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A Theatrical Mistressclass on the Gregarious & Moral (si ! si !) Necessity of Playing A Midsummer Night’s Dream (again ?)

The desire to Dream again — SMT played A Midsummer Night’s Dream at the Grange de Dorigny five magical evenings in June of 1994 — grew out of a sudden awakening to the fact that the hilariously dark comedy is a “homage” to Ovid’s divine Metamorphoses. True, all lovers of Shakespeare “know” that, but there are infinite degrees of “knowledge,” and the nature of “knowledge” varies greatly depending on where in our being it is situated: our head, our heart, our desire, our soul, all of these … Shakespeare’s great comedy of transformation grows out of his intimate knowledge of Ovid’s Metamorphoses, a knowledge of the head, the heart, of desire and of the soul… A knowledge that cannot fully exist by simply being “known,” but needs to be celebrated, to be shared, to be played… and played again… because the celebration, the sharing, the playing allows both our dream knowledge and our waking knowledge to expand.

Before A Midsummer Night’s Dream can be played in this awareness, however, there needs to be a certain preparation, on the part of the members of a production as well as on the part of its audience. Shakespeare’s knowledge of The Metamorphoses — which he discovered in his school years and reread and rethought continuously — far surpasses ours. To do even the slightest justice to his intimate understanding and creative transformations of Ovid’s depictions of the unpredictable changes of our outer and inner universes — and their interactions — needs not only another replunging into Shakespeare’s Dream. It also demands another replunging into the psychological mechanisms that spawn the needs for and the anxieties created by continuous transformation. What better way to do so than rethinking The Metamorphoses ?

Roelof Overmeer


A Theatrical Mistressclass on the Gregarious & Moral
(si ! si !) Necessity of Playing A Midsummer Night’s Dream (again ?)

by The Queen’s Women:
Mathilde Coquillat
Lelia Flütsch
Céline Kramer
Vincenza Laughery
Sarah–Jane Moloney
Oxana Mroczek
Roelaf Overmeer
Andrea Reilly
Rebecca Signer
Alisa Steinhauser

Lights
Orson Gremaud

Also featuring:
Publius Ovidius Naso Arthur Golding + and his Labrador retriever
A rare recording of Shakespeare’s mother’s voice!

Also, also featuring:
And the audience !
Comedies have a twofold function. They are meant to make us laugh and think collectively. They engender collective laughter at socially destructive behaviour in the hope that being conscious of that destructive behaviour will allow the community to correct it. A Midsummer Night’s Dream, Shakespeare’s most oft-staged and oft-filmed play is almost always played for its magical marriage of complex love stories and rambunctious humour. Understandably. The comic potential of love relationships is an inexhaustible ore which few have mined and expressed more insightfully than Shakespeare in his comedies. However, productions of the play usually sever the line of comic love stories from its darker, parallel line of force which seeks to identify the forces and systems and the individuals empowered by those systems that counter or pervert love. Our Mistressclass, consisting of theatre, staged commentary, and audience participation is a staging of the play’s rambunctious love stories, but also of the play’s expression of the forces, within ourselves as well as without, that desecrate love.

 

King Lear (a tragic comedy)

 

 

« King … Lear (a tragic comedy) »

Théâtre de La Grange de Dorigny, Lausanne, 19 mai 2017

Mise en scène
Roelof Overmeer
Sarah-Jane Moloney

Distribution
Ben Davis
Rebecca Frey
Vincent Laughery
Sarah-Jane Moloney
Roelof Overmeer
Alisa Steinhauser
Josefa Terribilini

Lumières
Rebecca Frey
Orson Gremaud

Musique
Pascal Desarzens, interprétée sur scène par le quatuor Solem (Denitsa Kazakova, Olivier Piguet, Céline Portat et Pascal Desarzens)

Le Roi Lear, c’est :

  • La dernière (probablement) des quatre inépuisables tragédies (date de la création : le 26 décembre 1606) que le poète de Stratford-upon-Avon, petite ville du Warwickshire (environ 2,000 habitants en 1564), nous a léguées…
  • Un monarque absolu injuste, aimé par les justes…
  • Un roi dont l’histoire est racontée au 12e siècle par Geoffrey of Monmouth dans son Histoire des rois britanniques, que Shakespeare lit et transforme en mythe humaniste que prolongent Korol Lir de Grigori Kozintsev, Ran d’Akira Kurosawa, King Lear de Jean-Luc Godard…
  • Un conte de fées…
  • La plus grecque des tragédies de Shakespeare… l’histoire d’un homme aveugle qui finit par voir… trop tard… (ou peut-être pas)…
  • Une vision apocalyptique qui n’exclut pas l’espoir…
  • Une pièce de méta-théâtre…
Le Roi Lear : 

Une tragédie ne peut être tragique

Comme tout le monde le sait, nous avons hérité le mot “théâtre” des Grecs, mais nous oublions souvent qu’il s’est produit un glissement entre l’utilisation du mot chez les Grecs et nous. Les Grecs séparaient le lieu des représentations théâtrales en plusieurs espaces : l’orchestra est le cercle de terre où se trouvent le chœur, les danseurs, chanteurs et musiciens. Le proskenion, estrade étroite en bois, est le lieu où jouent les acteurs. La skéné est un édifice qui sert de coulisses aux acteurs ; et le theatron (de ??????? ?(theáomai), “je vois”) désigne l’espace où se tiennent les spectateurs, ceux qui regardent, qui voient. En donnant le nom de “théâtre” à l’expérience théâtrale dans son ensemble, les Grecs nous rappellent que le roi Lear et ses filles, ainsi que leurs actions, sont des fictions. Leurs drames ne sont pas réels et ne peuvent, par conséquent, pas être tragiques. Au théâtre, le vrai drame (de drama < dran < “agir,” “faire”) ne peut avoir lieu, ne peut être tragique ou non, que dans l’imaginaire et les actions des membres du public.

Aucune autre des prodigieuses tragédies de Shakespeare va aussi loin que son King Lear dans une tentative d’offrir au theatron, au public, la responsabilité de “voir.” Toute la pièce nous prépare à être voyant, et les dernières paroles de Lear nous mettent en face de cette responsabilité :

“Do you see this ? Look on her ! Look, her lips.

Look there, look there.”

Notre projet, King / Lear, a donc été conçu et travaillé dans l’idée que les vraies actions dans une tragédie sont toujours des actions à venir… Elle espère, avec sa mise en scène, son jeu, sa musique et sa lumière, plutôt que proposer une lecture, proposer une lecture à prolonger…
Shakespeare’s great plays are like territories that, no matter how often they have been travelled, continue to offer new vistas, new directions of thought, new lines of emotion. This is surely because Shakespeare has willed us plays born of an extraordinarily fertile imagination and sensitivity miraculously capable of inspiring the imagination and sensitivity of those moved to translate (in the literal sense) his stories and poetry into their own worldview.

These “translators” are, of course, his audience, his happy but not so few spectators, actors, directors, composers, filmmakers, readers …

“Traduttori, traditori” ?

Plays are written to be staged, i.e. translated and therefore “betrayed”.  Not all playwrights accept this inevitability, but — perhaps more than the work of any other author — Shakespeare’s plays thrive in translation. They have always been and continue to be brought onto all kinds of “stages” — those of kabuki and musicals, film, television, opera, musical compositions … . To take only King Lear as an example, it suffices to watch Edward Bond’s Lear, Tadashi Suzuki’s Noh-Kabuki play, Tale of Lear, Kurasawa’s Ran, Godard’s King Lear, Kozintsev’s Korol Lir to see that Shakespeare’s creativity inspires creativity, provides, to an extraordinary degree, a springboard for perpetual rethinking.

The project King … Lear (a tragic comedy) grew out of a reading of the play which opened a door leading to the realisation not only that King Lear, though a “tragedy”, is not tragic, but moreover that “tragedy”, being a fiction, cannot be tragic. Only reality can be tragic. A “tragedy” is a fictional response to the tragic realities of the world. It is an emotional, reflective and collective response that hopes to help us become more perceptive. It is, in other words, a “comic” response.

King … Lear (a tragic comedy), then, hopes to contribute to furthering the play’s “comic” potential, its potential to help us “see”. Its leading lines will use the dark, “tragic” fable of King Lear in order to attain the play’s comic desire: to make the world lighter …

Divagations avec Maître Tchouang

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Divagations avec Maître Tchouang :
une comédie philosophique sans fin
(mais en musique !)

Théâtre La Grange de Dorigny, Lausanne, 9 mai 2016

Théâtre du Vide-Poche, Lausanne, 10-12 novembre 2016

Château de la Roche, Ollon, 30 novembre 2016

Leysarium, Leysin, 29 janvier 2017

Théâtre La Grange de Dorigny (foyer), Lausanne, 31 août 2017

 Mise en scène : collective
 Jeu : Vincent Laughery et Roelof Overmeer
 Musique : Pascal Desarzens et Vincent Laughery
 Lumière : Romy Siegrist
 Texte : Roelof Overmeer

(avec nos remerciements à Lucienne Favre-Eich, qui nous a permis d’utiliser sa très belle broderie pour notre décor)

«Voilà, je vais chercher à t’expliquer les choses par une divagation, sache toi aussi divaguer en m’écoutant si tu veux pénétrer le sens profond de mes paroles.»  
Tchouang-tseu (traduction de Jean Levi)

Pièce d’après le Tchouang-tseu (fin 4e siècle – début 3e siècle avant notre ère) attribué au poète Tchouang-tseu (Maître Tchouang).

Alice … Alice … Alice …

Alice poster

…est un spectacle construit à partir de l’histoire et des intentions poétiques et philosophiques (présumées ou imaginées) du célèbre roman Alice in Wonderland (Alice au pays des merveilles) du logicien/mathématicien anglais Charles Dodgson (alias Lewis Carroll).

(spectacle en anglais) 
avec: Marina Bundgaard, Elodie Miserez, Roelof Overmeer, Florence Rivero
musique: Pascal Desarzens
technique: Romy Siegrist

“Never lose a holy curiosity.” (Albert Einstein)

Les Bacchantes

 

Les Bacchantes

d’Euripide

par Sun&Moon

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jeu et mise en scène: Michael Groneberg, Sarah-Jane Moloney, Roelof Overmeer

musique: Antoine Fachard

chant: Aline Kohler

voix: Sophie Bocksberger, Nikos Mamangakis

danse: Sophie Bocksberger

images: Adrien Bordone et Antoine Gallay

éclairage: Sylvain Laramée

texte: d’après une traduction de Dominique Jaillard, Aurélie Matthey, Olivier Thévenaz et Pierre Voelke

affiche: Iris et Benny Dwir

Les Bacchantes décrit et écrit une circulation entre pôles (imaginaires) : divin/mortel, féminin/masculin, culture/nature, justice/injustice, passif/actif, responsabilité/destin, violence destructrice/violence créatrice, passé/présent, désir/dégoût, profondeur/linéarité et j’en passe. Elle frustre ainsi notre besoin fou (penthéen ?) de territorialiser le sens, et nous oblige à voyager, à nous exiler, à nous déterritorialiser. Serait-ce cela la folie dionysiaque ?

The Tempest (a repetition, a repetition, a repetition…)

  • The Tempest est un temps… le temps de l’événement…
  • C’est à dire ?
  • Advenu et à venir…
  • C’est à dire ?
  • Ouvert…
  • Qui en est le personnage principal ?
  • Le public…

(“Entretiens avec Shakespeare”)

jeu et mise en scène de Vincent Laughery, Sarah-Jane Moloney et Roelof Overmeer

musique de et par Antoine Fachard

1er mai, 20h (foyer de la Grange) 2, 5, 8, 9 mai (terrasse Anthropole)

L’Ecole des femmes

”Un air doux et posé, parmi d’autres enfans,

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M’inspira de l’amour pour elle dès quatre ans ;

Sa mère se trouvant de pauvreté pressée,

De la lui demander il me vint la pensée ;

Et la bonne paysanne, apprenant mon desir,DSC03131

À s’ôter cette charge eut beaucoup de plaisir.

Dans un petit couvent, loin de toute pratique,

Je la fis élever selon ma politique,

C’est-à-dire ordonnant quels soins on emploîroit

Pour la rendre idiote autant qu’il se pourroit.”

EDF10mise en scène collective

avec: Sophie Bocksberger, Christine GilPose, Jérôme Giller, Roelof Overmeer, Pierric Tenthorey

lumière: Nicolas Mayoraz

musique: Antoine Fachard, Pierre Kehegias

Hamlet

Rebecca Frey, Pierric Tenthorey © Damien Carnal
Rebecca Frey, Pierric Tenthorey
© Damien Carnal

Hamlet étant une des pièces les plus connues, les plus jouées, les plus filmées du répertoire mondial, il n’est pas nécessaire de re-raconter l’histoire de son “héros” éponyme, ce “héros” peut-être en communication avec le fantôme de son père assassiné, peut-être fou, peut-être fou amoureux, peut-être brillamment perspicace, certainement d’une cruauté psychotique, en tout cas convaincu de pouvoir lire les failles qui sous-tendent les actions et les désirs des autres, mais incapable de voir (ou incapable d’accepter de voir) les sources qui nourrissent sa propre “mélancolie” dévastatrice.

Cependant, si la ligne narrative de l’histoire de la vengeance commanditée du Prince de Danemark est archi-connue, l’univers de la virtualité poétique de l’œuvre continue à s’étendre et à révéler de nouveaux cheminements…

Rebecca Frey, Anas Sareen © Damien Carnal
Rebecca Frey, Anas Sareen
© Damien Carnal

Mise en scène collective
Jeu : Rebecca Frey, Jérôme Giller, Vincent Laughery, Roelof Overmeer, Anas Sareen, Pierric Tenthorey, Valeriya Vershinina
Musique : Antoine Fachard
Lumière : Romy Siegrist

Jérôme Giller, Valeriya Vershinina © Damien Carnal
Jérôme Giller, Valeriya Vershinina
© Damien Carnal

 

Sphinx

(2001) © Sun & Moon Theatre Company
(2001)
© Sun & Moon Theatre Company

Théâtre La Grange de Dorigny, Lausanne
13-15, 18-20 février 1997

6ème Festival de Théâtre Universitaire en Langue Française de Cracovie
Rotunda, Cracovie (Pologne)
9 mai 1997

6ème Festival de Théâtre Universitaire de Lausanne
Théâtre La Grange de Dorigny, Lausanne
29 avril 2001

Texte : Roelof Overmeer
Mise en scène : collective
Eclairage : Cedric Overmeer, Nanda Marques
Distribution 1997 : Léonore Easton, Catherine Flütsch, Yannick Laurent, Roelof Overmeer, Carine Reymond, Aline Stoudmann
Distribution 2001 : Annabel Field, Lorenza Bertoli, Deborah Caccaviello, Tessa Casagrande, Frederick Kermisch, Tiziana Lotti, Valentina Vitale

Léonore Easton (de dos), Roelof Overmeer et Carine Reymond (1997) © Françoise Easton
Léonore Easton (de dos), Roelof Overmeer et Carine Reymond (1997)
© Françoise Easton

Sphinx, un travail théâtral en noir/blanc, commence avec la juxtaposition des deux faces de l’expérience humaine que le théâtre depuis ses origines nous met en scène, la face “comique” et la face “tragique”. La première est narrable. C’est l’histoire (éternelle) d’un voyage, d’une recherche, d’une errance guidée, c’est la quête d’un roi-enfant. La deuxième n’a pas de fil narratif. C’est l’histoire négative, faite de violences, d’exclusions, d’impossibilités.
Les deux masques, comique et tragique, ne se regardent pas, ils regardent le monde, et en le regardant, ils y ont ouvert des espaces parallèles. Avec le temps – quoique parallèles ou parce que parallèles – ces espaces ont fini par s’entrecouper, par se transformer l’un l’autre, par devenir chacun la différence nécessaire de l’autre. Par conséquent, nous ne pouvons plus les opposer, nous (nous) devons (de) travailler dans les intersections. C’est là que Sphinx se situe.
Roelof Overmeer

Yannick Laurent, Catherine Flütsch et Aline Stoudmann (1997) © Françoise Easton
Yannick Laurent, Catherine Flütsch et Aline Stoudmann (1997)
© Françoise Easton

L’alternance, entre langage structuré et mots épars d’un aphasique, entre tragédie et comédie, entre noir et blanc, ou entre rire et étonnement, forme la trame de ce spectacle qui, abouti dans sa forme scénique, reste très mystérieux quant à son message … Pourquoi Sphinx, si ce n’est pour l’énigme ?
Emmanuelle Ryser, 24 heures, 15-16 février 1997

JF cherche petit vélo pas volé gratuit avec bcp vitesses pr mettre ss lit d’hôpital et pr prendre en voyage aller simple. Réponse si photo (du vélo). Ecrire sous …
FK, 2001

Léonore Easton (1997) © Françoise Easton
Léonore Easton (1997)
© Françoise Easton

La Société pour la Protection de l’Habitat des Xanties, L’amicale des moineaux pompiers et le Parti Oiselleux Unifié ont le profond regret de faire part du décès de
Mlle. MOINEAU
qui s’est fait sauvagement et brutalement ramasser par une limousine alors qu’elle apprenait à voler. Nos pensées vont à sa famille et ses amis proches. Nous tenons également à remercier Sa Majesté pour avoir tenté de lui porter secours.
FK, 2001