts la prennent pour cible d’une série télévisée en train de s’écrire sous nos yeux et ne lésinent sur aucun moyen pour la faire pleurer. L’objectif ? L’amener à « bovaryser devant sa télé» nous expliquent-ils. Un spectacle léger et égayant duquel se dégage en filigrane une critique badine de notre société connectée… [suite]

Rêve et folie

De Georg Trakl / Mise en scène de Claude Régy / Théâtre de Vidy / du 28 février au 4 mars 2017 / Plus d’infos

®Pascal Victor

Les critiques :

Cinquante nuances de sombre

Par Jérémy Berthoud, Céline Conus, Thomas Cordova, Jehanne Denogent, Ivan Garcia, Margot Prod’hom, Artemisia Romano, Basile Seppey, Joanne Vaudroz

Le texte qui suit est issu d’un exercice guidé de critique créative sur le spectacle de Claude Régy. Il est composé d’une sélection d’extraits de neuf propositions… [suite]

La petite casserole d’Anatole

D’après l’album d’Isabelle Carrier, adaptation et mise en scène par Cyrille Louge, conception des marionnettes par Francesca Testi / Le Reflet, théâtre de Vevey / 12 février 2017 / Plus d’infos

®Cyrille Louge

Les critiques :

Et toi, ta casserole ?

Par Kendra Simons

Avec ses marionnettes, dans un langage imagé, ce spectacle raconte l’histoire d’un petit garçon bien embêté par sa casserole. A travers le parcours d’Anatole, c’est aussi une question qui est posée au jeune public : et toi, qu’est-ce que tu as dans ta casserole ? A la fois drôle et féérique… [suite]

Pachinko

Création Aurélien Patouillard / Cie Zooscope (CH) / du 14 au 18 février 2017 / Arsenic / Plus d’infos

Les critiques :

Jeu de billes

Par Jehanne Denogent

À l’Arsenic, la cie Zooscope propose un jeu au fonctionnement simple. Il suffit d’oublier les règles et de laisser son imagination flotter. Une expérience pour des yeux et des esprits curieux !… [suite]

Partir !

Par Nadia Hachemi

« Tout le monde a le droit de prendre part au monde». Certes, mais tout le monde en a-t-il vraiment envie ? En ce moment, à l’Arsenic, la tension entre notre besoin de reconnaissance, d’amour et nos désirs de départ, de fuite et de repli sur soi est sous les projecteurs. Entre notre soif d’union et de séparation, que choisir ?… [suite]

Genesis

de et par Jean-Michel Potiron / Compagnie théâtre à tout prix / La Grange de Dorigny / du 2 au 4 février 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Si proches et si loin

Par Jérémy Berthoud

Dans le cadre intime d’une loge de la Grange de Dorigny, Jean-Michel Potiron convie son public pour un spectacle autour de ses projets de mise en scène. Quand théâtralité et convivialité cohabitent avec difficulté… [suite]

Le théâtre est un oiseau rebelle

Par Fanny Utiger

Dans un théâtre, mais pas dans une salle ; face à un artiste, mais qui ne joue que son propre rôle ; avec Pasolini ou Bernhard, mais avec peu de leurs mots seulement… Genesis est une pièce qui feint de ne pas l’être, sans prendre complètement le spectateur dans la supercherie, car le quatrième mur ne s’écroule jamais vraiment… [suite]

Il le faut. Je le veux.

de Valerio Scamuffa / Cie Lascam / Arsenic / du 31 janvier 2017 au 04 février 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Tu raisonnes ou tu t’émotionnes ?

Par Kendra Simons

On a tous un proverbe, caché quelque part, auquel on s’accroche et qui est censé nous guider vers le bonheur. Seulement voilà, il y a comme un léger décalage entre ce proverbe et… la vie. La création de la Cie Lascam expérimente ce décalage entre mots d’ordre et vie, entre raison et ressenti… [suite]

Ecume

Par Valmir Rexhepi

Valério Scamuffa nous invite dans une réflexion sur la quête du bonheur et l’absurdité de cette quête. On entre doucement, et puis, comme pour souligner l’instabilité de la réflexion, on se perd. Peut-être trop ?… [suite]

Gala

De Jérôme Bel / Théâtre de Vidy / du 31 janvier au 3 février 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Tous à la même enseigne

Par Fanny Utiger

Au théâtre de Vidy, Jérôme Bel réunit sur scène des danseurs du quotidien ou du dimanche qui, avec un cran remarquable, livrent un spectacle qui touche autant qu’il enthousiasme. Gala a beau faire jaser nombre de balletomanes, on retrouve dans ce cadre bienveillant une certaine pureté de la danse, qui n’a que faire de l’excellence du mouvement ou de la beauté des corps… [suite]

Le gala pour tous !

Par Jonathan Hofer

Danser pour soi, danser pour les autres, avec les autres. S’approprier la musique, dans son corps entier, la faire sienne. Tout un chacun possède sa propre façon de s’exprimer à travers la danse. C’est ce tout, cette multiplicité universelle que Jérôme Bel cherche à questionner et affirmer dans sa création Gala… [suite]

Sans Partir

de Julien Mages / Cie Julien Mages / Arsenic / du 19 au 29 janvier 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Délire schizophrénique en musique

Par Kendra Simons

Julien Mages présente sa nouvelle création à l’Arsenic : un monologue poétique qui dessine, en mots et en musique, l’errance – et la désespérance – d’un fou à travers la ville de Lausanne… [suite]

Mesure pour mesure

de William Shakespeare / mise en scène Karim Bel Kacem / Théâtre de Vidy / du 18 au 26 janvier 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Je vois tout, je sais tout

Par Alicia Cuche

Big Brother a investi Shakespeare : murs transparents, vidéo-surveillance, personnages espionnés et mis sur écoute. Le public voit sans être vu, entend sans être entendu. On devient témoins et jury. Et pourtant un seul point de vue est permis : prison, ou bureau du pouvoir ?… [suite]

Qui veut aller en prison ?

Par Céline Conus

Assister à une pièce de Shakespeare aujourd’hui, dans une mise en scène qu’on sait ne pas être « classique », c’est remettre encore une fois sur le tapis la question de l’actualisation. La mise en scène doit-elle actualiser les pièces ? Est-ce son rôle ? Comment doit-elle s’y prendre ? Karim Bel Kacem, au Théâtre de Vidy, explore divers moyens pour proposer une réflexion sur le pouvoir d’aujourd’hui tout en gardant sans cesse la pièce de Shakespeare au centre de ses préoccupations. Une véritable expérience, qui réconciliera certains spectateurs avec le théâtre contemporain… [suite]

Tokaïdo

Tokaïdo / de Fred Mudry et Pierre Mifsud / Petithéâtre de Sion / du 12 au 22 janvier 2017 / Plus d’infos

©Michael Abbet

Les critiques :

Un Japon

Par Basile Seppey

Le Japon est toujours plus ou moins à la mode. Il bénéficie d’un statut étrange, celui d’autre, de différent, de dépaysant mais sans jamais devenir inconfortable. Comme un envers d’ici, mais pas complètement. Des grandes villes aussi, mais des baguettes. Des vieux villages dans les montagnes, mais des bambous. Fred Mudry et Pierre Mifsud nous entrainent dans leur Japon, celui où ils n’ont jamais été…[suite]

Et jamais nous ne serons séparés

de Jon Fosse / mise en scène Andrea Novicov / Cie Angledange / du 12 au 21 janvier 2017 / Théâtre de La Grange de Dorigny / Plus d’infos

Les critiques :

Les objets du désir

Par Josefa Terribilini

Avec Et jamais nous ne serons séparés, c’est une soirée « tout à fait ordinaire » que nous fait vivre la compagnie Angledange. Une femme qui s’ennuie et son mari adultère. C’est du moins ce qu’il semble… Simultanément présents sur la scène et pourtant si déconnectés, les personnages sont déroutants et les époques paraissent s’entrechoquer. Donnant vie avec agilité à cette tragi-comédie beckettienne de Jon Fosse, Andrea Novicov nous fait passer du gloussement au cafard dans l’indifférence rassurante des meubles d’un salon rose orangé…[suite]

Inquiétantes solitudes

Par Ivan Garcia

La solitude, nouveau mal du (XXI^e) siècle ! Première pièce du Norvégien Jon Fosse, Et jamais nous ne serons séparés embarque le spectateur dans une tragédie psychologique sombre et angoissante. C’est à huis clos, dans une situation a priori banale, l’attente, qu’Andrea Novicov nous fait sentir à quel point la frontière entre réalité et imaginaire n’est pas si étanche et claire que cela…[suite]

PÅG – Morning wood

création et mise en scène Christian Denisart / Compagnie Les Voyages Extraordinaires / du 10 au 15 janvier 2017 / Théâtre 2.21 / Plus d’infos

©Théâtre 2.21. Droits réservés

Les critiques :

Gravlax

Par Laura Weber

Vous ne connaissez pas Påg ?! Ce groupe suédois pourtant incontournable des années 80 ? Il n’est pas trop tard, le quatuor remonte sur scène, pour la sortie de leur dernier album Morning Wood et ils ont décidé d’entamer leur nouvelle tournée à Lausanne, au 2.21…[suite]

ABBA déchante

Par Sarah Simon

Après un accident septentrional qui leur a valu d’être bloqués dans la glace pendant dix-neuf ans, quatre sex-symbols des années 80 reviennent enfin ravir nos oreilles de leurs harmonies. Le présumé groupe suédois PÅG lance la tournée de son nouvel album « Morning Wood » avec plusieurs dates à Lausanne. Preben, Morten, Tåg et Bra sont à rencontrer au Théâtre 2.21 du 10 au 15 janvier 2017... [suite]

J’appelle mes frères

de Jonas Hassen Khemiri / mise en scène de Michèle Pralong / Le Poche (Genève) / du 9 au 29 janvier 2017 / Plus d’infos

©Samuel Rubio

Les critiques :

L’étranger

Par Thomas Cordova

Est-ce que c’est lourd, une tête à porter ? Oui, si c’est celle qu’il ne faudrait surtout pas porter. La tête du coupable. La pièce de Jonas Hassen Khemiri est centrée sur ces visages qu’un contexte de tension, un mouvement de pensée ou une attitude sociale vont mettre au banc des accusés. La mise en scène de Michèle Pralong rend sensible le climat de guerre qui exacerbe les suspicions … [suite]

Cette année, l’avenir est en avance

De Robert Sandoz / Mise en scène de Aude Bourrier et Carole Schafroth / Théâtre Am Stram Gram / du 16 au 18 décembre 2016 / Plus d’infos

©Am Stram Gram

Les critiques :

Et si c’était possible

Par Thomas Cordova

En tant que parents un tant soit peu préoccupés par l’éducation de votre progéniture, vous avez bien dû, un jour, vous demander comment lui expliquer l’astrophysique nucléaire et la relativité générale. « Comment faire comprendre, à ces chères têtes blondes, l’incomparable immensité du multivers des potentialités ? » Voilà une préoccupation toute normale, un tracas, hélas, bien commun… Une des solutions est de voir comment Robert Sandoz s’y prend pour vous le montrer et ça se passe sur scène… [suite]

En manque

Création de Vincent Macaigne / Théâtre de Vidy / du 13 au 21 décembre 2016 / Plus d’Infos

Les critiques :

L’agression des néons

Par Jehanne Denogent

Au Théâtre de Vidy, Vincent Macaigne nous parle du sentiment de manque, presque physique, lié à l’absence et à la mélancolie. Le corps du spectateur est lui aussi mis à rude épreuve par cette performance, qui laisse un sentiment de colère… [suite]

Passés à tabac

Par Josefa Terribilini

« Pourquoi tout ce fracas ? ». La voix cristalline de la fillette résonne de son innocence au milieu d’un plateau désormais dévasté. Ce fracas, elle l’a vu mais elle ne le comprend pas, parce qu’il est difficile de comprendre. En manque est une anarchie à tous les niveaux, sous toutes ses formes. Détruire tout. Mais pourquoi ? Pour trouver de l’amour vivant, même s’il doit être violent, même s’il ne pourra peut-être jamais être libre. Se battre pour la vie : tel semble être le propos fort de cette performance choc qui ne professe rien et ravage tout, y compris nous… [suite]

Miss Poppins

The Divine Company / adaptation et mise en scène Stefania Pinnelli / Le Petit Théâtre / du 7 au 31 décembre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

« Tout se transforme ! »

Par Céline Conus

Un tour de parapluie et la voilà à Lausanne, en 2016 ! La fantastique nounou aide un père et sa fille à « regarder les choses autrement », surmontant ainsi petits soucis et grandes peines, à l’aide de chansons, de danses et surtout de nombreux tours de magie entre apparitions, disparitions, multiplications, jonglage et étincelles. Le tout est plein d’enseignements et l’escale en vieille ville vaut le détour… [suite]

Le champ des possibles

Par Alice Moraz

Magique ! C’est bien l’impression que laisse Miss Poppins, spectacle basé sur le livre de Pamela Lyndon Travers et adapté par The Divine Company. Les comédiens se jouent des difficultés techniques et donnent à voir une version enchanteresse de la célèbre histoire… [suite]

Dada ou le décrassage des idées reçues

Mise en scène et montage de Geneviève Pasquier / Théâtre des Osses / du 8 au 23 décembre + 31 décembre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

Le bon débarras

Par Josefa Terribilini

Dada ou le décrassage des idées reçues, c’est la démonstration qu’on peut faire une pièce de théâtre de trois bouts de ficelles et deux bouts de carton. Littéralement. Et puis, il faut aussi des acteurs pour les éparpiller, les démonter et les remonter, les découper et les recoller. Ces acteurs, ils sont trois et vous verrez, à la fin, vous les applaudirez… [suite]

Ne cherchez pas à comprendre

Par Alicia Cuche

Au Centre dramatique fribourgeois – Théâtre des Osses, Dada ou le décrassage des idées reçues amène sur scène le mouvement dada dans toute sa créativité. Geneviève Pasquier est allée puiser dans les textes de divers auteurs, notamment Hugo Ball, André Breton, Francis Picabia, ou Guillaume Apollinaire. Le résultat est un spectacle riche en idées et facilement accessible, dont l’on revient avec des questionnements plein la tête. Un joli voyage d’une heure quinze… [suite]

Cercle

De Alexandre Chollier / Mise en scène de Jean-Louis Johannides / Théâtre du Loup, Genève / du 07 au 18 décembre 2017 / Plus d’infos

Les critiques :

Une histoire de globe

Par Thomas Cordova

Voir une carte, avouez-le, c’est toujours assez étonnant. Mais non, pas Google Maps… Je vous parle de ces cartes qui respirent un air poussiéreux. De celles qui vous donnent envie d’habiter les régions qu’elles montrent d’une façon assez particulière. Une façon bien à elles qui convoque notre esprit et le pousse à faire le voyage. Et nous voilà investissant ces lignes, ces tracés, de toute notre imagination… [suite]

Combat

Performance de Sonia Rickli Performance Company / Théâtre les Halles à Sierre / du 8 au 18 décembre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

Un déplacement avantageux

Par Basile Seppey

J’étais finalement bien content de m’être déplacé jusqu’à Sierre pour ce spectacle. Je l’avoue, au début, j’étais un poil tiède à l’idée de voir quelque chose sur le patois et les modzons. Le mot « performance », dans le programme me rassurant un petit peu, je décidai de risquer le voyage. Et bien m’en a pris, figurez-vous, parce que oui, il y avait du patois, mais pas que… [suite]

La conquête de l’inutile

Mise en scène de Oscar Gómez Mata / Cie Alakran / Arsenic / du 7 au 11 décembre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

Débauche

Par Valmir Rexhepi

Oscar Gómez Mata et la compagnie Alakran nous amènent aux portes de l’inutile, là où le sens semble s’être enfui mais où paradoxalement il est le plus présent. Enthousiaste, bruyant et brillant, le spectacle fait mouche… [suite]

De l’utilité de l’inutile

Par Nadia Hachemi

« Effort maximum, résultat minimum ». Comment mieux représenter la figure de l’Enthousiaste ? Un drôle de personnage qui, en ce moment, à l’Arsenic, fait l’objet des explorations et expérimentations de la Compagnie L’Alakran. Le plus étonnant ? Son goût de l’inutile. Et si c’était précisément l’inutilité de son objet qui rend l’Enthousiasme essentiel ? Élan désintéressé, il nous empêche de sombrer dans les abîmes du Désespoir… [suite]

Nino

De Rébecca Déraspe / mise en scène de Yvan Rihs / POCHE Genève / du 05 décembre 2016 au 29 janvier 2017 / Plus d’infos

®Samuel Rubio

Les critiques :

Mère avec contestation

Par Thomas Cordova

Quel est le rapport entre être enceinte et préparer son suicide ? Ou plutôt : est-ce que devenir mère, c’est nécessairement enterrer une femme ? Non, non, non ! Mettre au monde pour tirer une révérence ? Rébecca Déraspe s’attaque à cette problématique avec piquant et nous dresse le portrait de toutes les mères qui ont oublié d’être femmes… [suite]

La Comédie des erreurs

William Shakespeare / mise en scène de Matthias Urban / TKM- Théâtre Kléber-Méleau, Lausanne / du 1 au 22 décembre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

« Shakespeare, ça déchire ! »

Par Céline Conus

Le metteur en scène suisse Matthias Urban relève avec brio le défi que constitue la mise en scène d’un auteur classique. Revisitée, entre théâtre et comédie musicale, la pièce de Shakespeare n’en conserve pas moins son esprit et son but : faire (beaucoup) rire !… [suite]

On demande l’original … et la copie conforme

Par Alice Moraz

Dans un décor simple mais protéiforme, le metteur en scène lausannois Matthias Urban propose une version moderne de La Comédie des erreurs. Pièce de jeunesse de Shakespeare qui prouve que l’on ne peut se fier à ce que l’on voit, elle prend vie sur le plateau grâce à six comédiens qui passent sans difficultés d’un personnage à l’autre… [suite]

Holes & Hills

De et par Julia Perazzini / Arsenic / du 26 au 30 novembre / Plus d’infos

Les critiques :

Des masques, des figures

Par Nadia Hachemi

Entre le visage que l’on donne à voir au monde et le vrai, celui qui – toujours mouvant et en construction – se cache derrière cette façade, un creux. En ce moment, à l’Arsenic, Julia Perazzini imite et fait tomber les masques, tentant de soulever un pan de voile, à la recherche de la part d’insaisissable qui forme l’identité… [suite]

En (a)pesanteur

Par Jérémy Berthoud

Comme le disait Démocrite, «tout ce qui existe dans la nature est le fruit du hasard et de la nécessité». Comme le performe Julia Perazzini, chaque vie se forme de trous et de collines, de Holes et de Hills… [suite]

Dom Juan

De Molière / mise en scène de Jean-François Sivadier / Théâtre de Vidy / du 23 novembre au 3 décembre 2016 / Plus d’infos

®Brigitte Enguerand

Les critiques :

Ô le beau raisonnement !

Par Alicia Cuche

Grâce à une scénographie originale et osée, ainsi qu’à un jeu d’acteurs clownesque, la troupe de Jean-François Sivadier donne de l’ampleur au texte de Molière, bien que le choix d’une diction rapide et essoufflée en complique l’appropriation. Préparez-vous à vous à franchir les frontières entre salle, scène et coulisses… [suite]

Morb(y)des

De Sébastien David / mise en scène Manon Krüttli / Poche, Genève / du 21 novembre au 29 janvier 2017 / Plus d’infos

®Samuel Rubio

Les critiques :

Poésie d’égout

Par Kendra Simons

Une pièce qui nous fait descendre au demi sous-sol, pour aller dans le trou, voir ce qui se cache dans les égouts symboliques des laissés-pour-compte par la société. Y vivent deux sœurs qui tentent de ne pas voir les immondices, chacune à sa manière. En filigrane du monstrueux se dessine une poésie de la fragilité. Un spectacle qui marque… [suite]

Exister dans un monde qui nous efface

Par Sarah Simon

« Salut bande de Freaks ! ». Montréal. Deux sœurs tentent d’échapper à l’ennui. L’une se gave de télé-réalité et de junk food, l’autre est rêveuse et essaie désespérément de communiquer avec le monde extérieur. La pièce nous embarque dans un voyage virtuel, entre rêve, réalité et hallucinations, questionnant ainsi des angoisses qui sont profondément contemporaines… [suite]

Ivanov

De et mis en scène par Emilie Charriot, d’après Anton Tchekhov/ par la Cie Emilie Charriot / Arsenic / du 22 au 27 novembre 2016 / Plus d’infos

©Nora Rupp

Les critiques :

Traces

Par Josefa Terribilini

Le vide, le brut, c’est la tragédie de l’existence, à l’image du plateau de l’Ivanov d’Emilie Charriot. L’espace est creux et sombre, seulement taché d’éclairage blême. Les constructions sont effacées : pas de décors, pas de coulisses. Simplement quelques acteurs en noir ou blanc qui parlent et hantent une scène qui les dévore de son néant. Ils essaient, avec leurs mots, de la remplir, cette scène. Et puis ils sortent. Ou meurent… [suite]

Jeu de lumières

Par Valmir Rexhepi

Grâce à une mise en scène épurée, Emilie Charriot invite à voir la pièce de Tchekhov autrement. Ivanov n’est plus au centre, quelque chose d’autre alors se dit, une expérience de la dynamique des relations, des « je t’aime moi non plus ». La lumière, comme une loupe ou un télescope nous amène à la rencontre d’êtres qui s’attirent et se rejettent… [suite]

Adishatz (Adieu)

Conception et interprétation de Jonathan Capdevielle / Théâtre les Halles à Sierre / du 17 au 18 novembre 2016 / Plus d’infos

©TLH Sierre

Les critiques :

Un autoportrait

Par Basile Seppey

Adishatz (Adieu) est un autoportrait chanté à la fois exigeant et libéré, une mise à nu hardie qui requiert un réel engagement de la part du public : une fois la glace brisée, au confluent de nos mémoires musicales, se raconte une histoire, toute simple, toute vraie… [suite]

If I run away?

Par Joanne Vaudroz

Lentement, d’un pas nonchalant, la mine renfrognée, les traits du visage crispés comme s’il portait le poids du monde sur ses épaules, l’artiste entre en scène et sort un micro de sa poche. Il se met à chanter. « Life is a mystery ; Everyone must stand alone ; I hear you call my name ; And it feels like home ; When you call my name it’s like a little prayer… » Cet air de Madonna (Like a Prayer, 1989) n’est que l’un des nombreux titres de son répertoire. Jonathan Capdevielle se met à nu dans Adishatz (Adieu)… [suite]

Stück Plastik

De Marius von Mayenburg / mise en scène de Gianni Schneider / Théâtre de la Grange de Dorigny / du 17 au 26 novembre 2016 / Plus d‘infos

Les critiques :

Exploitation

Par Valmir Rexhepi

Dans un salon tout à fait bourgeois, des personnages plus ou moins distingués cherchent dans l’autre le maître ou l’esclave. Ici, la famille devient le microcosme de l’exploitation ; le foyer, le lieu des luttes… [suite]

Künstlich

Par Laura Weber

Comment mettre en lumière les travers humains, sans être pour autant trop catégorique ? Mise en scène par Gianni Schneider, la pièce de Marius von Mayenburg questionne la possibilité qu’a le théâtre d’explorer les relations entre les hommes et sonde dans un microcosme familial les rapports humains, tout en interrogeant la pertinence même de son propre discours… [suite]

Histoire d’un merle blanc

D’Alfred de Musset / mise en scène d’Anne Bourgeois / Théâtre Equilibre Nuithonie, Fribourg / du 16 au 19 novembre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

Un spectacle de haut vol

Par Céline Conus

Avez-vous déjà vu un merle blanc ? Qu’est-ce que ce drôle d’oiseau peut bien nous apprendre sur nous, notre rapport aux autres, ou plus radicalement sur la finalité de nos vies, nos destinées ? Pour le savoir, courez vous trouver une place dans la volière et laissez-vous conter L’Histoire d’un Merle blanc… [suite]

Connais-toi toi-même

Par Alicia Cuche

Avec Histoire d’un merle blanc, une adaptation scénique de la nouvelle d’Alfred de Musset, Anne Bourgeois et Stéphanie Tesson nous amènent à reconsidérer nos propres déceptions dans notre quête identitaire. Car qui ne s’est jamais senti « merle blanc » dans un monde de merles noirs ?… [suite]

Unité modèle

De Guillaume Corbeil / Mise en scène de Manon Krüttli / du 14 novembre 2016 au 29 janvier 2017 / POCHE Genève / Plus d’infos

®Samuel Rubio

Les critiques :

Entre soupe betterave-tofu-ananas et sorbet glacé aux baies de Gobi

Par Thomas Cordova

Unité modèle, c’est de la haute couture labélisée Roche-Bobois, du vent en poupe Pop, de la technicolore luminothérapique, du rap français biodégradable et équitable… Un conseil : accrochez-vous la coiffure… [suite]

What if They Went to Moscow

D’après Les trois sœurs de Tchekhov / mise en scène de Christiane Jatahy / Théâtre Populaire Romand / du 12 au 13 novembre 2016 / Plus d’infos

©TPR

Les critiques :

Identité

Par Valmir Rexhepi

Les trois sœurs voudraient partir à Moscou afin de changer, sortir de leur torpeur. La question de la possibilité même de devenir quelqu’un d’autre est concrètement prise en charge par un dispositif scénique qui exploite les échappées possibles des personnages de théâtre par le cinéma… [suite]

Landru

Mise en scène de Yoann Pencolé – Cie Zusvex / Théâtre des Marionnettes de Genève / du 4 au 13 novembre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

Mais où sont passés les corps ?

Par Jehanne Denogent

Où sont passés les corps des victimes de Landru ? Enterrés dans le jardin ? Réduits en farine pour en faire des gâteaux ? Envoyés dans l’espace à l’aide de la répulsion terrestre ? En 1921, l’affaire Landru enflamma Paris et attisa les hypothèses les plus folles. Aujourd’hui, la compagnie Zusvex recourt aux marionnettes pour exploiter l’imaginaire débridé que suscite un fait divers à l’allure de conte… [suite]

Aller-retour

Par Valmir Rexhepi

D’une cour de justice au début du XX^esiècle aux planches du Théâtre des Marionnettes de Genève aujourd’hui, le procès de Henri Désiré Landru conserve ses aspects spectaculaires et mystérieux. Mesdames et messieurs les jurés, voici les faits … [suite]

Le chant du cygne

D’Anton Tchekhov / mise en scène Robert Bouvier / Théâtre du Passage / du 2 au 6 novembre / Plus d’infos

©Fabien Queloz

Les critiques :

Coup de projecteur à l’intérieur du théâtre

Par Alice Moraz

La Cie du Passage adapte Le chant du cygne, fantaisie courte d’Anton Tchekhov portant sur le théâtre. Le spectacle insère dans l’œuvre originale des scènes qui révèlent les secrets et coutumes des comédiens, ces artistes à la folie douce… [suite]

Du début à la fin

Par Jonathan Hofer

La création de Robert Bouvier et de la Compagnie du Passage est une tempête. Un fracas entre ténèbres et lumière, le choc de la jeunesse et de la vieillesse, du silence et du vacarme… [suite]

1985…2045

De Katy Hernan et Barbara Schlitter / par la Compagnie Kajibi Express / du 2 au 20 novembre 2016 / au Petit Théâtre / Plus d’infos

Les critiques :

Un vent de changement

Par Jérémy Berthoud

Entre 1985 et aujourd’hui, entre l’enfance des parents et celle de leurs enfants, il y a quand même un monde. Et que dire des 30 ans à venir ? En 2045, vivrons-nous sur Mars avec les ours polaires ? Le temps passe vite au Petit Théâtre… [suite]

Expérimenter le temps qui passe…

Par Kendra Simons

Combinant dialogue avec le public et expérimentation scénique, Katy, Barbara et Valerio font réfléchir les enfants et leurs parents à tout ce qui peut changer en trente ans. Entre 1985 et 2045, on se trouve pris dans une machine à jouer avec le temps, à travers une mise en scène qui fait rire tout le public… [suite]

Karamazov

D’après Les Frères Karamazov de Fédor Dostoïevski / mise en scène de Jean Bellorini / Théâtre de Carouge / du 1 au 13 novembre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

Médusés sur radeaux

Par Valmir Rexhepi

Le temps du roman fait place au temps du théâtre sans accroc, comme par magie. Fiodor et ces fils sont à la dérive ; vont-ils toucher terre ?… [suite]

Voyage à Tokyo

Mise en scène Dorian Rossel / TPR / du 27 au 30 octobre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

Le vide qui est plein

Par Kendra Simons

[Le TPR accueille ce week-end la Cie STT (SuperTropTop) pour Voyage à Tokyo. Dorian Rossel, qui pratique beaucoup l’adaptation (roman, BD, cinéma), avait déjà exploré la culture japonaise en adaptant au théâtre le manga Quartier lointain en 2009. Il transpose cette fois au théâtre le film de Yasujirō Ozu (Voyage à Tokyo, 1953). Zoom au cœur de ce voyage… [suite]

Le Dieu du carnage

de Yasmina Reza / mise en scène de Georges Guerreio / par Baraka et Helvetic Shakespeare Company / du 22 au 29 octobre 2016 / au Théâtre de la Grange de Dorigny / Plus d’infos

Les critiques :

Conflit de désintérêt

Par Fanny Utiger

Un cordial entretien entre deux couples, une querelle d’enfants à régler… mais tant de non-dits, d’incidents de discours et d’egos mal dressés que toute cordialité s’effrite, au risque d’une explosion de tempéraments peu glorieuse. A la Grange de Dorigny, la production de l’Helvetic Shakespeare Company fait honneur au délectable huis-clos de Yasmina Reza…[suite]

Carnage domestique

Par Laura Weber

Que laisse présager ce titre évoquant un mystérieux démiurge instigateur de la loi du plus fort ? Les règles du vivre ensemble permettent-elles, malgré cette sourde présence, de maintenir des relations paisibles et raisonnées entre tout un chacun ? L’avènement de la bienséance sociale n’est peut-être pas parvenu à contrer les desseins de cette puissante divinité. Le Dieu du carnage n’a peut-être jamais été aussi acharné que dans le salon du couple Houllié… [suite]

Fête du Théâtre

Genève / du 11 au 16 octobre 2016

Les critiques :

À la vie, à la scène ( pour Juste après ou juste avant?)

Par Jérémy Berthoud

Situé au bord de l’Arve, le théâtre de la Parfumerie accueille du 4 au 23 octobre la compagnie 100% acrylique et son Juste après ou juste avant?, création haute en couleur mélangeant avec allégresse scène, coulisses et vie réelle… [suite]

Émulsion verdienne à la sauce moléculaire (pour Bouffons de l’opéra)

Par Alice Moraz

Le metteur en scène franco-américain Benjamin Knobil présente au cœur du café-restaurant l’Alhambar, un vaudeville inspiré de La Traviata de Verdi : une opérette moderne et pleine de saveurs qui parle cuisine et amour… [suite]

Les solitudes d’appartement (pour Appartiamentum. Nous vous invitons à nous inviter à vous inviter chez vous)

Par Ivan Garcia

Un numéro de l’avenue de France, interphone 5-1, un immeuble comme les autres dans un quartier genevois. Avec les autres invités, on boit un peu de tisane et on discute dans le hall en attendant qu’à l’étage, nos hôtes aient fini de préparer la soupe à la courge. Puis, c’est l’heure, on peut monter. On arrive devant la porte et on sonne. C’est alors que tout commence… [suite]

Horizon travail (pour Velours avoine)

Par Valmir Rexhepi

Chanter le travail, sa recherche, les désillusions qui l’accompagnent : le projet se donne dans le charme exigu et intime du Saltimbanque, sur des airs disco-futuristes des années huitante… [suite]

Suzette

Texte et mise en scène de Fabrice Melquiot / avec Emmanuelle Destremau, Simon Aeschimann, Alain Frey, Vincent Hänni, Louis Lavedan, Nicolas Rossier et Gabriel Bonnefoy / Théâtre Am Stram Gram / du 27 septembre au 18 octobre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

Le cerveau qui pousse

Par Valmir Rexhepi

Suzette grandit vite : de sa naissance à ses vingt ans, nous sommes invités à grandir avec elle… [suite]

Nouveau monde

de Cie Post Tenebras Lux / Dramaturgie : Claire Deutsch, Raphaël Heyer / Théâtre de l’Usine, Genève / du 13 au 19 octobre 2016 / Plus d’infos

Les critiques :

Le chaos de Luanda : quand l’absurdité du monde veut sa place sur scène.

Par Alicia Cuche

Nouveau Monde se veut une réflexion sur le chaos africain qui voit une ville riche devenir la capitale des pauvres. C’est également un regard critique sur les investisseurs étrangers et l’utopisme européen d’un Angola économiquement et socialement fleurissant… [suite]

Empire

de Milo Rau / avec Ramo Ali, Akillas Karazissis, Rami Khalaf et Maia Morgenstern / Théâtre de Vidy / du 5 au 8 octobre 2016 / Plus d’infos

©Marc Stephan

Les critiques :

Chair en canon

Par Jérémy Berthoud

Après The Civil Wars et The Dark ages, le metteur en scène Milo Rau présente Empire, dernier volet d’une trilogie consacrée à l’Europe. Dans ce dernier opus, l’accent est mis sur la quête d’une identité européenne commune, polyglotte et pluriculturelle… [suite]

D’infanticides patries

Par Fanny Utiger

Bien malchanceux sont les enfants de Médée qui ne peuvent échapper aux fatales griffes de leur mère. Sont-ils mieux lotis, les peuples qui, sous l’autorité de quelque violent despote, risquent leur vie en leur patrie même ? Rami, Maia, Ramo et Akillas en réchappèrent. Milo Rau leur cède la parole… [suite]

Le documentaire ouvert

Par Basile Seppey

Milo Rau, avec Empire, clôt sa trilogie européenne, du 5 au 8 octobre 2016 au Théâtre de Vidy. Cet ultime volet est un écrin, celui d’une rencontre avec quatre comédiens au parcours atypique qui, à travers une série d’anecdotes personnelles, brossent avec une simplicité désarmante le portrait en creux de notre Europe… [suite]

Différentes langues pour une même voix

Par Joanne Vaudroz

La dernière pièce du metteur en scène alémanique Milo Rau, dont on qualifie volontiers la production de théâtre documentaire, clôt la trilogie initiée en 2014 par The Civil Wars et poursuivie en 2015 par The Dark Ages. Cette dernière création garde le même principe que les précédentes : elle se fonde sur les récits de personnes aux biographies similaires malgré leurs cultures différentes. Ces parcours de vie sont utilisés comme matière première pour la trame de la pièce… [suite]

Les petites filles aux allumettes

Textes et mises en scène de Antoine Jaccoud, Joël Maillard et Philippe Vuilleumier / Par la Compagnie Léon / Théâtre 2.21 / du 12 au 15 octobre 2016 / Plus d’infos

©la Cie Léon

Les critiques :

Hors-champ

Par Valmir Rexhepi

Le conte danois La petite fille aux allumettes paru au milieu du XIXe siècle est repris par la Compagnie Léon pour une triple réécriture scénique. Ne pas jouer le texte, mais ce qu’il y a autour, dans le hors-champ des mots, de la narration… [suite]

La Boucherie de Job

De Fausto Paravidino / mise en scène de Hervé Loichemol / du 4 au 21 octobre 2016 / La Comédie (Genève) / Plus d’infos

© Marc Vanappelghem

Les critiques :

Tableau d’un monde en faillite

Par Émilie Roch

Entre la chambre froide d’une petite boucherie de quartier et les portes d’une grande banque se joue la parabole de Job, réactualisée à l’heure du libéralisme. Dans la pièce de Fausto Paravidino mise en scène sur les planches de la Comédie de Genève par son actuel directeur, Hervé Loichemol, Job prend les traits d’un patriarche bon et aimant, dont le commerce sur le déclin fait exploser le noyau familial. Un drame poignant, où tragique et burlesque s’entremêlent…[suite]

Dans le monde, un juste et deux clowns

Par Ivan Garcia

Et si de la volonté de faire le Bien émergeait le Mal ? C’est l’interrogation qu’Hervé Loichemol a voulu saisir en donnant une nouvelle vie à La Boucherie de Job, de l’auteur italien Fausto Paravidino, dans laquelle le Job biblique est devenu un Job du monde contemporain. En somme, un honnête homme obligé de subir les misères du monde auxquelles son propre fils n’est pas parfaitement étranger…[suite]

Chapeau, le costume!

De Victorien Kissling, Alain Mettral et Daniel Cornu / mise en scène Yasmine Saegesser / Théâtre du Jorat / 26 juin 2016 / plus d’infos

Les critiques :

©ACCV

Un pan de terroir sur les planches du Jorat

Par Emilie Roch

Dimanche dernier, à Mézières, mille spectateurs ont fait un bond dans le passé lors de la représentation de Chapeau, le costume !, un spectacle théâtral de danses folkloriques et chants du Pays de Vaud en costumes traditionnels créé à l’occasion du centenaire de l’ACCV (l’Association Cantonale du Costume Vaudois). Le costume de travail, le costume du dimanche, le costume montagnard … [suite]

« Ce merveilleux pays, où tout peut arriver… »

Par Marie Reymond

Quelle place doit-on donner aux traditions aujourd’hui ? Que vient faire le costume Vaudois au XXI^e siècle ? Que peut nous apprendre l’Histoire sur notre identité… et sur demain ? Ce spectacle présente différentes facettes du folklore vaudois : art choral, danse et musique traditionnelles, mêlés dans une intrigue qui nous ramène aux origines de l’Association Cantonale des Costumes Vaudois. … [suite]

Orphelins

De Dennis Kelly / mise en scène Chloé Dabert / TPR / le 31 mai 2016 / plus d’infos

© Bruno Robin

Les critiques :

Défendre la veuve et l’orphelin?

Par Luc Siegenthaler

Mais qui a été victime de quoi ? Au milieu des non-dits et des silences d’une famille banale sommeillent des conflits domestiques que les personnages refoulent, dissimulent le plus longtemps possible, jusqu’à ce que le drame surgisse et transforme les victimes en bourreaux. Les spectateurs assis tout autour de la scène plongent leur regard dans un appartement sans parois … [suite]

Finir en beauté

De et par Mohamed El Khatib / Théâtre de Vidy / du 28 au 29 mai 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Bravo, mes condoléances

Par Valmir Rexhepi

Finir en beauté, c’est commencer dans le doute. L’intimité crue de Mohamed El Khatib nous vole au visage, on ne peut rien faire pour l’éviter. Tant mieux. Sous le chapiteau du théâtre de Vidy, assis sur des tabourets dans une atmosphère qui se veut intime, on attend, nous autres spectateurs venus pour Finir en beauté. … [suite]

Présentation de saison

De Lionel Chiuch / mise en scène de Lionel Chiuch et Frédéric Polier / Théâtre du Grütli / Du 24 mai au 12 juin 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Pourquoi le théâtre

Par Marie Reymond

Qu’est-ce que le théâtre aujourd’hui ? Vaste question qu’aborde Présentation de saison. Plusieurs personnages – un directeur de théâtre, un médiateur, quelques artistes – se retrouvent pour la présentation de saison. Peu avant la conférence, tout ce petit monde des arts de la scène, qui peine à s’entendre sur le bien-fondé de ses pratiques, les décortique au moyen d’une série de métaphores. … [suite]

Petit exercice d’herméneutique

Par Nadia Hachemi

Ce soir au théâtre, c’est la panique ! La présentation de saison débutera d’une minute à l’autre et tout semble mal tourner. Dans cette pièce sur les coulisses de l’art, les spectateurs sont entrainés dans une véritable dramatisation des questions que pose l’acte de représentation. Un spectacle dont l’absurde n’a rien à envier aux pièces de Ionesco. … [suite]

Place

Création pluridisciplinaire de La Section Lopez / mise en scène et écriture Adina Secretan / Arsenic / du 20 au 26 mai / plus d’infos

Les critiques :

Loups encoquillés

Par Julia Cela

Faites Place au discours schizophrène de l’habitant citadin, entre paranoïa démographique et culpabilité bien pensante. Librement inspiré de la Poétique de l’Espace de Gaston Bachelard, cette performance punk et muette questionne le droit à l’espace, géographique comme social. Le texte en gros et gras défile en fond de scène. Blanc sur noir. … [suite]

ECRIRE !

Par Jehanne Denogent

Le spectacle Place, actuellement à l’Arsenic, propose une expérience profondément dérangeante. A déconseiller à ceux qui cherchent au théâtre un moyen de s’évader de la réalité . Quelle tâche difficile de prendre la plume après Place! Il ne semble n’y avoir plus aucune conviction, plus aucune légitimité sur laquelle m’appuyer. … [suite]

Taxi-Dancers

De et par Marie-Caroline Hominal / Théâtre de Vidy / du 20 au 29 mai 2016 / plus d’infos

©DR

Les critiques :

Sensualité chorégraphiée

Par Elisa Picci

Marie-Caroline Hominal ressuscite une pratique datant des années 1920-1930 : celle des Taxi-Dancers, soit des femmes qui, en échange d’un peu d’argent, devenaient la cavalière d’un homme le temps d’une danse. Le spectateur se retrouve plongé dans une ambiance intimiste, où les corps se touchent et s’enlacent le temps d’une chanson. … [suite]

Rencontres par le toucher

Par Amandine Rosset

Marie-Caroline Hominal nous fait découvrir en ce moment au Théâtre de Vidy les « Taxi-Dancers », très à la mode dans les années folles. Le spectacle, interprété avec lenteur et profondeur, raconte la reviviscence par trois jeunes femmes nostalgiques des moments forts vécus dans un club désormais déchu, au travers de danses variées et de touchers évocateurs. … [suite]

Fresque

Sur une idée de Marius Schaffter & Jérôme Stünzi / par le collectif Old Masters / Théâtre de l’Usine / du 19 au 25 mai 2016 / plus d’infos

©DR

Les critiques :

Contemplation et création

Par Deborah Strebel

Contemplation, dialogue et verdicts hésitants. Tel est le programme proposé par le collectif Old Masters en ce moment au Théâtre de l’Usine. De l’observation d’une esquisse aux débats sur sa conception, Fresque dévoile les coulisses de l’élaboration d’une œuvre avec une douce lenteur. Le jeune collectif Old Masters, lauréat du prix Premio en 2015, se passionne pour la thématique de la création. … [suite]

« C’est la maison de mon esprit »

Par Fanny Utiger

L’art ne cesse de s’interroger lui-même. Sur la scène du Théâtre de l’Usine Fresque le questionne, le triture, et se joue d’un public qui en reste parfois déconcerté. Étagères jaunâtres faussement symétriques sur un plateau irradié des rayons d’un nid de néons. On se croirait en Allemagne de l’Est. Ou devant un projet Ikea inachevé. En haut de cette structure, une caisse de contre-plaqué … [suite]

Eraritjaritjaka

Inspiré des observations d’Elias Canetti / mise en scène Heiner Goebbels / Théâtre de Vidy / du 17 au 21 mai 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Quelle heure est-il ?

Par Jehanne Denogent

Il faut quelques minutes pour déchiffrer le titre Eraritjaritjaka. Avec malice, la pièce de Heiner Goebbels se joue aussi de nos montres. Il est 20h. Le public est installé. Entre 20h et 21h25, nous allons vivre une expérience temporelle déconcertante, mais ça, nous ne le savons pas encore. Pour l’instant, chacun s’est arrangé, avec plus ou moins de succès, pour arriver à l’heure au théâtre de Vidy. … [suite]

Black out

Par la compagnie Philippe Saire / Le Reflet / du 12 au 15 mai 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Sable mouvant

Par Deborah Strebel

A l’occasion de la fête de la danse, le théâtre veveysan le Reflet accueille le célèbre spectacle Black out de la Cie Philippe Saire. Joué plus d’une centaine de fois dans de nombreux pays, cette courte performance en noir et blanc aux effluves de caoutchouc est un chef d’œuvre de clair-obscur. … [suite]

Poésie de la matière

Par Valmir Rexhepi

Trois corps se livrent à l’écriture de l’espace, au fond d’une fosse qui se donne pour nous comme une page. Œuvre à l’œuvre, Black out perturbe nos manières de voir, expérimenter, vivre le spectacle. Les sièges avaient disparu. Pour le coup, on se retrouvait en petit comité autour d’une fosse, un trou carré de quelque deux mètres de fond. … [suite]

La Ballade du mouton noir

Par le collectif Opus 89 Collectif / Equilibre-Nuithonie / du 11 au 21 mai 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Les Nuithoniens débattent

Par Nadia Hachemi

Quelle est la voie vers un monde meilleur ? Doit-on aller la chercher dans le passé, dépoussiérant le vieux mythe du « bon sauvage » ? Assurément pas, selon Joséphine de Weck et son collectif Opus 89. Le changement c’est ici et maintenant. Dans un spectacle qui suscite tant le rire que la réflexion, toutes les potentialités du dispositif théâtral sont exploitées dans une optique engagée. … [suite]

Collages et utopies

Par Josefa Terriblini

La Ballade du mouton noir, c’est l’exhortation d’une jeunesse qui refuse d’être la « génération de la dépendance ». Un cri unanime, touchant dans sa pureté, décousu dans sa formulation. Ils sont cinq et ils cherchent les Nuithoniens. Ainsi débute l’expérience. Il s’agit bien d’une expérience, puisque les personnages (ou comédiens, la frontière est rapidement éradiquée) se livrent à une quête sur plusieurs niveaux … [suite]

Les Reines

De Normand Chaurette / mise en scène Zoé Reverdin / Théâtre du Grütli / du 19 avril au 8 mai 2016 / plus d’infos

Les critiques :

« Game of thrones » au féminin

Par Emilie Roch

« Etes-vous la reine d’Angleterre ? », demande la reine Elisabeth à deux reprises à Isabelle, fille du comte de Warwick, lorsque celle-ci tarde à lui obéir. « Non » ne peut qu’admettre la jeune noble à contrecœur. « Pas encore », ajoute-t-elle la seconde fois, après l’annonce de la mort du roi. Telle est l’ambiance qui règne au château royal londonien, un soir d’hiver de l’an 1483, et sur la scène du Grütli ces jours-ci. … [suite]

La Mort-Marraine

Librement adapté du conte des frères Grimm par Anne Quesemand / Cie Mezza-Luna / Le Petit Théâtre / du 27 avril au 1^er mai 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Qui vivra mourra

Par Waqas Mirza

Heidi Kipfer revêt sa redingote noire, et fait sienne la yourte du Petit-Théâtre le temps d’une heure enchanteresse. Ce conte des frères Grimm réactualisé laisse bouche-bée tous ses invités. « Il faut qu’on soit tout devant pour avoir la meilleure place ! ». Étonnant enthousiasme d’un petit chérubin à l’entrée, pour un spectacle intitulé La Mort-Marraine. … [suite]

De l’éternelle mort la sereine ironie

Par Fanny Utiger

Dédramatiser la mort ne semble point être chose facile, encore moins lorsqu’il s’agit de s’adresser à de jeunes enfants. La Compagnie Mezza Luna relève pourtant le défi avec justesse, et une bonne dose d’ironie. Dans une contrée lointaine, et en des temps inconnus, un cordonnier pleure son épouse disparue. Un malheur n’arrivant jamais seul, l’homme ne trouve pas de parrain ni de marraine pour leur dernier enfant … [suite]

L’Opéra de quat’sous

Mise en scène Joan Mompart / Théâtre Equilibre Nuithonie / du 26 au 27 avril 2016 / plus d’infos

©Carole Parodi

Les critiques :

« Gardez-vous bien de jeter la pierre aux opprimés »

Par Luc Siegenthaler

Mais qui sont au juste les oppresseurs dans L’Opéra de quat’sous ? M. Peachum ? Mackie ? Brown ?… Ou les spectateurs ? Créé en 1928, L’Opéra de quat’sous est toujours aussi éclatant. Souhaitant que le spectateur garde un esprit critique face à ce qu’il voit et qu’il ne se sente pas submergé par les émotions, Brecht multiplie dans ses pièces les effets de distanciation … [suite]

Bérénice

De Jean Racine / mise en scène Olivier Chapelet / Théâtre du Passage / 22 avril 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Passage en silence

Par Waqas Mirza

Pour un soir seulement, l’histoire tragique du triangle amoureux antique s’installe à Neuchâtel. Sans laisser d’impressionnantes traces, elle ne fait que passer, dans tous les sens du terme. « Je vous rappelle juste que c’est une langue ancienne, et que pour réussir à faire des alexandrins, l’auteur devait déplacer des mots pour faire rimer les vers.. » … [suite]

Ta façon de mentir

Par Catherine Delmar et Alain Guerry / Théâtre 2.21 / du 19 avril au 1^er mai 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Dialogue de sourds

Par Camille Logoz

Catherine et Alain. Deux prénoms fortement sexués qui d’emblée, révèlent le fossé entre les genres mis en scène – ou en œuvre – dans ce spectacle. Un homme, qui prend énormément de place, maladroit, qui veut mieux faire mais qui ne sait pas comment s’y prendre. Il se voit et se sent prédateur sexuel. Il ne peut pas s’en empêcher. … [suite]

Petite psychanalyse entre amis

Par Nadia Hachemi

Alain et Catherine ne sont pas épanouis. Dès leur rencontre, ils ont retrouvé chez l’autre les marques de leur propre dénuement. Sur scène, ils vont tenter d’avancer ensemble pour améliorer leur vie. Un homme et une femme, Alain et Catherine, déambulent sur la scène éclairée tandis que les spectateurs s’installent. Puis tous deux s’immobilisent. … [suite]

Sugungga

Conception YoungSoon Cho Jacquet / par la Cie Nuna / Le Petit Théâtre / du 13 au 24 avril 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Gongs de Yodel

Par Waqas Mirza

Le Petit Théâtre de Lausanne continue sa saison sur une voie résolument contemporaine, et propose une création expérimentale de la compagnie Nuna. « Avez-vous déjà lu le conte Sugungga? », me demande-t-on en me proposant un petit livret illustré qui contient le célèbre pansori coréen, classé au Patrimoine immatériel de l’humanité. Sept pansoris ancestraux sont définitivement perdus. … [suite]

Les lapins heureux yodlent

Par Marie Reymond

Comment évoque-t-on une histoire sans utiliser la parole ? Comment Sugungga, conte issu de la tradition coréenne ancestrale du pansori (art du récit chanté accompagné d’un tambour), peut-il nous parler sans qu’un mot ne soit prononcé ? Dans le café du théâtre, peu avant que le spectacle ne commence, les adultes sont entourés des enfants qu’ils accompagnent. Ils lisent l’histoire de Sugungga … [suite]

Figaro divorce

D’Ödön von Horváth / mise en scène Christophe Rauck / TKM / du 14 au 24 avril 2016 / plus d’infos

Les critiques :

L’intemporel Figaro

Par Elisa Picci

Avec sa nouvelle mise en scène, Christophe Rauck redonne vie à l’emblématique personnage de Figaro, grâce au texte du dramaturge de langue allemande Ödön von Horváth. Avec une pièce écrite en 1936, le metteur en scène nous montre pourtant que les thèmes abordés sont d’une actualité déconcertante. Le Mariage de Figaro de Beaumarchais s’arrête au seuil de la Révolution française. … [suite]

Figaro en contre-plongée

Par Josefa Terribilini

« Depuis ce fameux mariage de Figaro je suis un tout autre homme ». Le ton est donné d’entrée de jeu. Plus d’idéalisme, plus de pétillants ballets d’intrigues ni de virevoltants domestiques. Avec Horváth, Figaro est devenu un petit bourgeois égocentrique, le Comte et la Comtesse émigrent et sombrent, et la Révolution se fait individualisme. … [suite]

La Suppliante

De Bastien Fournier / mise en scène Marine Billon / par la Compagnie du Homard / TLH (Sierre) / du 14 au 24 avril 2016 / plus d’infos

©Elie Romero

Les critiques :

Soi-même comme l’autre ?

Par Suzanne Crettex

Que faire de la misère quand elle apparaît sous les traits d’une jeune mère, quand elle dort devant notre porte, et quand elle est hors-la-loi ? Fermer les yeux, tourner la tête ?… Ces questions que pose La Suppliante nous rappellent aussi que la responsabilité politique rejoint intimement la responsabilité individuelle. … [suite]

Femme non-rééducable

De Stefano Massini / traduction Pietro Pizzuti / mise en scène Dominique de Rivaz / Théâtre des Osses / du 14 au 24 avril 2016 / plus d’infos

Les critiques :

La force de l’écrit

Par Camille Logoz

Dominique de Rivaz et Dominique Bourquin se saisissent du texte de Stefano Massini pour donner corps et voix à la figure d’Anna Politkovskaïa, militante et reporter russe ayant couvert la guerre de Tchétchénie sans demi-mots, avec la volonté de révéler l’atrocité du conflit et la souffrance des populations. La matière du texte est fournie par les carnets, articles, mémoires etc. … [suite]

« Le sang, la neige. »

Par Fanny Utiger

La vie d’Anna Politkovskaïa, femme non rééducable, est représentée et contée sur scène. Ce « mémorandum théâtral » rend hommage et justice au destin d’une journaliste engagée tout entière pour la liberté. Dans une Russie autoritaire et corrompue, ou en Tchétchénie, « terre de personne », Anna Politkovskaïa, journaliste militante, se bat pour les droits de l’Homme. … [suite]

CTRL-X

De Pauline Peyrade / mise en scène Cyril Teste / Le Poche / du 11 avril au 1^er mai 2016 / plus d’infos

©Samuel Rubio

Les critiques :

Vous avez 1 nouvelle notification

Par Josefa Terribilini

Ida. Lit. Chambre. Blanche. Vin. Rouge. M&M’s. Sonnerie. Téléphone. SMS. E-mail. Ecran. Ecran. Ecran. Une nuit dans le nuage informatique d’une jeune femme cernée de buildings, c’est ce à quoi nous invite le texte frappant de réalisme que signe l’auteure et dramaturge Pauline Peyrade. Comme un cycle continuellement redémarré, cette nuit-là semble à la fois se dérouler en un clic … [suite]

De l’autre côté de l’écran

Par Luc Siegenthaler

« Il a vu. Il m’a vue, moi ». Tel est le souhait le plus cher d’Ida : se mettre en scène virtuellement pour se faire voir et être aimée. La mise en scène de Cyril Teste présente l’envers des écrans : une réalité monotone, sombre, complexe, qui ne s’appréhende pas avec des « like ». Dans Ctrl-X, le spectateur est plongé dans un univers désenchanté … [suite]

$.T.O.r.M.

D’après Théorème de Pier Paolo Pasolini/ mise en scène Vincent Bonillo / Cie Voix Publique / La Grange de Dorigny / du 11 au 17 avril 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Du silence aux cris

Par Nadia Hachemi

Quand l’univers du metteur en scène Vincent Bonillo, connu pour ses âpres critiques de la société contemporaine, rencontre celui de Pasolini, un spectacle des plus décapants est à prévoir. Une attente qui ne sera pas déçue! Dans une atmosphère pesante où règnent les non-dits, un jeune homme d’une beauté spectaculaire arrive en grand fracas, chamboulant des personnages aliénés et vides … [suite]

Quiétude apparente pour tempête intérieure

Par Deborah Strebel

Après s’être intéressé au bonheur dans sa dernière création, la Compagnie Voix Publique revient avec une adaptation libre de Théorème de Pier Paolo Pasolini. Exprimant l’essence des interrogations pasoliniennes au sujet de la bourgeoisie, $.T.O.r.M. est un spectacle épuré traitant de dévorantes agitations intérieures. Dans un espace entièrement blanc, six personnages sont assis au fond de la scène. … [suite]

La Mélopée du petit barbare

De Julien Mages / mise en scène Julien Mages / Cie Julien Mages / Arsenic / du 8 au 14 avril 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Les intrus de nos songes

Par Nadia Hachemi

Entre le sommeil et l’éveil, l’onirique et le cauchemardesque, ce spectacle prend la forme d’un songe. Le personnage s’élance, fuyant ou poursuivant des bribes de son passé. Tiraillé entre l’univers familier de l’enfance et celui plus incertain de la mort, le jeune homme est perdu. Heureusement, l’intruse qui hante son sommeil le guide. La salle s’assombrit complètement. … [suite]

Le dit d’Igor Cierda

Par la compagnie eohem / Petithéâtre / du 8 au 16 avril 2016 / plus d’infos

©DR

Les critiques :

Igor ne parle pas mais dit

Par Sabrina Roh

La musique, la musique « contre » la danse, la danse sans la musique, la danse avec la musique. Des tableaux. Les tableaux d’une vie. La vie d’Igor. Les percussions ouvrent le bal. Dans le fond, la danseuse, à moitié dans l’obscurité, reste immobile. C’est que la musique crée une atmosphère un peu inquiétante. Cependant, quelques chaleureux accents orientaux se font déjà entendre. … [suite]

Chronique poétique d’une mort annoncée

Par Suzanne Crettex

Igor Cierda… Le nom sonne doux, tout en évoquant un personnage tiré d’un roman de Garcia Marquez. A qui, il faut le dire, le spectacle emprunte un peu de son « réalisme magique ». Un rythme grave de percussions qui semble provenir des tréfonds de la terre, des murs bruts au béton épais, une salle voûtée en pierres apparentes, un corps immobile dans la pénombre ; ainsi commence la pièce. … [suite]

La grenouille avait raison

De James Thierrée / Théâtre de Carouge / du 5 avril au 8 mai 2016 / plus d’infos

©Hughes Anhes

Les critiques :

Fléchir

Par Valmir Rexhepi

James Thierrée, nous conduit jusqu’à l’ouverture, sous l’arbre. Personne n’est en retard. Personne n’est à l’heure non plus. Il n’y a plus de temps, si ce n’est celui, onirique, qui coule par plaisir, parfois par remous. Nous voilà tombés dans le trou. J’étais dans un rêve. Dans l’hémicycle aux sièges drapés de rouge, d’autres personnes prennent place. … [suite]

Une libellule sur un cerceau

Par Jehanne Denogent

Avez-vous déjà vu … une nymphe qui se transforme en otarie ? Une pile d’assiettes qui ne dégringole jamais ? Un paillasson rampant ou une fille dont le corps forme plus de mots que le dico ? Bientôt, oui ! Sans le remarquer, quelque part entre la porte d’entrée, le billet déchiré ou le moelleux du siège, je suis tombée dans un monde magique. … [suite]

Sans peau

Texte et mise en scène Pierre Lepori / Théâtre 2.21 / du 29 mars au 3 avril / plus d’infos

©dfhn

Les critiques :

Sur les cendres d’un grand incendie

Par Deborah Strebel

Après une longue carrière en tant que critique théâtral à la RSI et à la RTS, Pierre Lepori passe avec excellence de la théorie à la pratique en mettant en scène une adaptation de son premier roman Sans peau. Une poignante histoire qui questionne les notions de culpabilité et de pardon. Issu d’une famille de pompiers, Samuel (Pierre-Antoine Dubey) est paradoxalement devenu pyromane. … [suite]

Prométhée pyromane

Par Valmir Rexhepi

C’est son roman ; c’est aussi sa première pièce. Pierre Lepori allume une folie, Sans peau, un spectacle qui nous marque au fer rouge. Il y a d’abord une voix. L’air vibre dans le noir, plein des mots de Carlo (Jean-Luc Borgeat). Puis quelque chose s’allume, chatoie dans un coin ; une flamme dont la pâle lueur suffit pourtant à sculpter dans la masse noire une forme grise … [suite]

George Dandin et La Jalousie du Barbouillé

De Molière / mise en scène Hervé Pierre / par la troupe de la Comédie-Française / Le Reflet / le 20 mars 2016 / plus d’infos

©Lot

Les critiques :

Les épreuves d’un mari trompé

Par Deborah Strebel

Le dimanche 20 mars 2016, la troupe de la Comédie-Française a un fait une halte au théâtre Le Reflet pour une représentation de George Dandin suivie de La Jalousie du Barbouillé. Dans les deux cas, il était question d’adultère et de mariage arrangé entre deux classes sociales : sur un mode classique et sérieux d’abord, puis plus rapide et déjanté. … [suite]

Deux faces de la farce

Par Amandine Rosset

La Comédie Française était de passage à Vevey pour une représentation exceptionnelle. Les huit comédiens sont passés de l’histoire de George Dandin, dans une mise en scène classique, à celle de son double grotesque le Barbouillé, sur un mode beaucoup plus libre, où les interprètes ont pu jouer avec le public et même intégrer de l’actualité veveysanne toute fraîche. … [suite]

La Mouette

D’Anton Tchekhov / mise en scène Thomas Ostermeier / Théâtre de Vidy / du 26 février au 13 mars 2016 / plus d’infos

©Arno Declair

Les critiques :

Immersion

Par Camille Logoz

Thomas Ostermeier présente à Vidy une interprétation riche et sensible de La Mouette de Tchekhov. Une perspective sur le monde actuel, une temporalité appesantie et un humour sincère donnent le ton à cette pièce aux étranges accents de justesse et de familiarité. Sur scène, l’espace est tantôt hermétiquement clos, tantôt grand ouvert, incluant le public. … [suite]

De Tchekhov et au-delà

Par Suzanne Crettex

Il fallait oser faire apparaître des personnages tchekhoviens, tout droit sortis de la campagne russe, sur des chansons des Doors ou de Velvet Underground. Leur faire lire des passages d’un des derniers Houellebecq. Et surtout, faire allusion à Daesch et aux réfugiés politiques syriens tout en gardant à l’esprit que La Mouette avait été jouée pour la première fois un 17 octobre 1896 … [suite]

De l’envol à la chute

Par Nadia Hachemi

Le théâtre. Son glamour et ses périls. Les vocations et désillusions qu’il suscite. Que représenter et comment ? Actuellement à Vidy l’art dramatique est le centre de tous les conflits. L’attente. C’est ainsi que cette pièce s’élance dans un préambule ultra contemporain où dialoguent deux personnages avant le début d’une pièce enchâssée. Cette entrée en matière étrange annonce d’emblée la tonalité … [suite]

Niveaux de gris

Par Fanny Utiger

D’une histoire tragi-comique dans laquelle on ne voit pas grand chose si ce n’est l’ennui de personnages déprimés, Thomas Ostermeier questionne et triture le théâtre dans une pièce au flou riche et passionnant. Vautrés sur des bancs, ils attendent, désœuvrés, dans un grand cube gris, pareil à un bunker ou au fond d’un immense garage. … [suite]

Faire du moderne avec des Anciens

Par Waqas Mirza

Quand Ostermeier met en scène La Mouette d’Anton Tchekhov au théâtre de Vidy, c’est l’occasion de retrouvailles fructueuses. Réunion de connaisseurs: d’abord, celle d’un metteur en scène avec une troupe francophone qu’il a dirigée dans Les Revenants en 2013; ensuite, celle d’une actrice, Valérie Dréville, qui joue le rôle d’Irina … [suite]

Recyclage et autres petites philosophies suspectes

Conception Katy Hernan et Adrien Rupp / par la Compagnie Zooscope / Théâtre St-Gervais / du 15 au 26 mars 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Théâtre vert

Par Julia Cela

La Compagnie Zooscope propose un spectacle écologique, où les costumes, la musique, les lumières et des bouts de vie de chacun des comédiens sont recyclés en une pièce aussi inédite que le personnage qui la porte : le tout premier plancton de l’histoire de l’art vivant. J’aime bien pouvoir choisir mon siège au théâtre. Quand le placement est libre, je suis toujours un peu en avance. … [suite]

Les Fondateurs font des enfants

Conception de Zoé Cadotsch et Julien Basler / Le Petit Théâtre / du 16 au 20 mars 2016 / plus d’infos

Les critiques :

À l’épreuve de la récréation

Par Valmir Rexhepi

La compagnie « Les fondateurs » s’arrête sur les planches du Petit Théâtre pour livrer une performance toute en simplicité. Mais simple ne rime pas avec facile. Proposée déjà durant la saison 2013/2014 au Théâtre de l’Usine, au Théâtre de la Bavette à Monthey et au TLH de Sierre, la pièce Les fondateurs font des enfants resurgit en ce printemps timide au pied de la cathédrale de Lausanne. … [suite]

Gonflés à bloc

Par Waqas Mirza

La compagnie « Les fondateurs » met la patience des petits à l’épreuve. Sur une scène sans décor peuplée par des acteurs, la pression monte petit à petit. Avec de nombreux éclats… de ballons, de rire, et parfois pire. Pleine à craquer, la salle intime du Petit Théâtre lausannois en ce mercredi après-midi. Pendant que le jeune public prend place sur ses longs bancs rouges, … [suite]

Nous sommes repus mais pas repentis

À partir de Déjeuner chez Wittgenstein de Thomas Bernhard / mise en scène Séverine Chavrier / Théâtre de Vidy / du 9 au 20 mars 2016 / plus d’infos

©Samuel Rubio

Les critiques :

Je déteste Wagner

Par Julia Cela

De retour de l’asile psychiatrique Steinhof, Ludwig Wittgenstein partage un premier repas avec ses sœurs dans la maison familiale. Nous sommes repus mais pas repentis est un spectacle où l’expérience esthétique élégante et brutale fait entendre avec brio le texte de Thomas Bernhard. En regardant le plateau, on s’imagine une boîte à musique. … [suite]

Fiasco sous haute tension

Par Camille Logoz

Séverine Chavrier monte à Vidy sa version de Déjeuner chez Wittgenstein. Ce texte de Thomas Bernhard met en scène le retour à la maison du philosophe pour un repas de famille après un séjour à Steinhof, hôpital psychiatrique aux abords de Vienne. Un spectacle saturé, entre farce et maladie, qui se nourrit des travers exacerbés de ses personnages pour créer un huis clos oppressant. … [suite]

Sallinger

De Bernard-Marie Koltès / mise en scène Sandra Gaudin / La Grange de Dorigny / du 10 au 12 mars 2016 / plus d’infos

©Julie Masson

Les critiques :

Du rire aux larmes

Par Deborah Strebel

La compagnie Un air de rien s’est intéressée pour la première fois à un texte de théâtre : celui de Sallinger, écrit par Bernard-Marie Koltès. Au sein de cette pièce tragique, elle injecte de petites doses d’humour. Juste de quoi alléger le discours cynique de l’auteur sans en altérer le piquant. Devant un rideau ocre fermé, une brochette de personnages s’aligne. … [suite]

Impertinence

Par Valmir Rexhepi

Puissant et rythmé, Sallinger est une balle chevrotine, un obus explosif, une grenade incendiaire qui nous saute à la figure sans crier gare. Sandra Gaudin tient la barre. À bord, les comédiens de la compagnie Un Air de Rien s’affairent pour aborder la pièce écrite par Koltès à la fin des années septante. Après plusieurs créations, la metteuse en scène et sa compagnie partent pour la première fois à la conquête d’un texte de théâtre … [suite]

Blanche/Katrina

De Fabrice Gorgerat / mise en scène Fabrice Gorgerat / par la Compagnie Jours tranquilles / L’Arsenic / du 4 au 13 mars 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Du désir au cimetière

Par Nadia Hachemi

Cinquante ans après le débarquement de Blanche à l’arrêt « cimetière » de la ligne de tramway « Désir », La Nouvelle-Orléans est à nouveau envahie : Katrina. Simple coïncidence ? Fabrice Gorgerat n’est pas dupe ! Le spectacle ouvre l’enquête. Dans la relation d’amour et de haine qui lie l’homme à la terre comme elle liait entre eux les héros de Tennessee Williams, … [suite]

On va tout dallasser Pamela !

Création et mise en scène Marielle Pinsard / Théâtre de Vidy / du 4 au 13 mars 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Petit précis d’une drague à l’africaine

Par Jehanne Denogent

La température du chapiteau s’élève de quelques degrés au théâtre de Vidy avec On va tout dallasser Pamela ! : un lexique savoureux et haut en couleur de la séduction à l’africaine Dallasser : expression d’origine sénégalaise signifiant fêter, s’amuser, crâner en soirée – Le rythme est annoncé, celui d’un spectacle cadencé, énergique, festif. … [suite]

« Faut pas me chauffer le rognon ! »

Par Elisa Picci

On va tout dallasser Pamela ! analyse la façon de draguer dans les pays d’Afrique francophone. Pour ce faire, sept personnages racontent leur rapport à la séduction en fonction de leur lieu d’origine. Adresses au public, danses, chants, tout est mis en œuvre pour plonger le spectateur dans une ambiance entièrement africaine. … [suite]

Claptrap

Conception Marion Duval / interprétation Marion Duval et Marco Berrettini / Théâtre de l’Usine (TU) / du 4 au 9 mars 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Persodiens

Par Valmir Rexhepi

Quand commence le spectacle ? S’achève-t-il ? Claptrap floute avec insistance et entrain la frontière entre fiction et réalité. Marion Duval et Marco Berretini nous attendent devant le rideau gris tandis que nous prenons place, plus ou moins bruyamment, sur les différents niveaux de gradins, enjambant les chaises, nous excusant, pardon, oui, désolé, merci, ce n’est rien. … [suite]

C’est pour de vrai

Par Sabrina Roh

Marion et Marco s’aiment. Pour passer encore plus de temps ensemble et célébrer leur relation, ils ont écrit une pièce à la hauteur de leur amour. Ça donne Claptrap, une magnifique histoire d’amour, une véritable célébration des sentiments entre un homme et une femme, une ode à la sincérité. En fait non, ce n’est pas ça. Je vous mens. Mais comment pouvez-vous en être certain ? … [suite]

Cupidon est malade

De Pauline Sales / mis en scène Jean Bellorini / Le Théâtre du Passage / 21 février 2016 / plus d’infos

Les critiques :

L’amour expliqué aux enfants

Par Elisa Picci

S’inspirant du Songe d’une nuit d’été de William Shakespeare, Pauline Sales cible sa pièce sur des questions très actuelles comme l’amour, le désamour, le remariage ou encore le divorce. Instruments de musique, terrain de football, pot de confiture et philtre d’amour de Cupidon, un mélange d’éléments simples et efficaces pour expliquer aux enfants les péripéties amoureuses de leurs parents. … [suite]

Jouer sur le terrain de Cupidon

Par Emilie Roch

Librement inspiré du Songe d’une nuit d’été de Shakespeare, Cupidon est malade aborde avec fraîcheur et originalité le thème du divorce et du remariage à travers le point de vue des enfants. « Un mariage est une bonne journée pour enterrer une hache de guerre », déclare Lysandre à sa toute nouvelle épouse Hermia, un peu attristée dans sa robe blanche en tulle. … [suite]

Imaginer les lézards heureux

D’après le roman L’Île des condamnés de Stig Dagerman / mise en scène Ludovic Chazaud / par la Cie Jeanne Föhn / Théâtre La Grange de Dorigny / du 16 au 20 février 2016 / plus d’infos

Les critiques :

L’impossibilité de l’île

Par Suzanne Crettex

« Rester debout mais à quel prix ? Sacrifier son instinct et ses envies. » Comme dans la chanson d’Etienne Daho, ces cinq naufragés, interprétés par les membres de la compagnie Jeanne Föhn, sont au « dernier jour du reste de [leur] vie ». Une ambiance de condamnation à mort imminente qui sert de cadre à une interrogation un peu confuse sur l’absurdité et la liberté. … [suite]

Condamnés à leur liberté

Par Josefa Terribilini

« À quoi sert le désir de révolte quand on ne se révolte pas alors qu’on est rassasié ? » La culpabilité de l’Homme est au centre du questionnement sans fin de cette production de la Cie Jeanne Föhn, adaptée d’un roman de Stig Dagerman. Sur une île déserte, cinq naufragés et un papillon marin tournent et retournent la question de la liberté … [suite]

Piccoli Sentimenti

Conception Antonio Catalano et Alain Moreau / écriture, marionnette et mise en scène Alain Moreau / Le Reflet (Vevey) / du 13 au 14 février 2016 / plus d’infos

©Melisa Stein

Les critiques :

Les grands sentiments d’une petite marionnette

Par Amandine Rosset

La troupe belge du TOF théâtre propose en ce moment à Vevey un voyage dans un univers rempli de surprises et de poésie. A travers une histoire très simple racontée sans un mot, le public découvre une petite marionnette à l’aspect bien particulier, qui explore le monde en éprouvant de nombreux sentiments. Dès leur entrée dans la salle, les spectateurs ont les sens en éveil. … [suite]

Du vent… des fantômes

D’Eve Bonfanti et Yves Hunstad / TKM / du 9 au 14 février 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Le vide de l’absolu ou le spectacle paléontologique

Par Josefa Terribilini

La petite dame du premier rang a vu juste : « c’est le monde à l’envers ! ». Dans ce deuxième volet de La Trilogie sur le théâtre (que l’on peut d’ailleurs voir sans avoir assisté au précédent), les belges Eve Bonfanti et Yves Hunstad imaginent un spectacle à rebours des attentes qui sans cesse surprend, déconcerte, stimule. Baignés dans la lumière crue d’une scène en préparation, … [suite]

Mais d’ailleurs le théâtre, c’est quoi ?

Par Sabrina Roh

Avec le deuxième volet de La Trilogie sur le théâtre, Eve Bonfanti et Yves Hunstad continuent leur voyage dans les abîmes du théâtre. Alors que l’on se demandait dans La Tragédie comique, pourquoi venir au théâtre et pourquoi en faire, ce sont les prémices d’une pièce qui sont dévoilées dans Du vent… des fantômes. Tout ce qui se passe en amont de la représentation mais qui n’est jamais montré. … [suite]

La Tragédie comique

De Yves Hunstad et Eve Bonfanti / mise en scène Eve Bonfanti / TKM / du 2 au 7 février 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Ai-je bien fait de venir ?

Par Jonathan Hofer

La question intervient dès les premières paroles sur le plateau. A la fin du spectacle, tout le monde sait que Yves Hunstad est bien le seul à la poser. Le premier amour de la Fabrique imaginaire entame la trilogie sur le théâtre à Kléber-Méleau. Et si la suite est au goût de l’entrée, c’est un véritable banquet qui s’annonce ! Il est tout seul, ils sont un, il est deux. … [suite]

L’illusion véritable d’une tragédie comique

Par Suzanne Crettex

Avec La Tragédie comique, Yves Hunstad – seul présent sur scène – et Eve Bonfanti nous emmènent dans une création époustouflante, au rythme de mises en abymes, de jeux de miroirs, de paradoxes. Un théâtre dans le théâtre dans la plus pure tradition baroque pour interroger la vanité et la nécessité fondamentale de continuer à raconter des histoires. … [suite]

NEONS, never ever, Oh ! Noisy Shadows & Vacuum

Concept, chorégraphie, texte de Philippe Saire / par la Compagnie Philippe Saire / TLH / le 30 janvier 2016 / plus d’infos

©TLH

Les critiques :

Des images en mouvement

Par Justine Favre

Deux hommes sur scène, pour deux pièces dansées, toutes deux conceptualisées et chorégraphiées par Philippe Saire. C’est ce que proposait le Théâtre des Halles ce 30 janvier 2016. L’équipe de Vacuum (2015) et NEONS never ever, Oh ! Noisy Shadows (2014), en tournée dans toute la Suisse et bientôt de passage à Paris, a bien fait de s’arrêter dans la petite ville valaisanne. … [suite]

Marla, portrait d’une femme joyeuse

Ecrit et mis en scène par Denis Maillefer / L’Arsenic / du 28 janvier au 7 février 2016 / plus d’infos

©Virginie Otth

Les critiques :

Au bonheur du sexe

Par Elisa Picci

Marla est une jeune femme de 25 ans, escort girl, qui « aime le sexe, aime jouir et faire jouir ». Le public fait connaissance avec cette personnalité tout à fait fascinante grâce à la plume de Denis Maillefer et l’interprétation de Magali Heu. Le spectacle présente une profonde réflexion sur le rapport de l’individu au corps et au sexe, par le témoignage à la fois drôle et lucide de Marla. … [suite]

Regardez-moi

Par Camille Logoz

Marla. Un prénom féminin, annoncé d’entrée de jeu, martelé, dans lequel tient aussi le sujet du spectacle : une jeune femme indépendante, libre d’avoir choisi la prostitution, un travail qui lui correspond ; un rôle, une performance, une image à entretenir, maintenir, soigner. Un outil. Mais aussi une zone de flou, une existence qu’on estompe, un statut auquel on refuse droits, respect et considération. … [suite]

Le Sorelle Macaluso

Texte et mise en scène Emma Dante / La Comédie (Genève) / du 26 au 31 janvier 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Passi d’Angelo

Par Julia Cela

Une pièce pour se rappeler, peut-être, la force de l’amour qui soude une famille. Plongé dans une intimité complice, on suit, en voyeur attendri, les souvenirs de sept sœurs : des scènes intimes, de joie franche, de tendresse ou de douleur, tissées sur une trame chorégraphique gracieuse, comme des pas d’ange. … [suite]

Le Conte d’hiver

De William Shakespeare / mise en scène Frédéric Polier / Théâtre du Grütli / du 26 janvier au 14 février 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Fait divers

Par Jonathan Hofer

Un roi, une reine, de la jalousie, un ours meurtrier, un bandit de grand chemin, des bergers et de la musique. Vous l’aurez compris, la troupe de l’Atelier Sphinx donne à voir dans son interprétation du Conte d’hiver de Shakespeare un spectacle au contenu des plus hétéroclites. A l’occasion du 400^e anniversaire de la mort de Shakespeare, le théâtre du Grütli et l’Atelier Sphinx, emmenés par Frédéric Polier, s’attaquent au Conte d’hiver. … [suite]

Langages universels

Par Marie Reymond

Ce qu’il y a de surprenant avec Shakespeare, c’est que malgré les siècles qui nous séparent de son époque et le nombre incalculable de représentations auxquelles ses pièces ont donné lieu, on ne se lasse pas de voir et revoir ses oeuvres. Ce Conte d’hiver en particulier est une invitation au partage de l’expérience humaine universelle. Cela commence avec les instruments. … [suite]

La vie que je t’ai donnée

De Luigi Pirandello / mise en scène Jean Lermier / Théâtre de Carouge / du 26 janvier au 14 février / plus d’infos

©M.D. Curto

Les critiques :

Entre vie et mort

Par Jonathan Hofer

Comment réagir face à la mort d’un fils ? Et s’il continuait à vivre à travers sa mère, s’il ne s’agissait, finalement, que d’un second don de vie ? Ou alors faut-il se laisser mourir avec lui ? « Se martyriser, se consoler, s’apaiser. Oui, c’est bien cela la mort ». Entre vie et mort, clarté et ténèbres, pleurs et rire, Jean Lermier donne à voir un spectacle construit dialectiquement. … [suite]

Citizien Jobs

De Jean-François Peyret / avec Jos Houben / Théâtre de Vidy / du 19 au 29 janvier 2016 / plus d’infos

Les critiques :

« Apple » à la réflexion

Par Deborah Strebel

Jean-François Peyret a voulu disséquer le mythe de Steve Jobs. Pour cela, il a eu recours aux talents comiques et poétiques de Jos Houben. En résulte une pièce où rire et réflexion se mêlent dans une évocation biographique libre d’un feu cyberboss milliardaire. La scène est vide, seuls quelques points blancs sont inscrits sur le sol. … [suite]

« Connect the dots »

Par Simon Falquet

C’est un spectacle plus sérieux qu’il n’en a l’air, et plus drôle que ce qu’on pourrait attendre d’un tel sujet. À Vidy, Jean-François Peyret réécrit le mythe de Steve Jobs, de la naissance à la montée aux Cieux, et Jos Houben lui donne vie avec un humour merveilleux d’ingéniosité et de lucidité. Je dois me confesser : je n’avais pas trop trop envie d’y aller. … [suite]

Te haré invencible con mi derrota

D’Angélica Liddell / par Angélica Liddell, compagnie Atra Bilis Teatro / Théâtre Saint-Gervais / du 19 au 23 janvier 2016 / plus d’infos

©Susana Paiva

Les critiques :

Pisser dans un violon(celle)

Par Luc Siegenthaler

La défaite exprimée par Angélica Liddell sur scène dans Te haré invencible con mi derrota ne laisse pas le spectateur invincible. Elle le tourmente, l’épuise, l’exténue. Jusqu’à la catharsis. Etranges correspondances qu’établit sur scène Angélica Liddell avec Jacqueline du Pré, prodige britannique du violoncelle des années soixante, morte à 42 ans de la sclérose en plaques. … [suite]

Du spiritisme rock’n’roll

Par Deborah Strebel

Angélica Liddell interprète pour la première fois en Suisse son spectacle Te haré invencible con mi derrota, créé en 2009. Une époustouflante et très intense tentative de dialogue avec l’au-delà. Frissons et envoûtement garantis. En 2009, Angélica Liddell, alors âgée de 42 ans, s’intéresse au destin tragique de la violoncelliste Jacqueline Du Pré, décédée en 1987 – à l’âge de 42 ans. … [suite]

Dans la mer il y a des crocodiles

D’après Fabio Geda / mise en scène Isabelle Loyse Gremaud / Théâtre des Osses / du 15 au 31 janvier 2016 / plus d’infos

©Jonas Haenggi

Les critiques :

Du récit à la scène : un voyage difficile

Par Lauriane Pointet

Après les spectacles Eldorado ou Une Enéide, la question de la migration est à nouveau au cœur de la programmation théâtrale romande avec Dans la mer il y a des crocodiles, une adaptation du livre éponyme de Fabio Geda présentée jusqu’à fin janvier au Théâtre des Osses. Dans la mer il y a des crocodiles, c’est avant tout l’histoire vraie d’Enaiatollah Akbari, parti d’Afghanistan à 10 ans … [suite]

L’enfant courage

Par Chantal Zumwald

De l’Afghanistan à Turin, en passant par l’Iran, la Turquie et la Grèce, un jeune garçon clandestin lutte pour sa survie durant cinq années. Ce récit de vie poignant et véridique évoque le courage et la foi d’un jeune héros inattendu, Enaiatollah Akbari, âgé d’environ dix ans lors de son départ. L’histoire de Dans la mer il y a des crocodiles est un récit de vie recueilli par l’écrivain italien Fabio Geda … [suite]

Les Aventures de Huckleberry Finn – Part one

D’après le roman de Mark Twain / adaptation et mise en scène Yvan Rihs / TPR / du 12 au 15 janvier 2016 / plus d’infos

Les critiques :

Théâtre à Narnia

Par Simon Falquet

Arriver en train à La Chaux-de-Fonds comme on entre à Narnia, passant en l’espace d’un tunnel du stratus vaudois à un paysage féérique de sapins et de neige. C’est déjà une belle aventure, et peut-être le meilleur conditionnement pour le spectacle présenté actuellement au Théâtre populaire romand : Les Aventures de Huckleberry Finn – Part one. … [suite]

Les critiques :

Un jeu d’enfants

Par Jonathan Hofer

« AVERTISSEMENT : Quiconque essaiera de trouver un sens à ce récit sera poursuivi ; quiconque essaiera d’y trouver une morale sera banni ; quiconque essaiera d’y trouver une intrigue sera fusillé. Par ordre de l’auteur. » C’est sur cette épigraphe que commence la représentation, un voyage entre le pays de l’enfance et le Mississippi. … [suite]

Plan Cul

Concept, jeu et musique de Philippe Wicht Böse Wicht Zone / l’Arsenic / du 12 au 17 janvier 2016 / plus d’infos

Les critiques :

« I’m super horny tonight »

Par Sabrina Roh

Il y a plusieurs façons d’aimer le sexe, selon le personnage hautement sensuel et très peu pudique qu’incarne Philippe Wicht dans Plan Cul, sa dernière performance créée à l’Arsenic. Si certains aiment l’acte quand il est sauvage, ou d’autres quand l’ambiance est romantique, il y en a qui optent plutôt pour du sexe radical, sans chichis. … [suite]

Rapports

Par Josefa Terribilini

« J’ai rien senti », chuchote Philippe Wicht. Et pourtant, cette performance ne laisse pas indifférent. Dans PLAN CUL, qu’il conceptualise et interprète, l’artiste nous fait crûment parcourir tous les sentiments contradictoires constitutifs de ce genre de rencontres au travers une série de sons, de lumières et de mouvements qui souvent nous emmènent loin dans son propos, mais nous dérangent parfois. … [suite]

Sauvage : Opéra de Chambre

De Dominique Lehmann (musique) et Pierre Louis Péclat (livret) / mise en scène Hélène Cattin / Théâtre de la Grange de Dorigny / du 8 au 10, puis du 15 au 17 janvier 2016 / plus d’infos

©Lauren Pasche

Les critiques :

Pulsions sauvages

Par Emilie Roch

Impudique et effrontée, la mystérieuse Liaraca se divertit à gratter la fine couche de bienséance qui régit les rapports entre quatre amis de la bonne société. Sauvage : Opéra de Chambre donne à voir et à entendre le choc entre un monde « primitif » incarné par Liaraca, libre de toute convention sociale, et les membres d’un monde civilisé, empêtrés dans leurs jugements de valeur. … [suite]

Civilités et sauvagerie

Par Amandine Rosset

Comment réagir face à la sauvagerie ? Est-ce que tout le monde n’aurait pas une part sauvage au fond de lui-même ? Et finalement, qu’est-ce que la sauvagerie ? Voilà les questions que soulève l’opéra tragicomique repris par Hélène Cattin. La metteure en scène Hélène Cattin s’est lancé le défi de diriger sa première pièce musicale. … [suite]

Tiempos

De et par Danièle Chevrolet et José-Manuel Ruiz / cie Les Héros Fourbus / Petithéâtre de Sion / du 26 décembre 2015 au 3 janvier 2016 / plus d’infos

©Michaël Abbet

Les critiques :

Nostalgie et travail du temps

Par Chantal Zumwald

Difficile démarche que d’expliquer ce qu’est le temps. C’est pourtant le défi que s’est lancé la compagnie valaisanne des Héros Fourbus, créée en 2007. Danièle Chevrolet et José-Manuel Ruiz, accompagnés d’une musique originale de Stéphane Albelda jouée en live par Fanny Hugo, ont choisi d’illustrer ce temps qui passe à l’aide de marionnettes de bois articulées, qu’ils ont créées eux-mêmes aidés de Christophe Kiss. … [suite]

Cette année Noël est annulé

Carte blanche à Robert Sandoz / Laboratoire spontané du Théâtre Am Stram Gram / du 15 au 20 décembre 2015 / plus d’infos

Les critiques :

Et le Vent volera Noël

Par Waqas Mirza

Le directeur du théâtre Am Stram Gram Fabrice Melquiot a mis le metteur en scène Robert Sandoz à l’épreuve en lui imposant le titre d’un spectacle à monter pendant les fêtes : “Cette année Noël est annulé”. Défi relevé à cent à l’heure. Un trio d’improvisateurs comiques, dont Sandoz lui-même, divertit les enfants pendant une heure, et parvient même à leur enseigner deux ou trois choses. … [suite]

Les coulisses à l’honneur

Par Lauriane Pointet

Créer en une semaine un « spectacle pour enfants de qualité », telle était la mission donnée à Robert Sandoz dans le cadre des laboratoires spontanés du théâtre enfance et jeunesse Am Stram Gram à Genève. Le metteur en scène a relevé le défi avec ses deux comparses Adrien Gygax et Ernesto Morales. … [suite]

Wild West Women

De Caroline Le Forestier / par Le Théâtre de l’Ecrou et Solentiname / mise en scène Augustin Bécard / Théâtre de La Grange de Dorigny / du 10 au 12 décembre 2015 / plus d’infos

©RAP

Les critiques :

Pionnières d’hier et d’aujourd’hui

Par Chantal Zumwald

Dans un monde de pionniers, aux Etats-unis, en 1851, trois femmes asservies de différentes façons brisent leurs liens avec un passé douloureux pour se jeter dans l’inconnu, avec la liberté et l’espoir d’une vie meilleure comme seules forces, au milieu d’un monde hostile, farouchement dirigé par des hommes avides de domination. … [suite]

Emancipation trail

Par Fanny Utiger

Sur l’Oregon trail, émancipation genrée et générique. Ou comment trois femmes dépoussièrent le western et se font une place dans un monde qui souvent n’en a laissé qu’aux hommes. Charlotte, jeune esclave noire exploitée, violentée, violée par son maître, à la recherche du fils qu’on lui a retiré. Rose, réprimée par un mari qu’elle n’a pas choisi et qui lui reproche sa vivacité intellectuelle comme sa soif d’apprendre et de lire. … [suite]

Orthodhoxes

Écrit et mis en scène par Casimir M. Admonk / TU –Théâtre de l’Usine / du 10 au 16 décembre 2015 / plus d’infos

©TU

Les critiques :

On n’est plus des enfants

Par Léa Giotto

Une pesanteur artificielle évoquant tour à tour la chute ou l’ascension. Ou les deux à la fois. Ou aucun des deux. Les corps se balancent au bout d’un fil, l’œil est absent et l’allure folle. La transposition d’un texte poétique sur scène sans aucun passage du texte en question, voici ce qui est offert au spectateur. Celui-ci doit être prêt à s’approcher, de plus en plus, encore un peu, pour aller directement au ressenti. … [suite]

En suspens

Par Laura Weber

Composé de chorégraphies aériennes, Ohrtodhoxes se développe par une succession de scènes en lévitation. Mais l’équilibre de ce ballet aérien se révèle précaire, et pointe la crainte d’un vacillement. Pour sa première création théâtrale, Casimir M. Admonk compose une pièce pour le moins déroutante. … [suite]

Une Énéide

D’après L’Énéide de Virgile / conception et mise en scène Sandra Amodio / texte et adaptation Sébastien Grosset / La Grange de Dorigny / du 3 au 5 décembre 2015 / plus d’infos

©Hélène Tobler

Les critiques :

L’épopée des invisibles

Par Emilie Roch

La metteure en scène Sandra Amodio a vu un parallèle entre l’épopée d’Enée, célèbre héros virgilien, contraint de fuir sa Troie natale par la voie maritime, et le destin de millions de migrants qui, tous les jours, risquent leur vie en mer dans l’espoir d’une vie meilleure. De la rencontre de l’antique Enéide et d’une réalité contemporaine est né un spectacle soucieux de donner un corps et une voix à ceux qui forment cette masse indistincte et déshumanisée que nous relaient les médias. … [suite]

Bienvenue aux Enfers

Par Suzanne Crettex

« Toute une foule se ruait et venait se répandre sur la rive : des femmes, des hommes, les corps des héros magnanimes, des fils, des filles […] Mais le sombre passeur prend les uns, puis les autres ». Récité par une voix off, cet extrait de L’Enéide de Virgile fait étrangement écho « au récit de milliers de migrants qui échouent au large de Lampedusa et aux frontières de l’Europe » … [suite]

Les critiques :

De l’opéra au théâtre

Le drame aux camélias

Les critiques :

Après la pluie, le beau temps

Le printemps des émotions

Les critiques :

La montagne, ça vous gagne

Au choeur de la montagne

Les critiques :

Être serpent comme n’importe quel autre être humain

Deux femmes, un combat

Mani-feste

Les critiques :

S’envoler pour « gamma » ?

Liberta Terra Gamma

Les critiques :

Hommage à la mémoire

Les critiques :

Quelque chose de plus grand

Les critiques :

Un rythme à rebours

Est-ce humain de piétiner comme ça une vie entière ?

Les critiques :

Une savoureuse vengeance

Parangon de la vengeance

Les critiques :

Conjurer le mal

La fête des fous (en musique)

La pauvreté invisible et ses voix

L’effondrement des images

Parler d’horreur… en esquissant un mince sourire

« Mon théâtre, je le visualise »

Les critiques :

Hier et aujourd’hui

Radote l’intégration, je les attends depuis trois générations

Les critiques :

Critiquer sur Pièce

Les critiques :

La musique des corps

Dangerous eyes

Les critiques :

Cauchemar angoissant

Les critiques :

Surmenage de neurones aux Temps Modernes

Un duo qui décartonne

Les critiques :

Donner forme à la douleur

Ceci est le corps de ma mère

Les critiques :

Le lent souffle des trombones

Récits d’après révolution

Les critiques :

Imposture posthume n’a rien d’une imposture

Souffle dans l’immensité

ADA

27 mars 3019. Expédition pour la sauvegarde urgente des derniers sites de création humaine. Deuxième jour de fouilles.

Comment être humain : notice explicative à l’attention des androïdes, cyborgs et autres humanoïdes.

Jeux intellectuels

Episode 826 : les joutes murales asynchrones

Anti-charisme opérant et autres tribulations au travers d’une représentation

Défossilisation des sons posés sur les choses

Traduire Joël

Transgression métaleptique

Les critiques :

Quand la scène donne sens au monde

Être au monde comme au théâtre : un triptyque philosophique

Les critiques :

Pérégrinations virtuelles

Immersion en corps étrangers

Les critiques :

Resonger la féérie

Fourmillement coloré

Les critiques :

Au palais des glaces

« Les oiseaux nés en cage pensent que voler est une maladie. »

Les critiques :

Au-delà des rouages, le temps de l’émerveillement

Les critiques :

L’élasticité du désespoir